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Pop-Kultur 2025 wächst: Sechs Tage Programm an neuen Orten
Elfte Festivalausgabe findet vom 25. bis 30. August stattNeue Venues im WeddingApsilon, Eli Preiss, Die Nerven und weitere Acts bestätigt.
Pop-Kultur Nachwuchs: Call for Participation startet am 15. Mai
Pop-Kultur braucht Raum und Zeit. Deshalb feiert Pop-Kultur Berlin seine elfte Festivalausgabe eine ganze Woche lang – vom 25. bis 30. August 2025 in verschiedenen Venues im Wedding sowie am Stammort in der Kulturbrauerei. Zu den neuen Spielstätten gehören neben dem silent green Kulturquartier der Humboldthain Club, das Studio.dB, Panke Culture, Heizhaus, Richten25, SİNEMA TRANSTOPIA und migas – hier wird in konzentrierter Form auch das Format »Pop-Kultur Lokal« stattfinden, kuratiert von der freien Veranstalter*innenszene der Stadt.
»Mit insgesamt sechs statt drei Festivaltagen entzerren wir das Pop-Kultur-Programm und machen eine Woche lang musikalische und popkulturelle Vielfalt an unterschiedlichsten Orten in Berlin erlebbar. Neben international hochkarätigen Künstler*innen freuen wir uns dieses Jahr besonders auf viele Berliner Acts und neue Talente.«
Marie von der Heydt, die Geschäftsführerin des Musicboard Berlin und Festivalleiterin von Pop-Kultur.Pop-Kultur startet im Wedding
Den Auftakt am Festivalmontag und -dienstag macht ein hochkarätiges Talkprogramm im Wedding: In Gesprächen und Panels werden spannende Fragen rund um Popkultur verhandelt. Weitere Details zum Talkprogramm werden in den kommenden Wochen bekanntgegeben.
Musikprogramm: Vielfältig, überraschend, direkt
Pop-Kultur Live Highlights x Mittwoch, 27. August
Sphärisch und visionär: ÄTNA bleibt auf genresprengenden Spuren unterwegs und erschafft zusammen mit dem ensemble reflektor neue Soundwelten in der Betonhalle im silent green. Auch Anika wird das atmosphärische Setting mit ihrer Mischung aus Dub, Post-Punk, Psychedelic und dem Gespür für das Unvorhersehbare ausloten. Für das Partyflair sorgt die ghanaisch-amerikanische Sängerin Moliy, die mit »Shake it to the Max« ein kleines TikTok-Beben ausgelöst hat.
Weitere Acts und DJs zünden danach den Festivalfunken im Humboldthain Club. Für Donnerstag, 28. August ist ein besonderes musikalisches Highlight geplant, das zu einem späteren Zeitpunkt bekanntgegeben wird.
Pop-Kultur Live Highlights x Freitag, 29. August
Am Freitag wird’s vielschichtig und pointiert mit Rapstar-Power in der Kulturbrauerei. Der Moabiter Apsilon verbindet lyrische Präzision mit modernen Trap-Beats. Dabei thematisiert er gesellschaftliche Realitäten aus postmigrantischer Perspektive.
Eli Preiss, eine der spannendsten Stimmen des österreichischen Pop-Raps, trifft den Nerv der Gen Z mit smarter Attitüde und genreoffenem Sound.
Boondawg liefert aus Düsseldorf introspektive Reime mit dunklem Groove – direkt, kantig, klar. Melancholisches Mitwippen und Tanzen zwischen Folk-Pop und düsterem Elektro-Pop bieten die in Berlin lebenden Die Heiterkeit und Dina Summer– jeweils auf ihre eigene Art.
Pop-Kultur Live Highlights x Samstag, 30. August
Indie in all seinen Facetten steht am Samstag im Mittelpunkt: DieNerven greifen tief in die deutschrockigen Saiten, während die dänische Art-Pop-Band Efterklang verschroben, zärtlich und sanft nach großen Wahrheiten sucht. Postpunkige New-Wave-Energie liefert die Berliner Band CURSES. Und Los Bitchos verzichten lieber ganz auf Text und grooven mit viel Verve zwischen 80s, Cumbia und Spaghetti-Western-Ekstase.
Pop-Kultur Nachwuchs: Call for Participation startet am 15. Mai 2025
Auch 2025 bietet Pop-Kultur wieder Raum für Newcomer*innen: 150 Talente aus Berlin und dem gesamten Bundesgebiet werden eingeladen, zwei intensive Tage mit Expert*innen und rund 40 Workshops, Talks und Networking im Herzen Berlins zu erleben.
Das Programm findet am 25. und 26. August im silent green Kulturquartier statt, richtet sich an Musiker*innen, Produzent*innen, DJs, Manager*innen, Label-Gründer*innen, Booker*innen – und alle, die Popkultur kreativ oder unternehmerisch gestalten wollen. Interessierte können sich vom 15. Mai bis 5. Juni 2025 bewerben.
Pop-Kultur Live 2025: Bestätigte Acts & Commissioned Works (CW)
Andreya Casablanca (CW) / Anika / Apsilon / AratheJay / ÄTNA & ensemble reflektor / Becky Sikasa / Bernadette la Hengst & Chor der Statistik (CW) / Boondawg / Canty / Celina Bostic & Sarah Lasaki (CW) / Ceren / CURSES (Live) / Das Beat / Dina Summer / Donkey Kid / Ebbb / Efterklang / Eilis Frawley / Eli Preiss / FAYIM (CW) / Fritz Ali Hansen / The Gilberts / Güner Künier / Gut Health / Die Heiterkeit / Hér / Horizontaler Gentransfer / Kerosin95 / Kyla Vėjas! / Liv Oddman / Los Bitchos / Luna Simao / Meryl Streek / Migluma / Moliy / Muzi / Neromun / Die Nerven / Nzambisa (DJ) / Phuong-Dan (DJ) / Post Neo / Ralph Heidel & guests (CW) / Riot Spears / Saeko Killy with the Club Mirage Band (CW) / Sira Faal / Super Besse / Teresa Rotschopf (CW) / The Underground Youth / YELKA / Yung FSK18 / Zoon Phonanta
Festival-Website www.pop-kultur.berlin
Ticketshop: https://tickets.pop-kultur.berlin/Taged as/in; Andreya Casablanca (CW), Anika, Apsilon, AratheJay, ÄTNA & ensemble reflektor, Becky Sikasa, Bernadette la Hengst & Chor der Statistik (CW), Boondawg, Canty, Celina Bostic & Sarah Lasaki (CW), Ceren, CURSES (Live), Das Beat, Die Heiterkeit, Die Nerven, Dina Summer, Donkey Kid, Ebbb, Efterklang, Eilis Frawley, Eli Preiss, FAYIM (CW), Fritz Ali Hansen, Güner Künier, Gut Health, Hér, Horizontaler Gentransfer, Kerosin95, Kyla Vėjas!, Liv Oddman, Los Bitchos, Luna Simao, Meryl Streek, Migluma, Moliy, Muzi, Neromun, Nzambisa (DJ), Phuong-Dan (DJ), pop kultur, Post Neo, Ralph Heidel & guests (CW), Riot Spears, Saeko Killy with the Club Mirage Band (CW), Sira Faal, Super Besse, Teresa Rotschopf (CW), The Gilberts, The Underground Youth, YELKA, Yung FSK18, Zoon Phonanta#writtenby
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Kalipo – Any Compromises via Iptamenos Discos
Berlin’s Kalipo returns on Iptamenos Discos with Any Compromises—a driving, disco-punk anthem about breaking free and chasing happiness without fear.
Berlin-based producer Kalipo is back on Iptamenos Discos with his new single ‘Any Compromises’. When Jakob Häglsperger isn’t on the road with his legendary electro-punk band Frittenbude or Dina Summer, his collaborative project with Local Suicide, he devotes himself to his solo project Kalipo. With his new single ‘Any Compromises’, he picks up where he left off with his last EP ‘WUT’.
He is always in search of the interface between electronic and indie music. He creates a driving disco-punk sound in his usual signature style. This style draws its energy from straightforward, electronically pounding beats. These beats are deeply rooted in krautrock and techno. A melodic mesh of reverberating guitars and synthesizers unfolds above this – reduced and edgy, with a harmony that is clearly oriented towards the spirit of punk.
At the center of ‘Any Compromises’, however, are Kalipo’s vocals: With a warm, relaxed voice he sings about letting go of old patterns and the uncompromising pursuit of happiness, even if this means leaving everything familiar behind and hoping for a miracle in the end.
The internationally renowned Bavarian producer has been releasing music on labels such as Audiolith, Get Physical, Ki Records, Stil Vor Talent, Heimlich and 3000 Grad for over a decade and reached over 20 million streams besides performing at festivals and clubs all over the world. His sound is unmistakably influenced by the 2000s, when indie and techno collided – a style that is now celebrating its comeback under the term indie sleaze.
Besides the original version, the bundle also includes a club version. It brings more groove to Kalipo’s otherwise rather stoic, straightforward beat. The track remains powerful and dark. With its rhythmic sophistication, it invites you to lose yourself on the dance floor in dark clubs late at night.
Listen:
Taged as/in; Any Compromises, Dark Disco, Dina Summer, Disco, edm, Electro Punk, Frittenbude, Indie, Indie Dance, Iptamenos Discos, Kalipo, Krautrock, Local Suicide, Punk, Sleaze, techno#writtenby
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Estonian Pavilion: “Let me warm you” -La Biennale di Venezia
Estonia’s pavilion “Let me warm you” at #BiennaleArchitettura2025 questions if insulation can do more—reviving mass housing both socially & spatially.
The Ministry of Culture of Estonia presents the installation and exhibition “Let me warm you” curated by architects Keiti Lige, Elina Liiva, and Helena Männa, the Pavilion of Estonia at the 19th International Architecture Exhibition of La Biennale di Venezia (May 10th – November 23rd, 2025). The Pavilion explores whether current insulation-driven renovations are merely a compliance measure to meet European energy targets or if they can serve as an opportunity to enhance the spatial and social quality of mass housing districts.
“Let me warm you”
To highlight this issue, the Estonian Pavilion will cover the facade of a Venetian building with insulation panels, the same practice used in Estonia for mass housing. The palazzetto is located in Riva dei Sette Martiri 1611 on the waterfront. It sits between Corso Garibaldi and the Giardini, within the Castello neighborhood (Address: Riva dei Sette Martiri 1611, Castello, Venice). On the ground floor of the same building, a room, wrapped in plastic film, will host an exhibition showing how social dynamics within different stakeholders have an effect on spatial solutions.
“With this project, we question whether insulation is just a bureaucratic checkbox for meeting EU targets or a real chance to tackle social and spatial challenges. It exposes the clash between bold global ambitions and the everyday realities of people navigating collective decisions.”
assert curators Keiti Lige, Elina Liiva, and Helena Männa.To cope with climate change, one half of the world is installing ever thicker insulation layers. The other half is using increasingly powerful cooling systems. As Europe races toward its transition to climate neutrality by 2050, Estonia has an ambitious goal. It pledges to upgrade all the apartment buildings pre-2000 to at least energy efficiency class C. This sweeping renovation effort is part of a larger European movement to modernize aging housing stock in response to the climate crisis. Insulation should not be treated as a mere quick fix or a ‘bandage.’ Instead, it is a meaningful upgrade in quality of life.
Given the high costs and long-term impact of these renovations, the real challenge is finding a balance between ambitious climate policies and the everyday needs of the people who live in these spaces.
INSTALLATION
The installation, mounted directly onto the existing building’s façade, will use the same materials and design elements typically found in Estonian renovations. Set against the ornate architecture of Venice, this stark contrast serves as a powerful visual statement. In Estonia, Soviet-era apartment block renovations often proceed with little architectural input. This approach reinforces a problematic disregard for the character and potential of these spaces. By juxtaposing a fiber cement-clad façade with Venice’s rich historic fabric, the installation aims to spark a dialogue between inhabitants and architects about the cities and spaces we aspire to live in. YouTube video mock up: www.youtube.com/watch?v=O5ULxLue3zc.
EXHIBITION
On the ground floor of the palazzetto, an exhibition will delve into the social forces shaping renovation decisions. In Estonia, where most apartment buildings are privately owned, renovation choices are often driven by financial constraints, leaving little room for spatial improvements beyond insulation.
The exhibition space (an existing apartment) itself will be wrapped in plastic film. This symbolizes the relentless push for renovation. It also exposes how technical fixes often overshadow the deeper connections and real needs people have with their homes. At its centre, a model of a Soviet-era housing block brings human interactions to the forefront, using theatrical dialogues and exaggerated spatial outcomes to depict how different relationships and interactions have its impact on space.
The exhibition shines a light on the complexities of collective living and renovation decisions. It invites visitors to reflect on the tension between policy-driven energy goals and the lived realities of those affected by them.
The exhibition is accompanied by a catalogue that captures the tragicomedy of an apartment building in six scenes. Based on real people’s stories, it explores themes ranging from the fear of change to the revitalization of the neighborhood.“Intelligens. Naturale. Artificiale. Collettiva.”
The Biennale Architettura 2025 is curated by architect Carlo Ratti under the theme “Intelligens. Naturale. Artificiale. Collettiva.”, and will be about the built environment as one of the largest contributors to atmospheric emissions, placing architecture among the main culprits in the degradation of our planet. As the climate crisis accelerates, architects must offer solutions, substantial and non-cosmetic, effective and quick to achieve.
In this sense, the Estonian exhibition responds to Ratti’s call for pavilions: “This year’s head theme offers good ground to discuss what happens to architecture when the Architect is excluded from the process. Renovation processes that residents plan themselves according to their best knowledge provide a good example. They show how collective intelligence, or lack of it, affects our spatial environment. The Estonian Pavilion gives the message that the architectural quality of the living environment should not be overlooked in renovation processes.” explains Johanna Jõekalda, advisor on architecture and design at the Ministry of Culture of Estonia, Commissioner of the Estonian Pavilion.
With “Let me warm you”, visitors to the Biennale Architettura 2025 will actively engage with the pavilion and the building. By rethinking renovation strategies, Estonia could set an example for Europe: transforming outdated housing not just for energy efficiency, but for a more sustainable and livable future.
CREDITS AND INFO
Pavilion of Estonia:Let me warm you
Website: www.letmewarmyou.com
Instagram: @estonianpavilionAddress: Riva dei Sette Martiri 1611 (Castello neighborhood), Venice
Opening hours: Tuesday–Sunday; 11 a.m. – 7 p.m.
May 10th — November 23rd, 2025Commissioner:
Johanna Jõekalda
Curators Exhibitors:
Keiti Lige, Elina Liiva, and Helena Männa
Organiser:
Ministry of Culture of Estonia
Co-organiser:
Estonian Museum of Architecture
Creative team:
Märten Rattasepp, Kirill Havanski, Aadam Kaarma, Joosep Kivimäe
Production:
Mari-Liis Vunder
Collaborators:
Neeme Külm (Valge Kuup Studio), Margus Tammik, Robert Männa, Markus Puidak, Randel PomberSupporters: Ministry of Culture of Estonia, Cultural Endowment of Estonia, KMT Prefab OÜ, Swisspearl Group AS, PK-Salong, Luminor Bank AS, Brightlux Group OÜ, RAITWOOD, AS Craft drinks company MULL°, Rothoblaas, AT Prateko OÜ, Inmarx Partners OÜ, Estonian Academy of Arts/ Erasmus+, LIFE IP BuildEST, ESSVE Estonia AS, Sokisahtel OÜ.
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Taged as/in; 2025, adaptation, Architecture, Biennale Architettura, climate action, collective living, culture, curators, design, energy, Estonia, Estonian Pavilion, exhibition, housing, Installation, insulation, La Biennale di Venezia, Let Me Warm You, renovation, spatial justice, Sustainability, urbanism, venice#writtenby
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Clubs als Kulturorte: nach Weichenstellung fehlen Reformen
Vier Jahre nach dem Bundestagsbeschluss: Musikclubs warten weiter auf Reformen bei TA Lärm & BauNVO. Die neue Regierung ist jetzt am Zug! #clubsAREculture
Musikclubs warten noch immer auf die entscheidende Umsetzung des Entschließungsantrags des Dt. Bundestags vom 7. Mai 2021: Es bedarf dringend der Novellierung von TA Lärm und BauNVO sowie des Ausbaus und der Verstetigung von Förderprogrammen. Am 7. Mai 2025 jährt sich das Datum, an dem der Deutsche Bundestag per Entschließungsantrag Clubs als Kulturorte einstufte, bereits zum vierten Mal.
In diesen zurückliegenden Jahren vollzog sich ein langsamer Verwaltungsprozess, der unter anderem in der Reformierung der Schallschutzbestimmungen sowie der Baunutzungsverordnung hätte münden sollen. Die neue Regierung sollte diese Fäden schnellstmöglich wieder aufgreifen, um ihrem im Koalitionsvertrag festgeschriebenen Anspruch gerecht zu werden, Clubs als kulturelle Institutionen gesetzlich zu berücksichtigen. Bestenfalls geschieht dies in jeweils separaten Verfahren.
„clubsAREculture“
Vor vier Jahren einigten sich die demokratischen Parteien im Bundestag fraktionsübergreifend darauf, Clubs als Kulturorte anzuerkennen. Der damit verbundene gesetzgeberische Auftrag wurde von den verantwortlichen Ministerien allerdings nur schleppend an- und aufgenommen. Im Zuge der politischen Arbeit der LiveKomm, des Bundesverbands der Musikspielstätten, und begleitet von der Öffentlichkeitskampagne „clubsAREculture“, wurden erst im Sommer 2024 mit entsprechenden Referentenentwürfen Reformbestrebungen sichtbar.
Zuletzt lagen sowohl für die TA Lärm, die den Schallschutz regelt, als auch für die Baunutzungsverordnung Ansätze zur Novellierung vor. Im Falle der BauNVO gelangte ein Gesetzesentwurf noch im September 2024 zu einer ersten Lesung in den Bundestag. Mit dem Ende der Ampelregierung hat die neue Koalition die Aufgabe, diese Fäden wieder aufzugreifen. Sie muss die gesetzliche Basis für moderne Stadtentwicklung schaffen. Außerdem sollte ein Miteinander von Kultur und Wohnen ermöglicht werden.
Kulturschutzgebiete
Einen solchen Reformanspruch formulieren CDU/CSU und SPD auch in ihrem Koalitionsvertrag. Dort findet sich u.a. folgende Passage: „Wir setzen uns für die Initiative Musik und andere bundesgeförderte Initiativen für die Förderung der Musikwirtschaft und der Popkultur ein. Es braucht „Kulturschutzgebiete“, in denen Bestandsschutz gilt und Clubs als Kulturorte durch die Baunutzungsverordnung anerkannt und in der Technischen Anleitung zum Schutz gegen Lärm (TA Lärm) berücksichtigt werden“. An anderer Stelle heißt es: „Programme zur Modernisierung von Bahnhöfen, zur Schaffung von Barrierefreiheit und zum Lärmschutz werden fortgesetzt.“
Forderungen der LiveKomm:
1. Anerkennung des kulturellen Bezugs von Clubs und Livemusikspielstätten innerhalb der BauNVO
Die LiveKomm fordert eine zügige Anpassung der Baunutzungsverordnung. Darin sollen Musikclubs mit nachweisbar kulturellem Bezug als Anlagen kultureller Zwecke eingestuft werden. Wenn diese Forderung nicht umsetzbar ist, sollte der Weg einer gesonderten Gebäudekategorie Musikclub mindestens einen besseren Bestandsschutz und eine Erweiterung der Spielräume für die künftige Ansiedlung von Musikclubs beinhalten.
Dem Bundesratsbeschluss (Drucksache 436/24) entsprechend sollte eine ausnahmsweise Zulässigkeit in allgemeinen Wohngebieten und eine grundsätzliche Zulässigkeit in Gewerbegebieten vorgesehen werden. Zudem sollte das Gesetzesvorhaben eine Definition von Musikclubs mit kulturellem Bezug beinhalten.
2. Umsteuern beim Bundesimmissionsschutzgesetz & Schallschutzprogramm verstetigen
Es gilt, künftig eine regulatorische Unterscheidung zwischen Industrie- und Gewerbelärm (TA Lärm) und Kulturschall einzuführen, um den Anforderungen kultureller Einrichtungen gerecht zu werden. Dabei gilt es u.a. sicherzustellen, dass die Einstufung von Verhaltenslärm des Publikums im öffentlichen Raum eine angemessene Berücksichtigung kultureller Aktivitäten ermöglicht.
Eine Arbeitsgruppe aus UMK, BMK, WMK und KMK sollte eingerichtet werden, um neue Schallregularien zu formulieren und eine kulturelle Stadtentwicklung gezielt voranzutreiben. Das Bundesschallschutzprogramm im BMWSB muss verstetigt werden. Es sollte eine auskömmliche Finanzierung von mindestens 20 Millionen Euro pro Jahr bereitgestellt werden. Dies ist notwendig, um Nutzungskonflikte zwischen kulturellen Orten und Nachbarschaften nachhaltig zu lösen.
Mit der Kulturschallverordnung (V3) hat die LiveKomm auf Basis juristischer Expertise durch die Berliner Kanzlei Härting einen Vorschlag für die Neuregelung des Schallschutzes auf Bundesebene eingebracht. Bei der Umsetzung gesetzlicher Reformen steht die LiveKomm den zuständigen Ministerien, wie schon in der Vergangenheit, gerne als Partnerin zur Verfügung.
Iris Hinze, Sprecherin der AG Kulturraumschutz der LiveKomm: „Die neue Regierung will laut Koalitionsvertrag Clubs als Kulturorte schützen und würdigen. Wir fordern von der neuen Koalition daher, auf Beschlüsse auch zügig Taten folgen zu lassen: BauNVO und TA Lärm müssen vorrangig und separat, notfalls außerhalb gebündelter Gesetzespakete, angepackt werden. Reformen sind schon länger als vier Jahre überfällig – die Schallschutz-Bestimmungen z.B. wurden für den clubrelevanten Bereich seit 1968 nicht angepasst.“
Über die LiveKomm:
Die LiveMusikKommission e.V. (kurz LiveKomm) ist der Bundesverband der Musikspielstätten in Deutschland. Sie repräsentiert mehr als 730 Musikclubs und Festivals in über 100 Städten und Gemeinden. Ihre Mitglieder gehören zu den größten Anbietern lokaler Kulturveranstaltungen. Sie sind bedeutend im städtischen Tourismus. Außerdem fördern sie deutsche und internationale Talente und sind Teil des europäischen Musikspielstätten Netzwerks LiveDMA.
Über die Clubcommission:
Die Clubcommission ist das Netzwerk der Berliner Clubkultur. Sie wurde im Jahr 2001 gegründet und ist mit über 350 Mitglieder die weltweit größte Vereinigung von Clubbetreiber:innen und Veranstalter:innen. Sie unterstützt die Arbeit der Kulturunternehmer:innen durch die Optimierung der Rahmenbedingungen und die Verbesserung der Infrastruktur.
Neben vielen verschiedenen Aktivitäten wie nachhaltiger Stadtentwicklung, Schallschutz, Vermittlung zwischen Clubs, Bauherren und der Nachbarschaft, Verbesserung der Arbeitsbedingungen in der Nachtökonomie und der Entwicklung von Antidiskriminierungs- und Sensibilisierungsmaßnahmen in Clubs, ist die Erforschung der verschiedenen Dimensionen der Clubkultur seit jeher ein wichtiger Bestandteil ihrer Arbeit.
Taged as/in; BauNVO, Clubcommission, Clubkultur, clubsAREculture, Koalitionsvertrag, Kulturerhalt, Kulturpolitik, Kulturschutzgebiet, Livekomm, Musikclubs, Nightlife Matters, Reform Jetzt, Save Our Clubs, Stadtentwicklung, TA Lärm#writtenby
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Le Monde d’Aïcha: Painting the Unbearable
Aïcha Khorchid paints the unbearable: raw, monumental works born of trauma, turning childhood nightmares into devastating beauty.
Based on a Text by Klaus Albrecht Schröder
In the world of Aïcha Khorchid, there are no clear borders between beauty and trauma, dream and nightmare. Her canvases don’t offer escape; they compel confrontation. Yet, it is precisely in this confrontation that her art achieves something extraordinary: it renders the unspeakable not only visible, but devastatingly beautiful.
“Every painting is a wound made visible.”
Is it even possible to speak of “a world” when that world is rooted in childhood terror, forged in violence, abandonment, and despair? Aïcha’s world is not a romantic escape into fantasy, nor an exotic reverie. It is the child’s world—both limitless in imagination and suffocating in its monsters. A world where an iron bedframe looms like a prison, where blood in the bathtub is not metaphor but memory.
Despair has never been painted more beautifully.
These memories—of loss, incarceration, and unbearable pain—are projected onto thick wooden panels, two-by-two meters in scale, as if the sheer size could bear the weight of what they must hold. Her paintings are monumental not just in form but in force: every stroke bleeds. Every composition aches. Her work emerges not from academic rigor, but from raw necessity.
“Aïcha doesn’t paint fantasy. She paints survival.”
And yet—this is not outsider art. Or at least not only. Yes, Aïcha Khorchid never studied perspective, light, or shadow. Her brush obeys no rules. She is self-taught, unfiltered, and steeped in the primal immediacy once revered in the “naïve” art of Henri Rousseau or Niko Pirosmani. But the comparison falters where her pain begins. Aïcha is not painting Sunday landscapes or poetic jungles. Her jungle is the suffocating grip of trauma. Her “naïveté” is not a stylistic choice; it is the raw language of a survivor.
Everything is oversized in Aïcha’s world—especially the pain.
Few artists command space the way Aïcha does. Her visual grammar—frontal figures, distorted proportions, compressed space—recalls the early 20th-century avant-garde’s fascination with unlearning. But hers is not affectation; it is instinct. Each painting is a battleground where figures stand frozen in hopeless confrontation. A bathtub becomes a tomb. A table, an altar of abandonment. Curtains don’t veil; they accuse.
“She didn’t choose painting. Painting chose her.”
In the world of Aïcha, beauty and pain are twin flames. As with Grünewald’s tortured Christ or Picasso’s Guernica, horror here becomes sublime. It is this paradox—despair rendered so gorgeously—that makes her work unforgettable. We look on, unable to look away.
“The viewer becomes the witness. The canvas, the crime scene.”
Born in Karachi and carried across continents—from Lebanon to France—Aïcha’s childhood was fractured early. Placed in state care as one of ten siblings in a refugee family, she moved from one foster home to another, each a new chapter of violence and psychological torment. Her adolescence was marked by survival: dropping out of school, enduring abuse, rediscovering and then losing her mother in one final, irreversible act—suicide.
Decades would pass before she ever picked up a brush. In those years, she lived many lives: a street painter on Paris pavements, an exotic dancer in the Caribbean, a decorator of domestic worlds that would never feel like home. And then—one day—she began to paint.
It was not healing. It was exorcism.
Her art draws from two wells: one filled with pain, the other with dreams of escape. Within this duality lie fleeting images of love, of peace, of some imagined refuge. But they are always fragile, always retreating. The safe space exists only to be invaded.
What Aïcha Khorchid creates is not just art—it is testimony. Her work demands we witness the pain of the voiceless child, the castaway, the forgotten. And in witnessing, we are implicated. Her abused uncle stares out from the canvas with dead eyes. We ask, “What do we want from him?”—but the better question is, “What does the painting want from us?”
To call Aïcha’s work cathartic is too easy. Catharsis implies resolution, and there is none. Her trauma is not resolved, only made visible. And maybe that’s enough. Perhaps art, at its most honest, does not heal but insists that we see.
We may recoil from her world, but we cannot deny it. We may wish to offer thanks that such suffering could lead to such profound artistic expression—but that, too, feels insufficient. Instead, we stand before her canvases, silent, unnerved, moved.
This is Le Monde d’Aïcha. Not a place to rest, but a place to feel.
Aïcha Khorchid | Les choses de la vie
May 2 – June 21, 2025
GNYP Gallery Berlin
Knesebeckstraße 96, 10623 BerlinThursday-Saturday, 12-6 pm
Taged as/in; GNYP Gallery Berlin#writtenby
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PARASITE – Exhibition @ TROPEZ im Sommerbad Humboldthain
SAVE THE DATE: PARASITE – die neue Ausstellung im TROPEZ startet am 7. Juni 2025 im Sommerbad Humboldthain. Kunst trifft Freibad. Eintritt mit Badeticket!
Das TROPEZ, Plattform für junge internationale Kunst im Sommerbad Humboldthain, eröffnet am 7. Juni 2025 und Pfingstwochenende seine neue Sommerausstellung auf dem Freibadgelände im Berliner Wedding.
Unter dem Titel PARASITE präsentiert das TROPEZ in seinem mittlerweile neunten Kunst- und Kultursommer auch in diesem Jahr wieder junge internationale Künstler:innen, von denen viele zum ersten Mal in Berlin zu sehen sind, ergänzt von etablierten Positionen wie Melike Kara und Maya Man.
Begleitet wird die Sommerausstellung von einem hochkarätigen Veranstaltungsprogramm mit Performances, Lesungen, Workshops und Konzerten. Ein Highlight im Programm ist das partizipative Festival, organisiert von Jade Barget & Dr. Nóra Ó Murchú, das erstmalig am 2. und 3. August stattfindet.
Neu ist außerdem eine Kooperation mit der KW Institute for Contemporary Art’s Pogo Bar, die am 17. Juli im TROPEZ zu Gast ist. PARASITE feiert das Unangepasste und zeigt, dass zwischen Regeln, Ordnung und Erwartungen der Raum für Neues und Kreatives liegt.
Skulpturen, Installationen, Performances, Talks, Sportveranstaltungen und Workshops greifen aktiv in den Freibadalltag ein – sie verschieben Gewohnheiten, irritieren Abläufe und eröffnen neue Erfahrungsräume. Ausgehend von Michel Serres’ Theorie des Parasiten untersucht PARASITE, wie sich produktive Einmischung lohnen kann.
SAVE THE DATE: PARASITE
TROPEZ im Sommerbad Humboldthain
7. Juni – 7. September 2025Eröffnung: 7. Juni, 16-18 Uhr (Einlass bis 17 Uhr)
Credits:
Künstler:innen der Ausstellung:
Haseeb Ahmed, Amine Habki, Melike Kara, Tilhenn Klapper, Maya Man, Rosanna Marie Pondorf, Sundays, T Vinoja
Performances:
Arthur Chruszcz, Elena Francalanci, Tilhenn Klapper und Susanne Sachsse
Beteiligte Kurator:innen(-kollektive):
Jade Barget & Dr. Nóra Ó Murchú, Maurin Dietrich, KW Institute for Contemporary Art’s Pogo Bar
PARASITE ist der neunte Kunst- und Kultursommer des TROPEZ. Das Programm wird dieses Jahr ermöglicht vom Senat für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt, Stiftung Deutsche Klassenlotterie und Institut Français.
Künstlerische Leitung: Sophie Boysen
Assistenzkuratorin: Magdalena Mitterhofer
Produktionsleitung: Sophie Engert
Gründerin: Nele HeinevetterProgramm Juni
7.6. Opening PARASITE
8.6. Ikebana Workshop mit Christian Kōun Alborz Oldham auf Einladung von Maurin DietrichProgramm Juli
6.7. Performance Susanne Sachsse
12.7. Tanzperformance Elena Francalanci
19.7. KW x Tropez – Pogo Bar: Reading PerformanceÜber das TROPEZ
Das TROPEZ ist eine Plattform für junge internationale Kunst im Sommerbad Humboldthain im Berliner Wedding, dessen Anliegen es ist, zeitgenössische Kunst aus dem Umfeld klassischer Kunsträume herauszuholen. Das TROPEZ wurde 2017 von Nele Heinevetter gegründet, seitdem gibt es jährlich während der Sommersaison eine Ausstellung auf dem Gelände des Freibads mit jungen internationalen Künstler:innen, von denen viele zum ersten Mal in Berlin oder Deutschland gezeigt werden. Seit 2021 ist Sophie Boysen die Künstlerische Leitung des TROPEZ. Die Ausstellungen begleitet ein umfangreiches Veranstaltungsprogramm.
TROPEZ – Raum für Kunst im Sommerbad Humboldthain, Foto: Ink Agop TROPEZ
im Sommerbad Humboldthain
Wiesenstrasse 1
13357 Berlin-Wedding
Zugang über den Eingang vom Sommerbad Humboldthain mit gültigem Ticket für den Schwimmbadbesuch.Sophie Boysen, Künstlerische Leitung
+49 176 26049227
bonjour@tropeztropez.de
www.tropeztropez.deTaged as/in; »PARASITE«, 2025, art, art festival, berlin, contemporary art, exhibition, freibad kunst, KWxTropez, opening, public space, tropez, Wedding, young art#writtenby
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Art Lab Berlin: FERMENTING TEXTILES, 17. Mai – 6. Juli 2025
Fermenting Textiles explores how mud, plants & microbes co-create art—blending craft, science & culture from Burkina Faso to Japan. 🌿🧵🌍
FERMENTING TEXTILES
Weaving Together Traditional Craft, Anthropology, Microbiology, and Art
Adama Séré, Laurence Douny, Regine Hengge, Pauline Agustoni, Satomi Minoshima
17. Mai – 6. Juli 2025
Vernissage: Fr, 16. Mai 2025, 20 UhrLaufzeit: 17. Mai – 6. Juli 2025
Do – So, 14 – 18 Uhr
Vernissage: Fr, 16. Mai 2025, 20 Uhr
Ausstellungsgespräche:
So, 18. Mai 2025, 15 Uhr
Pauline Agustoni & Satomi Minoshima
So, 15. Juni 2025, 15 Uhr
Regine Hengge & Laurence DounyAnthropologie, Mikrobiologie und Kunst
Fermenting Textiles ist ein inter- und transdisziplinäres Forschungs- und Ausstellungsprojekt, das die aktive Materie in den Mittelpunkt stellt: Es verbindet Anthropologie, Mikrobiologie und Kunst mit Beiträgen von Kunsthandwerker:innen, Anthropolog:innen, Naturwissenschaftler:innen und Künstler:innen sowie mehr-als-menschlichen Akteur:innen.
Fermenting Textiles erforscht die Fermentierung von Textilien in Schlamm und Pflanzenmaterial, um komplexe Färbungen für verschiedene Verwendungszwecke herzustellen – von traditionellen Jagdhemden in Burkina Faso bis zum Färben von Kimono-Seide in Japan. Es handelt sich jeweils um ein handwerkliches Verfahren mit faszinierenden traditionellen Verwendungen und Bedeutungen. In beiden Fällen werden natürliche chemische und biologische Prozesse genutzt, um einzigartige ästhetische und medizinische Ergebnisse zu erzielen.
Auch kulturübergreifende Forschungsmethoden spielen bei Fermenting Textiles eine wichtige Rolle. Die Anthropologin Laurence Douny hat mit Kolleg:innen und Färber:innen in Burkina Faso zusammengearbeitet, um den langwierigen Prozess der Vouwo-Schlammfärbung akribisch zu dokumentieren, bei dem Erde unterschiedlicher Herkunft, Eisenerz und verschiedene Pflanzenmaterialien verwendet werden.“shirt to shirt”
Die Mikrobiologin Regine Hengge und ihr Doktorand José I. Hernández Lobato haben die komplexen Interaktionen von Bodenbakterien mit Pflanzen und Stoffen im Färbeprozess untersucht und werden diese in der Ausstellung visuell nachstellen.
Darüber hinaus schafft Hengge fächerübergreifend fotografische Muster, die Bilder von bakteriellen Biofilmen aus dieser wissenschaftlichen Forschung mit den von Douny untersuchten westafrikanischen Textilien kombinieren. Diese wurden auf Stoffe für die Herstellung neuer Hemden gedruckt und vervollständigen so eine transdisziplinäre Reise von „shirt to shirt”.
Das Kunst- und Designprojekt Craft Portrait: Dorozome von Pauline Agustoni und Satomi Minoshima untersucht das Färben von Stoffen durch Kunsthandwerker:innen auf der südjapanischen Insel Amami Oshima. Traditionell werden die Seidenfäden für die Kimonoherstellung, die mit Baumwollfäden verwoben sind, zunächst in einem flüssigen Bad aus Baumrinde gefärbt.Anschließend werden sie wiederholt in Schlamm getaucht, bevor die Baumwollfäden entfernt werden, um die ungefärbten Teile des Stoffes freizulegen. Dabei kommt es zu chemischen Reaktionen der Komplexbildung und Oxidation, die zu satten dunkelbraunen und schwarzen Seiden führen.
“Intra-Aktivität”
In Zusammenarbeit mit den Kunsthandwerker:innen in Japan haben Agustoni und Minoshima auch eine Textilskulptur aus rosa-braunen und schwarzen Fäden hergestellt, die sich drehen und winden und so den Akt des Auswringens nachahmen, der ein wesentlicher Bestandteil des Färbeprozesses ist.
Durch die Kombination dieser Ansätze, Methoden und Kontexte unterstreicht Fermenting Textiles das Wirken und die Empfindungsfähigkeit der Materie im Fermentationsprozess und ihre vielseitige Materialität. Aus der Perspektive posthumanistischer Philosophie betrachtet, tritt die Materie aktiv auf, was die Philosophin Karen Barad als „eine materialistische, naturalistische und posthumanistische Ausarbeitung” beschreibt, „die der Materie den ihr gebührenden Platz als aktive Teilnehmerin am Werden der Welt, an ihrer fortwährenden ‚Intra-Aktivität’ einräumt” (Barad 2003: 803).Die einzigartige multinationale, multi- und transdisziplinäre Zusammenarbeit, aus der die Gruppenausstellung Fermenting Textilesbesteht, spiegelt die artenübergreifende Kollaboration wider, die ein wesentlicher Bestandteil des Färbeprozesses von Schlamm ist.
About:
Mehr Informationen unter https://artlaboratory-berlin.org/de/ausstellungen/fermenting-textiles/
Das Projekt Fermenting Textiles ist Teil des Exzellenz-Clusters Matters of Activity. Image Space Material , Humboldt-Universität zu Berlin sowie des __matter FESTIVAL 2025.
Projektleiterinnen:
Prof. Dr. Regine Hengge & Dr. Laurence Douny
Research Associates:
José I. Hernández Lobato, Adama Séré, Salif Sawadogo
Kooperationspartner:innen:Kanai Kougei workshop, Japan
Die Feldforschung in Burkina Faso wurde vom Centre National de Recherche Scientifique et Technologique (CNRST) in Ouagadougou, Burkina Faso, unterstützt.Text von Regine Rapp & Christian de Lutz
FERMENTING TEXTILES – Weaving Together Traditional Craft, Anthropology, Microbiology and Art
Adama Séré, Laurence Douny, Regine Hengge, Pauline Agustoni, Satomi Minoshima
17 May – 6 July 2025
Opening: Fri, 16 May 2025, 8 pmRunning Time: 17 May – 6 July 2025
Thu – Sun, 2 – 6 pm
Opening: Fri, 16 May 2025, 8 pm
Exhibition Talks:
Sun, 18 May 2025, 3 pm
Pauline Agustoni & Satomi Minoshima
Sun, 15 June 2025, 3 pm
Regine Hengge & Laurence DounyAnthropology, microbiology and art
Fermenting Textiles is a unique inter and trans-disciplinary research and exhibition project that puts active matter at the center: it connects anthropology, microbiology, and art through the engagement of artisans, anthropologists, scientists, and artists, as well as more-than-human actors.
The exhibition Fermenting Textiles explores the fermentation of textile in mud and plant material to produce complex dyeing for various use – from traditional hunter shirts in Burkina Faso to kimono silk dyeing in Japan. In each case the process is artisanal and has fascinating traditional uses and meanings. Both cases make use of natural chemical and biological processes to create unique aesthetic and medicinal results.
Cross-cultural research methods also play a key role in Fermenting Textiles. Anthropologist Laurence Douny has worked with colleagues and dyers in Burkina Faso to meticulously document the long Vouwomud dyeing process, which involves soil of different origins, iron ore, and various plant materials.“shirt to shirt”
Microbiologist Regine Hengge and her PhD student José I. Hernández Lobato have studied the complex interactions of soil bacteria with plants and fabrics in the dyeing process and will visually re-enact these in the exhibition.
Furthermore, Hengge reaches across fields by photographically creating patterns that combine images of bacterial biofilms from this scientific research and of the West African textiles studied by Douny. These have been printed on fabrics for making new shirts, thus completing a transdisciplinary journey from “shirt to shirt”.
The art and design project Craft Portrait: Dorozome by Pauline Agustoni and Satomi Minoshima explores fabric dyeing by artisans in the southern Japanese island of Amami Oshima. Traditionally, silk threads for kimono production, interwoven with cotton threads which are later removed to reveal undyed portions of textile, are initially dyed in a liquid bath of tree bark, before being repeatedly dipped in mud. This causes chemical reactions of complexation and oxidation, which create rich dark brown and black silks.‘intra-activity’
While working with the artisans in Japan, Agustoni and Minoshima have also produced a textile sculpture of pink-brown and black strands, that twist and turn, emulating the act of wringing, an essential part of the dyeing process.
By combining these approaches, methods, and contexts, Fermenting Textiles stresses the agency and sentience of matter in the fermentation process and its versatile materiality. Speaking through the lens of Posthuman philosophy, matter actively performs, what philosopher Karen Barad describes as “a materialist, naturalist, and posthumanist elaboration – that allows matter its due as an active participant in the world’s becoming, in its ongoing ‘intra-activity’” (Barad 2003: 803).
The unique multi-national, multi- and trans-disciplinary cooperation that makes up the group exhibition Fermenting Textiles mirrors the multi-species collaborations that are integral to the mud dyeing process.
About:
More information at https://artlaboratory-berlin.org/exhibitions/fermenting-textiles/
This project is part of the Matters of Activity, Image Space Material Cluster of Excellence, Humboldt-Universität zu Berlin and takes place in context of their matter FESTIVAL 2025.
Project Leaders:
Prof. Dr. Regine Hengge & Dr. Laurence Douny
Research Associates:
José I. Hernández Lobato, Adama Séré, Salif Sawadogo
Cooperation partners:
Kanai Kougei workshop, Japan
The field research in Burkina Faso was supported by the Centre National de Recherche Scientifique et Technologique (CNRST) in Ouagadougou, Burkina FasoText by Regine Rapp & Christian de Lutz
Art Laboratory Berlin
Prinzenallee 34, 13359 BerlinTaged as/in; Active Matter, Anthropology, Art Laboratory Berlin, Bio Art, collaboration, contemporary art, Craft, Dorozome, Dyeing, exhibition, Fermenting Textiles, Interdisciplinary, Intra Activity, Japan, Kimono, Matter Is Alive, Matters of Activity, Microbiology, Mud, Posthumanism, Science, Textile, Textile Art, West Africa#writtenby
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9 Kelche: Dilemma by Gosia Lehmann Mai – 22. Juni 2025
In Dilemma verwandelt Gosia Lehmann Neun Kelche in ein begehbares Finanzlabyrinth – mit Münzwurf, Rätseln und ökonomischem Schamanismus.
ERÖFFNUNG 16. Mai 2025, 18 – 21 Uhr
Freitags (außer 30. Mai), 14 – 19 Uhr und auf Anfrage
In ihrer Einzelausstellung Dilemma verwandelt Gosia Lehmann den Projektraum Neun Kelche in ein Labyrinth. Der Wurf einer Münze entscheidet, auf welchen Pfad wir uns begeben. Ein floral geformtes Stahltor und eines aus Pfeilen verweisen auf die beiden Eingänge des blauen Irrgartens, der aus Samtvorhängen wie ein Raum im Raum von der Decke hängt. Welche Rätsel gilt es darin zu lösen, wie finden wir den Weg aus diesem Dilemma?
Ein begleitender Audioguide führt die Besucher*innen durch die Installation. Mit Hilfe von Rätseln konfrontiert uns die Künstlerin in der Installation und Performance Dilemma mit zeitgenössischen wirtschaftlichen Problemen und eröffnet neue Perspektiven auf die oft unverständlichen Wirren des Finanzsektors, der dennoch unsere individuellen Lebensrealitäten prägt.
Gosia Lehmann beschäftigt sich in ihrer Praxis mit economic shamanism (Ökonomischer Schamanismus) – ein Begriff, den sie verwendet, um die schwarze Magie der Finanzwelt zu beschreiben, zu der wirtschaftliche Paradoxien wie das ‚Verschwinden‘ von Offshore-Geld gehören. Wir freuen uns sehr, euch alle bei der Eröffnung zu sehen!
Foto: Gosia Lehmann, ‘Portal to the Other Realms’, 2021, Bärenzwinger, Berlin. Credit: Valerian Blos.
Dilemma by Gosia Lehmann
May 17 – June 22, 2025
Photo: Valerian Blos. OPENING May 16, 2025, 6 – 9 pm
Opening hours: Fridays (except May 30), 2 – 7 pm and by appointment
In her solo exhibition Dilemma, Gosia Lehmann transforms the project space Neun Kelche into a labyrinth. The toss of a coin decides which path upon which we embark. A floral steel gate and another made of arrows mark the two entrances to the blue maze, which, like a room within a room, hangs from the ceiling draped in velvet curtains. What riddles must be solved therein, and how do we find our way out of this Dilemma?
An accompanying audio guide leads visitors through the installation.
In the installation and performance that make up Dilemma, the artist confronts us with riddles about contemporary economic problems. These riddles encourage us to think creatively about the often unintelligible entanglements of the financial sector, which nonetheless shape our individual lived realities.In her practice, Gosia Lehmann engages with economic shamanism—a term she uses to describe the black magic ofthe financial world, to which economic paradoxes such as the “disappearance” of offshore money belong. We are very excited to see you all at the opening!
Neun Kelche
Pasedagplatz 3-4
(Zugang über “An der Industriebahn”)
13088 Berlin
www.neunkelche.de
prost@neunkelche.de© 2025 Neun Kelche
Taged as/in; »Dilemma«, art, Art Week, berlin, contemporary art, Econ, Economic, exhibition, Finanzen, Gosia Lehmann, Kunst, Labyrinth, Magic, Neun Kelche, Shamanism#writtenby
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V/A (AMX, Exzakt, ARA-U, Phran) – AFM002 via Activity FM
Activity FM return with their second expertly curated V/A release, bringing together another talent-laden batch of international producers.
AFM002 unites four unique artists with their own distinct touch on the electro sound that showcases the diversity and creative potential of the genre with a release that is fully primed for the club floor.
AMX opens the release. She is a Detroit-based artist. Her precise and soulful production carries the unmistakable touch of her city’s legacy. ‘Out My Mind’ is hallmarked by a refined and futuristic edge, with an ice-cool vocal hook running across ceiling shaking sub bass. A rising force on the global techno community, AMX has released on Tresor, Deeptrax, and International Chrome.
Next up is Exzakt, aka Larry McCormick, a long-standing pioneer of the electro movement coming right out of Florida with a discography that spans Monotone, Omnidisc, and Tresor. His track ‘Fvck That Sh1t’ is a peak-time weapon boosted off larger-than-life rolling bass and all-sirens-blazing energy.
Heading into the second half of the EP, London-based ARA-U steps up with a thundering old school flavoured track. ‘Feels Like Dancing’ is stacked with analog machine funk warmth. A veteran of the Venezuelan underground electro scene and head of No Static / Automatic, ARA-U’s unique touch is consistently gritty and machine-driven.
Phran, who is based in Barcelona, closes the EP with ‘Archivo Criminal’. The track keeps the energy moving with a jumping and playful offering. It draws us into deeper head down territory with its deft synth work.
Venezuelan-born Phran runs Vimana and co-manages ACA alongside NAP, and is also known for his collab Dos Ritmos with Luca Lozano releasing on Klasse Wrecks Hivern Discs, Paralaxe Editions and more.
Tracklisting:
1. AMX – Out My Mind
2. Exzakt – Fvck That Sh1t
3. ARA-U – Feels Like Dancing
4. Phran – Archivo Criminal
Single Release: Phran – Archivo Criminal, Out now on Bandcamp
Full EP Release: 29th May on bandcampAbout AFM
AFM002 brings together four boundary-pushing artists from across the globe, each delivering their unique vision of electro. From raw analog grit to futuristic soul, this release captures the genre’s full spectrum — united by deep groove, machine funk and club-focused energy.
Taged as/in; afm002, amx, analog, arau, Barcelona, Bass, club, Dance, darkroom, detroit, djtools, Electro, electro funk, Electronic, exzakt, florida, futurism, global, groove, hardware, heady, independent, London, machine funk, Party, peak time, phran, Rave, release, synths, techno, underground, Venezuela, vinyl#writtenby
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