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CHAUSSEE 36: HÔTEL NOIR II von J. Konrad Schmidt
Die Ausstellung entfaltet eine dichte Bildwelt aus analogem Schwarz-Weiß, Grandhotel-Ästhetik und intimen, selbstbestimmten Momenten weiblicher Sinnlichkeit.
Mit HÔTEL NOIR II setzt der Berliner Fotograf J. Konrad Schmidt seine vielbeachtete Werkreihe fort und verdichtet darin seine unverwechselbare Bildsprache: analoge Schwarz-Weiß-Fotografie trifft auf die diskrete Eleganz internationaler Grandhotels und intime Begegnungen zwischen Licht, Raum und weiblicher Präsenz. Die Ausstellung bei CHAUSSEE 36 entführt Besucher*innen in eine visuell reduzierte, zugleich hochsinnliche Welt.
Seit 2010 fotografiert Schmidt anonyme Protagonistinnen und professionelle Models in Metropolen wie London, Tokio, Los Angeles, Paris, Berlin und New York. Im Zentrum steht ein geschützter Raum, in dem Frauen ihre eigene Vorstellung von Erotik selbstbestimmt erkunden und inszenieren können. Die Serie versteht sich als Hommage an weibliche Sinnlichkeit – jenseits gängiger Zuschreibungen und digitaler Schnelllebigkeit.
J. Konrad Schmidt, aus der Serie „HÔTEL NOIR“, 2010-2026 © J. Konrad Schmidt, Courtesy: the artist Charakteristisch für Schmidts Arbeiten sind starke Hell-Dunkel-Kontraste, die an die Ästhetik des Film Noir erinnern. Seine ikonografische Bildsprache verbindet narrative Verdichtung mit bewusst gesetzten Leerstellen, die individuelle Assoziationen ermöglichen. In Zusammenarbeit mit Persönlichkeiten wie Kristina Vogel und Viktoria Modesta erweitert Schmidt den Diskurs um Aspekte von Inklusion und Körperlichkeit und verknüpft diese mit sehr persönlichen Perspektiven.
Bereits der erste Band HÔTEL NOIR wurde mit Gold beim Deutscher Fotobuchpreis 2020 ausgezeichnet. Mit HÔTEL NOIR II erscheint nun die Fortsetzung – und in der CHAUSSEE 36 die erste Ausstellung zum neuen Buch. Gezeigt werden ausgewählte Silbergelatineabzüge, darunter bislang unveröffentlichte Motive.
Das Projekt ist dabei mehr als eine fotografische Serie: Es ist ein bewusstes Plädoyer für die physische Erfahrung von Fotografie. Die Arbeiten sind nicht online zugänglich, sondern entfalten ihre Wirkung ausschließlich im gedruckten oder analogen Original – als haptisches, nachhaltiges Seherlebnis.
Die Ausstellung bietet eine seltene Gelegenheit, die originalen Abzüge in ihrer materiellen Präsenz zu erleben.
Eröffnung: Freitag, 27. Februar 2026, 20–22 Uhr
Ausstellung: 28. Februar – 4. April 2026
Öffnungszeiten: Donnerstag – Samstag, 13–18 Uhr
Ort: CHAUSSEE 36 Photography, BerlinEintritt frei.
Taged as/in; Analog Photography, ausstellung, berlin, CHAUSSEE 36, contemporary art, Erotik, exhibition, Film Noir, Grandhotel, Intimität, J. Konrad Schmid, Kunst, Schwarzweiß Fotografie, Silbergelatineabzug, Sinnlichkeit#writtenby:
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The Neuro Pie EP by Fleck E.S.C. via Synaptic Cliffs
Fleck E.S.C. joins Synaptic Cliffs with The Neuro Pie EP—an electro-cosmic decoding of post-human consciousness from the Tokyo Null Zone.
Synaptic Cliffs is thrilled to welcome the synthetic humanoid Fleck E.S.C. to its neural family. He is planet-wide known as a master of Electro Space Cookie productions and a legendary figure among 4D wanderers since his voluntary transmigration to the Tokyo Null Zone. This release is not merely a collection of tracks but a detailed, musically decrypted analysis of post-human consciousness.
The pieces were extracted directly from the non-Euclidean circuits of his own, self-constructed Franck Collin Android body. Prepare your brainstems for a complete recalibration. Enjoy this perfect fusion of French precision and the wild, uncontrollable energy of Neo-Shinjuku.
“It’s like hearing the entire evolutionary history of humanity played backward in a single millisecond while a synthesizer scores the birth of a new star,” says pdqb.
Artist: Fleck E.S.C.
Release: The Neuro Pie EP
Label: Synaptic Cliffs
Release Date: January 30, 2026Tracks:
A1 Masking Tape 6:40
A2 Chiba Run 3:52
B1 Time Unknown 6:10
B2 Clear Leak Frenzy 5:30The EP comes also with a neon-orange transparent vinyl, mastered by the infamous Mike Grinser, with an artwork by Thomas Drascha.
Taged as/in; Electro Space Cookie, Fleck E.S.C., Mike Grinser, Neo Shinjuku, Synaptic Cliffs, The Neuro Pie EP, Thomas Draschan, Tokyo Null Zone#writtenby:
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Innershades – Heritage vol. 2 via Altered Circuits
Innershades returns with Heritage Vol. 2—raw New Beat roots meet early 90s techno energy. Forward-facing club tools on Altered Circuits.
Three years after the release of Volume 1, Innershades returns to home turf with a second entry in his Heritage series. The New Beat territory that its predecessor tackled, serves as the starting point for the A-side of Volume 2 as well.
The glistening arpeggios and choir patches on “Mind State” enhance the track. The unyielding kicks, alarm-like synth lines, and plodding tempo of “System Breakdown” contribute to its unique feel. These elements reaffirm how the genre’s hallmarks smoothly align with the artist’s own inclinations.
The B-side draws from the broad spectrum of styles that emerged a bit later, in the early nineties. During this time, it seemed the dance floor would move unimpeded between genres and bridge them. The boundaries were often not as firmly established. “Fuse Memory” nudges the pace forward, driven by the 909 and a staple hypnotic lead.
When the drums come to a halt, a 303 emerges to flesh out the break. “Rhythm Composer” continues in a similar early techno vein, but pulls the track into outer space via its formant-heavy leads and Detroit-tinged sci-fi sweeps.
On ALT023 Innershades appears in fine fettle, providing another batch of up-front club tracks, inspired by the past yet moving forward.
Innershades preview of Heritage vol. 2 on soundcloud
release date: March 30th, 2026
label: Altered Circuits
catalog no: ALT023About Innershades:
Innershades is Thomas Blanckaert, a Belgium‑born producer and DJ known for his eclectic, club‑ready electronic music rooted in house, techno, electro, acid and New Beat influences. He emerged in 2013 with early releases such as That Girl and Gravure. He quickly gained attention for bass‑heavy, rave‑charged productions. These draw from Chicago, Detroit and European underground sounds.
Over the last decade, Innershades has developed a distinctive sound palette marked by powerful kicks, hypnotic synth lines and analog hardware textures. He co‑founded the label Altered Circuits to showcase forward‑thinking club music. He has released numerous EPs and albums there. This includes the Heritage series, which pays homage to Belgium’s New Beat heritage. It also pushes its legacy forward. His work also spans side projects and aliases, with explorations into electro, progressive and trance‑tinged styles.
As a DJ, Innershades is celebrated for dynamic, genre-blending sets. These sets balance raw dancefloor energy with atmospheric depth. This makes him a respected figure in the international electronic music community.
Taged as/in; ALT023, Altered Circuits, Detroit Techno, electronic music, Heritage Vol 2, House (90’s), Innershades, New-Beat, soundcloud, techno, Techno (90’s)#writtenby:
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Uzimoto – Hamischak & Hamalach Alhakar, Hasatan Bapratim
Uzimoto blends post-punk, new wave and dub into raw minimal-pop. Hamischak and Hamalach Alhakar mark the first glimpse of his debut album in his mother tongue.
Uzimoto has been collecting and toying around fragments of sound for nearly a decade. Some of his minimal-pop ideas lived only in his head; others were sung to himself like mantras, captured on handheld recorders after bike rides across Berlin or during solitary climbs up staircases.
From DIY Punk to Solo Identity
Formerly a member of several bands — among them EGONX, Tanning Bats and Skeleton Glove — he emerged from restless DIY punk circles that rarely lingered long in one place.
His roots gradually coalesced into this boundary-free solo persona. His music is a radiant mixture of post-punk, new wave and dub, blending analog synths, drum machines, tribal percussion and self-recorded textures. The result channels the spirit of an obscure minimalist searching for moments of illumination.
Hyper-Punk Meets Fragile Intimacy
On stage, he reveals a quiet contrast — ruthless hyper-punk energy paired with a tender and delicate inner voice. His compositions are performed live on samplers and Casio keyboards at his fingertips. Each piece offers an honest glimpse into his inner world — stitched together and delivered as raw as they were first captured.
2026 marks the release of a long-held creative bottleneck for Uzimoto. This year he unveils his first two singles in his mother tongue — the first glimpse into the world of his upcoming debut album.
Uzimoto – Hamischak (the Game) & Hamalach Alhakar, Hasatan Bapratim (The Angel’s On The Pillow, The Devil’s In The Details)
Details:
Release Date: February 20th, 2026
Post-Punk, Synth-Wave, Synth-Pop, Electro
Taged as/in; Berlin Music, Casio Keyboards, DIY Punk, DUB, EGONX, Electro, electronic music, Hamalach Alhakar, Hamischak, Indie Music, minimal-pop, New Wave, Post Punk, Sampler Performance, Skeleton Glove, Tanning Bats, Uzimoto#writtenby:
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EMAF 2026 – Artist in Focus: Marwa Arsanios
Artist in Focus: Das EMAF zeigt Filme von Marwa Arsanios – zwischen politischer Imagination, Landkämpfen und feministischer Praxis.
In der Reihe Artist in Focus stellt das EMAF das filmische Werk namhafter zeitgenössischer Künstler*innen vor, teils auch im Dialog mit weiteren Filmen oder Beiträgen, die mit ihrem Werk in Verbindung stehen. In diesem Jahr präsentieren wir Arbeiten der im Libanon geborenen, in Berlin lebenden Künstlerin Marwa Arsanios (geboren 1978).
Damit würdigen wir eine international beachtete künstlerische Praxis. In dieser sind Film und Recherche, politische Imagination und kritische Intervention eng miteinander verwoben.
Film Still Who Is Afraid of Ideology? – Teil 2 von Marwa Arsanios Who Is Afraid of Ideology?
Im Zentrum des Programms steht die seit 2017 fortlaufende, inzwischen fünfteilige filmische Serie Who Is Afraid of Ideology?. Darin begleitet Arsanios feministische Kollektive und Initiativen im irakischen Teil Kurdistans, in Syrien, im Libanon und Kolumbien. Ihr Einsatz für die Vergemeinschaftung und Rückgabe von Land geht mit ihrem Kampf um Selbstbestimmung Hand in Hand.
In einem kontinuierlichen Prozess des Gesprächs und Austauschs portraitiert Arsanios Frauen. Diese Frauen praktizieren in ländlichen Regionen kollektive, antikapitalistische und antipatriarchale Formen des Zusammenlebens. Sie verteidigen überlieferte Formen der Landnutzung gegenüber Privatisierung und kolonialer Besatzung. Außerdem setzen sie sich für die Wiederherstellung von historischem Gemeineigentum ein.
Die Weitergabe von Wissen, Solidarität und gegenseitige Unterstützung spielen dabei immer eine Rolle und werden auch in der filmischen Arbeit mit reflektiert.
Film Still Who Is Afraid of Ideology? – Teil 5 von Marwa Arsanios Right of Passage
Der aktuelle, fünfte Teil der Serie, Right of Passage (2026), entfaltet sich in der Welt des Traums. In ihr sind jene Grenzziehungen, die Eigentum und Territorium begründen, die Menschliches von Nichtmenschlichem und Vergangenes von Gegenwärtigem trennen, suspendiert. Ihre Durchlässigkeit ermöglicht die freie Passage unterschiedlicher „politischer Tiere“, die Artikulation traumatischer Verluste und Bildung neuer Allianzen.
Im Dialog mit ihren eigenen Arbeiten zeigt Arsanios Filme von Simone Bitton, Mohammad Malas und Reem Shilleh, die ergänzt und erweitert werden durch Workshops, Lesungen und Gespräche. Weitere Gäste sind Ali AlAdawy, Haytham el-Wardany und Stefanie Baumann.
Sie orientieren sich an Fragen, die Arsanios folgendermaßen skizziert: „Wie können wir von Filmen lernen, die aus dem Land heraus entstehen, die in Landkonflikten verwurzelt sind und selbst zu pädagogischen Objekten werden? Welche filmischen Formen erwachsen aus der Topografie eines Ortes, seiner geografischen Beschaffenheit und seinen Böden? Und wie wird das Filmset seinerseits zu einem pädagogischen Raum für diese Konflikte?“
Zwischen dokumentarischem und fiktionalem Erzählen
Film Still Have You Ever Killed a Bear or Becoming Jamila von Marwa Arsanios Bereits in ihren früheren Arbeiten reflektiert Arsanios das filmische Bild. Sie beschäftigt sich mit ihrer eigenen Verstrickung in unterschiedliche Prozesse der Bilderzeugung. Diese bewegen sich zwischen dokumentarischem und fiktionalem Erzählen, militantem Filmemachen und künstlerischer Intervention.
In Have You Ever Killed a Bear or Becoming Jamila (2014) begegnen wir der legendären algerischen Revolutionärin Djamila Bouhired in unterschiedlichen medialen Verkörperungen. Arsanios untersucht von der ikonischen Figur Bouhired ausgehend. Wie haben sozialistische Projekte der Vergangenheit feministische Projekte befördert? Wie haben nationale Befreiungsbewegungen feministische Projekte marginalisiert?
In Amateurs, Stars and Extras or Labor of Love (2018) wird das Filmset zum Ort. Dort erscheinen jene unsichtbaren Formen reproduktiver Arbeit. Diese verleihen dem kapitalistischen System Stabilität und Dauer. In komplex gebauten, inszenierten und dokumentarischen Szenen sprechen Frauen in Mexiko und dem Libanon von Arbeit, Freizeit und Widerstand.
Zur Biografie:
Marwa Arsanios’ Arbeit kreist um strukturelle Fragen. Sie versucht, Raum innerhalb von und parallel zu bestehenden Kunststrukturen zu schaffen. Dieser Raum ermöglicht das Experimentieren mit unterschiedlichen Formen der Versammlung. Arsanios beginnt mit architektonischen Räumen sowie ihrer Transformation und Anpassungsfähigkeit. Es umfasst auch von Künstler*innen betriebene Räume und temporäre Zusammenkünfte.
In den letzten Jahren widmeten ihr u.a. das Haus für Kunst Uri (2026), die Joan Miro Foundation (2025), das Artium Museum (2025), BAK Utrecht (2024), der Heidelberger Kunstverein (2023). Mosaic Rooms, London (2022) und das Contemporary Arts Center, Cincinnati (2021) organisierten Einzelausstellungen. Sie war außerdem an zahlreichen internationalen Gruppenausstellungen beteiligt, wie jüngst der Documenta 15 (2022), der Sydney Biennial (2022), der 11th Berlin Biennale (2020) und der Gwangju Biennial (2018).
Ihre Filme werden regelmäßig auch bei internationalen Filmfestivals gezeigt. Film- und Kunstprofessionals können sich weiterhin hier online akkreditieren.
Festival: 22 – 26 April 2026 /
Exhibition: 22 April – 25 May 2026
OsnabrückWir freuen uns auf Euren Besuch!
Das Team des EMAF 2026Taged as/in; ausstellung, Diskurs, EMAF, Experimentalfilm, Feminismus, Festival, Filmreihe, Gegenwartskunst, Kollektive, Landrechte, Medienkunst, solidarität#writtenby:
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John Tejada – Nightshift / The Innocents EP
John Tejada’s Nightshift / The Innocents blends rhythm, subtle melodies, and cinematic loops, balancing momentum and reflection with understated power.
With “Nightshift / The Innocents,” John Tejada presents two tracks built around movement and restraint. They work through rhythm first, with small shifts and understated melodic details gradually shaping the feeling of each piece. Recent work leaned more toward inward listening; here the focus is on forward motion and a more physical kind of energy, while still keeping things slightly left of center.
These tracks live in the spaces between sounds. Small, almost cinematic traces pass through tight, looping patterns and then fade again, so the emotion arrives slowly rather than being stated outright. The repetition gives the music its weight, while the atmospheres open up around it, creating a tension that sits somewhere between momentum and reflection.
Details:
Artist: John Tejada
Release: Nightshift / The Innocents (PAL098)
Label: Palette Recordings
Release Date: February 13th, 2026“Nightshift / The Innocents” feels both new and familiar. It carries echoes of earlier Tejada material but with a leaner frame and a clearer sense of purpose. The music strips back to essentials, lets groove do most of the talking, and leaves the rest unsaid.
Taged as/in; cinematic, Electronic, experience, groove, John Tejada, listening, melodic, momentum, Music, new, nightshift, Palette Recordings, Reflection, release, rhythm, techno, the innocents#writtenby:
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Das Maxim Gorki Theater im Februar: HerHisStory Month
Mit einer Berlin-Trilogie von Hakan Savaş Mican, der Videoinstallation “SHISHA BAR” und dem Bühnenstück “DIE ZWILLINGE” im Black HerHisStory Month.
Der Februar am Maxim Gorki Theater steht im Zeichen großer Berliner Erzählungen, politischer Erinnerungskultur und neuer Perspektiven auf Identität und Herkunft.
DIE ZWILLINGE
Mit DIE ZWILLINGE von Lamin Leroy Gibba ist im Studio Я die erste und einzige Uraufführung des Monats zu erleben. In der Regie von Joana Tischkau entfaltet sich ein vielschichtiger Theaterabend über Zuschreibungen, mediale Dynamiken und die Unmöglichkeit eindeutiger Wahrheiten: Ein Zwilling ist schwarz, der andere weiß.
Als einer den anderen tötet, stürzt sich die Öffentlichkeit auf den Fall. Eine Drehbuchautorin versucht, die Geschichte zu erzählen – und verliert sich zunehmend in den Widersprüchen dessen, was geschehen ist und weiter geschieht.
Black HerHisStory Month
Autor Lamin Leroy Gibba steht selbst auf der Bühne, gemeinsam mit Sisi Bo’wale, Niels Bormann, Yanina Cerón und Ruby Commey. Die verbleibenden Vorstellungen am 20. Februar finden – ebenso wie blues in schwarz weiss am 28. Februar – im Rahmen des Black HerHisStory Month statt.
Berlin-Trilogie
Zentraler Höhepunkt des Monats ist die Berlin-Trilogie von Hakan Savaş Mican, die vom 26. bis 28. Februar erstmals und zugleich einzig vollständig zu sehen sein wird.
Mit BERLIN ORANIENPLATZ, BERLIN KLEISTPARK und BERLIN KARL-MARX-PLATZ zeichnet Mican ein vielstimmiges Panorama der Stadt – zwischen Herkunft, Klasse und urbaner Realität. Während BERLIN KARL-MARX-PLATZ weiterhin bis Juni im Repertoire bleibt, werden BERLIN ORANIENPLATZ und BERLIN KLEISTPARK im Rahmen des Trilogie-Wochenendes letztmalig gezeigt.
HERKUNFT UND KLASSE
Ergänzt wird das Programm durch die Buchpremiere der Stücksammlung HERKUNFT UND KLASSE am 27. Februar sowie eine TRILOGIE-PARTY am 28. Februar. Micans Berlin-Trilogie gilt als eines der prägenden Werke des postmigrantischen Theaters – und markiert einen bedeutenden Akzent in der sich dem Ende nähernden Intendanz von Shermin Langhoff.
SHISHA BAR
Vom 17. bis 22. Februar ist im Studiofoyer bei freiem Eintritt erneut die Videoinstallation SHISHA BAR von Ülkü Süngün zu sehen. Angehörige, Überlebende, Aktivistinnen und Expertinnen sprechen über die rechtsterroristischen Anschläge vom 19. Februar 2020 in Hanau.
Das Gedenken gilt Gökhan Gültekin, Sedat Gürbüz, Said Nesar Hashemi, Mercedes Kierpacz, Hamza Kurtović, Vili Viorel Păun, Fatih Saraçoğlu, Ferhat Unvar, Kaloyan Velkov sowie Ibrahim Akkuş, der am 10. Januar 2026 – sechs Jahre nach dem rassistischen Anschlag – an den Spätfolgen verstarb. #saytheirnames
DAS ROTE HAUS
Im Gorki Kiosk ist noch bis zum 15. März die Recherche-Ausstellung DAS ROTE HAUS: STRESEMANNSTRASSE 30 – EINE INVENTUR bei freiem Eintritt zu sehen. Die Ausstellung widmet sich dem ehemaligen Frauenwohnheim der Firma Telefunken und versammelt Arbeiten unter anderem von Emine Sevgi Özdamar, Filiz Taşkın, Melek Konukman-Tulgan und Serpil Yeter.
Das vollständige Programm finden Sie unter www.gorki.de.
Taged as/in; Hakan Savaş Mican, Joana Tischkau, Lamin Leroy Gibba, Maxim Gorki Theater, Panorama Bar, Shermin Langhoff, Ülkü Süngün#writtenby:
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BFW AW26: Ritual Unions — Couture as Collective Ceremony
Ritual Unions AW26 turns couture into ceremony: structured silhouettes, sculptural draping, and live performance fuse fashion with ritual in Berlin.
In the heart of Berlin, Ritual Unions transformed RAUM.Berlin into a stage for living couture, curated by Fashion Council Germany. AW26 unfolded as a contemporary ritual: a meditation on freedom, presence, and collective experience in the city’s electric alternative scene.
At the center, a lavish dinner table installation—crafted with Flores y Amores—hosted a nude male performer, recalling da Vinci’s Last Supper through a modern, subversive lens. The image was decadent, absurd, and deliberately unsettling, confronting tradition while asking: who is celebrated, and why?
not the last supper…
The collection itself mirrored this tension. Post-bridal couture became ceremonial armor: structured silhouettes, visible corsetry, sculptural draping, and tactile embellishments balanced restraint with exposure. Fabrics embraced and framed the body intentionally, echoing the performance’s core message—clothing as both protection and statement.
A live audio excerpt set the emotional tone:
“I dress for alignment, not approval. For truth, not consistency. For the self I am today.”
Rather than a spectacle, the show presented fashion as living ritual—an act of gathering, witnessing, and shared presence. Berlin, where misfits build altars and community replaces convention, provided the perfect backdrop. Ritual Unions translated that spirit into garments that exist between ceremony and rebellion.
Every detail reinforced the concept: sculptural jewelry by Gina Melosi heightened ceremonial tension; hair and makeup, crafted by a multidisciplinary Berlin team, highlighted collective authorship; set design enveloped performers and audience alike in a narrative of ritual and intimacy.
AW26 is not just a collection—it is a living experience. Here, couture transcends display: it becomes presence, reflection, and participation. Ritual Unions continues to redefine bridal codes, forging a visual language of freedom, identity, and radical craftsmanship.
About: Ritual Unions
Berlin-based label Ritual Unions, founded by Karin Brettmeister, redefines bridal and evening wear through handmade, post-bridal couture that balances structure, draping, and vulnerability. Each piece is designed as a living garment—a ritual object that transforms the wearer, blending tradition with rebellion. Rooted in Berlin’s creative spirit, the brand celebrates individuality, emotional honesty, and craftsmanship, creating couture that is felt, experienced, and lived, not just worn.
Ritual Unions Atelier & Showroom:
Choriner Str. 3, 10119 Berlin
www.ritual-unions.deTaged as/in; AW26, berlin, ceremony, couture, craftsmanship, fashion, Flores y Amores, Gina Melosi, Identity, Karin Brettmeister, performance, Post Bridal, RAUM Berlin, ritual, Ritual Unions, Stefano Martiradonna#writtenby:
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The Chord Memory Club – Recipe For Justice / Laser Scratch
Groovy midtempo heat: The Chord Memory Club drop Recipe For Justice / Laser Scratch on Noiseberry—analog bass, indie dance energy, out Feb 6 2026 Worldwide EP!
Fresh off the release of their recent EP From Filter To Filter on Riotvan, the band landed directly in Beatport’s global Indie Dance Selection 2025. It featured a standout remix by Johannes Albert and received airplay around the globe. The Chord Memory Club return on NOISEBERRY with their new two-track EP Recipe For Justice / Laser Scratch, out February 6, 2026.
The release delivers groovy, bass-driven electronic midtempo instrumentals that blend daft-housy textures with indie dance, electro, and downtempo elements. “Recipe For Justice” opens with a warm analog bass and a hypnotic, punchy downtempo pulse, drawing the listener into an immersive groove. In contrast, “Laser Scratch” sharpens the focus with crisp electro percussion. It features a throbbing sub-bass and snaking synth hooks. These elements inject indie-dance energy into a cool midtempo framework.
Each instrumental showcases analog warmth and dynamic, danceable beats, balancing musical zeitgeist with a subtle sense of trendsetting. The result is a modern, dancefloor-ready vibe that works just as well for late-night listening—a confident continuation of The Chord Memory Club’s signature sound.
Details:
Release Date: February 6th, 2026
Indie Dance, Electronic, Daft House
Catalog Number NB011
About The Artists
Hailing from Leipzig, Germany, The Chord Memory Club emerged in 2021 as an expressive electronic and house music project. Talented producers Philipp Kolbe (aka Workshop) and Tino Kulisch founded the duo. They have developed a distinctive sound. Seamlessly fusing analog warmth with groove-driven rhythms and emotional depth. Their music transitions fluidly between piano house, garage, deep house, and indie dance. This creates rich and dynamic soundscapes. These soundscapes resonate both on the dance floor and in introspective listening.
Their early releases on Riotvan earned attention from tastemakers across the scene, including support from figures associated with Ed Banger Records. As co-founders of NOISEBERRY, they’ve shaped a creative platform celebrating experimental electronic music, visual art and community, helping to spotlight kindred artists.
In live performance, The Chord Memory Club emphasize improvisation and emotional connectivity. They translate their studio craft into performances that feel intimate and expansive. Their evolving discography — from EPs like Rewind and Piano Lessons to recent Riotvan singles — highlights a commitment to pushing genre boundaries while staying rooted in the soulful essence of club music.
The Chord Memory Club (TCMC)
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NOISEBERRY
Taged as/in; analog, beatport, club, Daft House, Electronic, EP, groove, Indie Dance, Midtempo, Noiseberry, The Chord Memory Club#writtenby:
Wanna Sign in too?
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