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Cosey Mueller – Embodiment of Denial LP / Bretford Records
Cosey Mueller blends punk and experimental electronics into a bold, danceable sound—“Embodiment of Denial” channels voice, hooks, and self-determined power.
Like someone pulling signal from static, Cosey Mueller continues to find innovative permutations on Punk and Experimental Electronic, developing them into a distinctive style in her impressive discography – of which “Embodiment of Denial” serves as a new highpoint.

An increasingly driving danceability is the backdrop for a heightened focus on Mueller’s commanding voice. Ear-catching hook after hook is loaded across the album’s eight tracks. Far from the empty sloganeering parodied on “Der Politiker”, she reclaims the declarative statement for the forces of good.
„Embodiment of denial“
– it’s the denial to embody anything forced upon us by the outside and by others. The body will eventually become what it lives through and what it’s told before it dies. It’s very important to define life and filter influence. It’s a call for embodiment of self-determination.My vision as a musician and artist is to motivate people (including myself) through my music to be themselves and do something worthwhile within the short time that they are on this planet.
Love,
CoseyCosey Mueller is raising questions about love, power, equality, honesty and the media – which has become such a big part of everyday life. At the same time, humour serves as a lubricant. It eases the tension between the sheer pleasure of listening to music and the subject matter. This subject might seem uncomfortable and dark at first.
Details:

All songs written, recorded and mixed by Cosey Mueller
Mastering by Tobias Lill
Artwork by Cosey MuellerSingle Release Dates:
Der Politiker: 20.3.26
Contraddict: 24.4.26Tourdates (tbc)
04/05 DE München – Kranhalle
04/30 PL Warschau – Voodoo
05/29 DE Berlin, SO36 – Record Release
07/14 UK Leeds – OSEES Support
07/17 UK London – OSEES SupportAbout Cosey Mueller:
Cosey Mueller is a Berlin-based musician and visual artist emerging from the city’s underground electronic and post-punk scenes. She is known for combining raw punk energy with analog synth experimentation, creating a sound that is both physical and emotionally direct. Her music often merges repetitive electronic structures, coldwave textures, and expressive vocals into a danceable but confrontational style.
Before her solo work, she participated in collaborative projects in Berlin’s DIY circuit. These included synth-punk and electronic groups. These experiences helped shape her hybrid approach to songwriting and performance. Her solo debut Interior Escapes (2021) introduced a lo-fi, intimate version of her aesthetic. It was followed by Irrational Habits (2023) and Softcore (2024). These later works expanded into sharper club-driven rhythms. They also featured a more assertive vocal delivery.
Throughout her work, Mueller is known for balancing minimal electronic production. She pairs this with emotionally charged voice work. She often uses repetition, distortion, and lyrical directness to explore themes of identity. Additionally, she delves into media saturation, power structures, and personal autonomy.
Her 2026 album Embodiment of Denial marks a conceptual peak in her discography. It frames “denial” not as avoidance, but as resistance—rejecting imposed identities and advocating for self-determination. The record continues her evolution toward more driving, club-oriented energy while maintaining critical, socially aware lyrics that question authority, truth, and everyday ideological pressure.
In performance, she is known for intense, kinetic live sets. These translate her studio minimalism into a more physical, immersive experience. This reinforces her reputation as a key figure in Berlin’s contemporary experimental electronic scene.
Taged as/in; berlin, Cold wave, Contraddict, Cosey Mueller, Darmstadt, Der Politiker, Embodiment of Denial, Expertimental Electronic, Leeds, London, München, OSEES, SO36, Synth punk, warschau -

Die Clubcommission unterstützt „Berlin ist RAW“
Das RAW-Gelände steht für Berlins kulturelle Vielfalt: Über 80 Projekte machen es zum unverzichtbaren Freiraum für Kiez und gesellschaftlichen Zusammenhalt.
Die Clubcommission Berlin unterstützt die Kampagne für den Erhalt der Clubs und Kulturorte auf dem RAW-Gelände. Das RAW steht stellvertretend für das, worum täglich gekämpft wird: der Erhalt von Clubkultur als unverzichtbarem Teil des urbanen Lebens. Die Clubs und Kulturorte auf dem Areal sind mehr als kurzlebige Erscheinungen. Sie leisten kontinuierliche, verantwortungsvolle kulturelle Arbeit und prägen das Gesicht des Kiezes und Berlins.
Die Stadt profitiert von ihnen kulturell, ökonomisch, touristisch und gesellschaftlich. Das verdient nach Ansicht der Clubcommission Planungssicherheit und eine langfristige Perspektive. Die Clubcommission appeliert an Bezirk und Eigentümerin, gemeinsam Verantwortung zu übernehmen und langfristige, verbindliche Lösungen zu schaffen.
Kunst, Kiez, Gemeinschaft
Von Ateliers über einen Zirkus bis hin zu Skatehallen, Boulderkletterwänden und Live-Clubs: Das RAW-Gelände vereint eine einzigartige Mischung aus Kunst, Sport, Jugendsozialarbeit und Nachtleben. Hier arbeiten Künstlerinnen und Künstler, trainieren Kinder im Kinderzirkus Zack oder im offenen Jugendclub Drop in e.V., spielen Bands und tanzen Menschen bis zum Morgengrauen in Institutionen wie dem Cassiopeia.

Das RAW ist weit mehr als nur ein Partyort. Es ist ein Raum, der Menschen verbindet, die sich im digitalen Raum niemals begegnen würden. Hier steht das gemeinsame Erlebnis im Vordergrund und überwindet persönliche und gesellschaftliche Differenzen. Im Kampagnen-Manifest heißt es dazu treffend: „Wir sind kein Konzept. Wir sind gewachsen. Aus dem Kiez, aus der Stadt, aus dem Bedürfnis nach einem Ort, der nicht alles dem Markt überlässt. In einer Zeit, die spaltet, sind wir ein Ort, der verbindet.
Breite Unterstützung für die Sichtbarkeit des Areals
Die aktuelle Kampagne zielt darauf ab, genau diese Vielfalt zu zeigen und das Bewusstsein für die Einzigartigkeit dieses Ortes zu schärfen. Dieser Ort lässt sich nicht einfach nachbauen oder ersetzen.
Florian Falkenhagen, Vorstandsmitglied der RAW Kultur L e.G. und Betreiber des Cassiopeia sowie Mitglied des erweiterten Vorstands der Clubcommission, erklärt zum heutigen Kampagnenstart:
„Wir wollen mit der Kampagne sichtbar machen, wie vielfältig und gesellschaftlich relevant die Angebote auf dem RAW-Gelände sind. Das RAW-Gelände ist für mich einzigartig, weil hier mitten in Berlin nicht nur kulturelle und soziale Angebote stattfinden, sondern ein Ort existiert, an dem Stadtentwicklung noch mitgestaltet werden kann.“
Das RAW-Gelände spiegelt die bunte Vielfalt und Offenheit Berlins wider. Die Kampagne lädt alle Berlinerinnen und Berliner sowie die Medienlandschaft dazu ein, das Gelände in seiner gesamten Bandbreite – am Tag und in der Nacht – neu zu entdecken und wertzuschätzen.
Über die Clubcommission:
Die Clubcommission ist das Netzwerk der Berliner Clubkultur. Sie wurde im Jahr 2001 gegründet und ist mit über 350 Mitglieder die weltweit größte Vereinigung von Clubbetreiber:innen und Veranstalter:innen. Sie unterstützt die Arbeit der Kulturunternehmer:innen durch die Optimierung der Rahmenbedingungen und die Verbesserung der Infrastruktur.
Neben vielen verschiedenen Aktivitäten wie nachhaltiger Stadtentwicklung, Schallschutz und der Vermittlung zwischen Clubs, Bauherren und der Nachbarschaft. Es gibt auch die Verbesserung der Arbeitsbedingungen in der Nachtökonomie und die Entwicklung von Antidiskriminierungs- und Sensibilisierungsmaßnahmen in Clubs. Außerdem ist die Erforschung der verschiedenen Dimensionen der Clubkultur seit jeher ein wichtiger Bestandteil ihrer Arbeit.
Über die RAW Kultur L e.G.:
Die Genossenschaft RAW Kultur L existiert seit 2018 und macht sich für soziale und kulturelle Angebote auf dem Gelände stark. Abseits von kommerziellem Druck. Sie vertritt das „Soziokulturelle L“ auf dem Areal und engagiert sich für ein offenes, buntes Miteinander im Kiez und darüber hinaus.
Copyright © 2026 Clubcommission Berlin e.V., All rights reserved.
Taged as/in; berlin, Berlin Ist RAW, Clubcommission, Clubkultur, culture, Erhalten, freiraum, Kiezkultur, Kultur, RAW Gelände, SaveRAW -

Alte Münze: Next week we go ambient, noisy, & experimental
Ambient, noisy, experimental: AVERS Ed. 3 on April 25 unites sound, visuals, and space in raw dialogue—unpredictable, immersive, and alive.
Dear Community,
Next week (April 25), things get ambient, noisy, and experimental, all at once.
revers:avers is a multimedia event series that brings together artists from the fields of media and digital art, experimental sound, and related genres right here in our Prägehalle. Each edition creates new artistic symbioses, treating audiovisual performance as a dialogue between sound, image, and space. The series is structured around two distinct poles. Each pulls in a different direction. This creates a tension that makes every event a unique and unpredictable experience.
This time we present the AVERS Edition 3, featuring the following artists:
20:30 | Pablo Ulises Lienhard x Yun Kuo present foghorn

@femmeboyant_xoxo (any pronouns) is a performer and composer based in Berlin. They are typically found playing as an improvising saxophonist and electronic noise musician in a variety of settings, selecting music for radio shows or for people to dance to (as ulises4000), and organizing or curating diverse event formats.
Their main projects include the accordion and electronics duo Zimmermann / Lienhard. They are also involved in the fake industrial folklore band Schrödinger or Boom Boom God. They co-host the Berlin-based club series Brutal Honesty with missteikk. Additionally, the Zürich-based @workoutjazz collective organizes the madness festival series. Their work explores topics such as instrument interfaces, the physicality of sound, interdisciplinarity, performance, and mise en scène.
@yunkuo__ is a Berlin-based visual artist and designer who focuses on storytelling, the translation of emotions, and cultural identity. In her VJ sets, she merges design precision with improvisation, drawing on her dedicated practice in graphic design.
21:25 | bungalovv Live AV

bungalovv is the electronic music project of Pablo Betas, an Argentinian producer, experimental guitarist, and DJ based in Berlin since 2019. His music spans alternative and experimental club music, ambient, and percussive polyrhythms. It weaves in trance-inspired synthesizers, foley loops, acoustic instruments, and Latin American influences to create a nocturnal and mechanical world of its own. A core member of the internationally respected Infinite Machine label, he has released two records and recently completed a 20-date tour across Asia.
22:20 | Veronika (Special Performance)

Veronika Tikhonova‘s practice explores the poetics of eroticism, post-internet culture, and the expansions and restrictions of bodily and sensory experience.
22:45 | PΞB Live

PΞB is the Berlin-based duo of Ilia Gorovitz and Asja Skrinik, a relentless fusion of industrial, punk, noise rock, and metal. Gorovitz’s drumming anchors Skrinik’s aggressive vocals as they move between fierce outbreaks and eerie atmospheric build-ups, conjuring a journey through industrial wastelands with the unsettling beauty of a rusty oil sheen. Their live performances draw on Grand Guignol horror, spoken word, and theatrical intensity, with feedback loops and cryptic field recordings that hypnotise and unsettle in equal measure.
22:45 | Alexandra Macià & CINEMA AV (Visuals for PΞB)

Alexandra Macià works at the fringes of media art, using video as a tool for critique. Her raw, punk-inflected practice deconstructs media manipulation and questions the fragility of the multimedia field. Rejecting conservative frameworks, she pursues a DIY filmmaking language rooted in lust and artistic process, bending established models into subliminal psychovisual landscapes that accelerate and destabilize the viewer’s perception.
Evan Henry (CINEMA AV) is an audiovisual artist who collaborates with live bands and synthesizer musicians to create immersive live performances. Rooted in a fascination with CRT televisions and found video tape, his practice blends analog visual culture with live electronic performance.
“Das Display schaut in den Raum” by Leon Klaßen

Leon Klaßen studied architecture and works as a designer, programmer, and artist in Berlin. His installations explore the intersection of sculpture, technology, and space, with all elements kept raw and temporarily assembled from individual parts. “Das Display schaut in den Raum” (The display gazes into the room) shifts the perspective of the viewer. The display takes on a gaze of its own. It illuminates its surroundings. Built around the simplicity of the 7-segment display, a form of information display developed in the 1960s, the work poses a quiet and open question: I’m looking at all of this here. Are you showing me something, too?
AVERS Ed. 3
25 April | 19:30 – 0:00
Alte Münze | Molkenmarkt 31, 10179 Berlin
Curated by co:evolve
PARTNERS:
Taged as/in; Alexandra Macià, Alte Münze, AVERS Ed 3, berlin, Bungalovv, co:evolve, Evan Henry, Leon Klaßen, Pablo Ulises Lienhard, Prägehalle, PΞB, Veronika Tikhonova, Yun Kuo -

Tuan Vu: Annam at the Kristin Hjellegjerde Gallery
Two women play sitar by a lily pond as a golden spirit hovers—Tuan Vu’s dreamlike worlds weave memory, identity, and imagined homelands.
Two women sit on the edge of a pond dotted with lily pads, playing the sitar. Behind them floats an ethereal figure, bathed in golden light – perhaps the guardian of the garden in which they sit, or a manifestation of the music itself? Annam, a solo exhibition by the Vietnamese artist Tuan Vu, casts us into ornate scenes, lush with colour, plant life and rich fabrics. They are part paradisal visions, part homage to the culture that the artist left behind when he immigrated to Quebec.

A Usual Day, 2026, Oil and oil sticks on linen, 185 x 155 cm, 72 7/8 x 61 in 
Dan Ty Ba, 2026, Tempera and oil on linen, 60 x 50 cm, 23 5/8 x 19 3/4 in The show’s title refers to the name used for Vietnam during the Chinese and French colonial periods. Loaded with a complex and painful history. Despite this, for the artist, it also carries ‘a sense of memory and distance’. This speaks to the complicated act of remembering itself.
Tranquil South
The painting Tranquil South is titled after the translation of Annam, though the literal translation is ‘pacified south’, and depicts a woman sitting on the river bank, shading herself from the sun with a decorative umbrella. The title, half ironic, points to Vu’s awareness of his own inability to relate to the struggles of that period, but it also refers to his continual search for harmony and beauty through the making of art.
While the landscapes and figures in his work are inspired by his home country, the emotive, non-naturalistic use of colour is influenced by the Parisian artist group Les Nabis. Here, as in other works, the warm tones of yellow and pink, along with touches of luminescence, transport us into a magical realm that exists outside of reality.
A Usual Day

Tranquil South, 2026, Oil and oil stick on linen, 90 x 75 cm, 35 3/8 x 29 1/2 in A Usual Day playfully points to this disconnect, reminding us that we are entering into an imaginary space where, in fact, nothing is usual or ordinary. In this scene, we are positioned within an internal space, glimpsing behind a draped curtain into a garden beyond where a woman is watering a pot of flowers.
The composition here has been carefully constructed to gradually draw our eye through the space. It mimics the sense of walking in wonder, past the painted vases and the black panther—a symbol of freedom for Vu. We move into the garden and up to the sky. Here, we notice the faint trace of a domed glass roof and begin to imagine the heat and fragrant scents around us.
A Trembling Sky

A Trembling Sky, 2026, Tempera and oil on linen, 60 x 50 cm, 23 5/8 x 19 3/4 in Marking a shift from Vu’s typical focus on landscape, there are also a number of portraits in this exhibition where the surreal backdrops point to layered narratives and a sense of unfolding time. The Official Portrait, for instance, depicts a queen seated in elaborate áo dài, the national dress of Vietnam. Behind her, we see various apparitions. These include the figure of a western queen holding a sceptre, the Buddha, and the odalisque. The odalisque is a direct reference to the Vietnamese painter Mai Trung Thu, who in turn was inspired by Ingres.

The Official Portrait, 2026, Oil and oil sticks on linen, 185 x 155 cm, 72 7/8 x 61 in This interweaving of references reflects the complex cultural inheritances that shape Vu’s work, where Vietnamese and European artistic traditions coexist within the same pictorial space. Vu does not try to resolve these histories. Instead, he allows them to overlap and drift through his compositions like memories. This approach suggests that identity, like the landscapes he paints, is something continually reimagined from afar. In this way, the exhibition becomes less a reconstruction of a time or place than a meditation on the fragile, imaginative process of remembering it.
ANNAM – Tuan Vu
2 – 30 May
Private View:
Friday, 1st of May 2026Vernissage:
Friday, May 1st 2026 | 6-9pmDuring Gallery Weekend:
Saturday, May 2nd | 11am-6pm
Sunday, May 3rd | 11am-6pmKristin Hjellegjerde Gallery
Mercator Hoefe
Potsdamer Str. 77-87
10785 Berlin, GermanyGet in Touch About the Exhibition
Copyright © Kristin Hjellegjerde Gallery, All rights reserved.
Taged as/in; Annam, Art Show, berlin, contemporary art, exhibition, Gallery Weekend, Kristin Hjellegjerde Gallery, painting, Quebec, Tuan Vu, Vietnam -

Marc Collin, Tritha Sinha – Raga Dhani via Kwaidan Records
Raga Dhani blends Indian raga tradition with analog acid textures, channeling Charanjit Singh’s vision into a hypnotic, meditative and rhythmic trance.
Raga Dhani is the first track from the Acid Raga Experience project, a collaboration between Marc Collin and Trita Singh. The project draws inspiration from the pioneering work of Indian musician Charanjit Singh. In the early 1980s in Bombay, he envisioned a unique fusion of Indian classical music and early Roland analog electronic instruments.
With his now-classic album Ten Ragas to a Disco Beat (1982), Charanjit Singh created an unexpected form of electronic raga, often considered a precursor to the acid house that would emerge a few years later in Chicago.
Acid Raga Experience extends this visionary intuition by exploring the interplay between the structure of traditional ragas and the hypnotic textures of analog synthesis. In Raga Dhani, melodic motifs inspired by Indian tradition blend with repetitive electronic sequences. This fusion gives rise to a contemporary electronic raga.
The Track is both meditative and rhythmic. This project thus proposes a connection. It bridges the spiritual depth of Indian music and the aesthetics of 80s analog machines. The exploration is situated between tradition, electronics, and hypnotic trance.
Artist Bio:
Acid Raga Experience brings together Indian singer Tritha Sinha and French producer Marc Collin, co-founder of Nouvelle Vague. The project blends the tradition of ragas with analog electronic textures in a direct, repetitive, and immersive language. Inspired by Charanjit Singh and his album Ten Ragas to a Disco Beat, often considered a precursor to acid house, the duo doesn’t simply pay homage: they reactivate this intuition with today’s tools.
Tritha Sinha brings a profound mastery of raga and a vocal approach that blends improvisation and trance. Marc Collin constructs electronic structures from analog instruments, using a minimalist and cyclical logic. Together, they create a tension between tradition and machine, discipline and repetition, meditation and rhythmic energy. The album explores ten ragas reinterpreted through analog synthesis and hypnotic sequences.
The first single, “Raga Dhani,” scheduled for release on April 10th, introduces this point of convergence: music both rooted in ancient tradition and oriented towards a form of contemporary trance.

Details:
Release Date : April 10th, 2026
House, Acid House, Indian Electronic Fusion
Catalog Number KW242S1
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Paradoxical Implants EP – The Ultimate Dreamers & Implants
A dark fusion of post-punk and EBM: The Ultimate Dreamers reborn through Len Lemeire’s bold remixes of Paradoxical Sleep.
Following the acclaimed album Paradoxical Sleep, Belgian post-punk outfit The Ultimate Dreamers return with a special 6-track remix EP created in close collaboration with their long-time producer Len Lemeire – also known for his work with Implant.
What began as a simple remix request quickly evolved into something far more ambitious. Caught in the creative momentum, Len Lemeire ended up deconstructing and rebuilding 6 songs from “Paradoxical Sleep” – tracks he had already shaped in the studio during months of production. The result is more than just a remix EP. It is a genuine fusion between two sonic identities. The melancholic post-punk of The Ultimate Dreamers collides with the sharp electronic edge of Implant.

Each track is reborn from a new angle. “Digging” dives into harsher, noisy territories of broken beats and dense electronics, while “Kids Alone” leans into a more classic EBM pulse. “Spiritchaser” shines with an irresistible synth-driven glow, blending old-school electronics with the song’s original spirit, while “Far Away” expands its emotional depth through richer synthetic textures.
The haunting “Into The Fog” takes a more spectral turn. It amplifies its dreamlike atmosphere. “Envoler” is stripped down and reshaped with a subtle cold-wave aura. It is inspired by the timeless melancholy of TRISOMIE 21. More than a remix project, this EP stands as a true artistic dialogue between two projects sharing a long creative history.
A Brief description
Post-punk shadows meet electronic body music, introspection meets rhythm, nostalgia meets the dancefloor. A bold reinterpretation of Paradoxical Sleep, and a fascinating bridge between the worlds of The Ultimate Dreamers and Implant.

Here is a well-researched “About the Artists” text suitable for press kits, Bandcamp, or promo use:
About the Artists
The Ultimate Dreamers are a Belgian post-punk and cold wave outfit originally formed in the mid-1980s in Lessines, the hometown of surrealist painter René Magritte. After an extended hiatus, the band re-emerged in 2021, breathing new life into their early recordings and quickly establishing themselves as a compelling force in the contemporary darkwave scene.
Their sound merges melancholic post-punk textures with cold wave atmospheres, combining organic instrumentation—guitar, bass, and cello—with subtle electronic elements. Lyrically, their work explores themes of dreams, emotional disquiet, love, and social disillusionment, often wrapped in introspective and surreal narratives.
Following their comeback compilation Live Happily While Waiting For Death (2021), the band gained international attention with Echoing Reverie (2023), a critically acclaimed album that led to extensive live performances across Europe. They continued this momentum with Paradoxical Sleep (2025), further refining their signature blend of nostalgic cold wave and modern production.
Central to their recent evolution is their long-standing collaboration with Len Lemeire, a key figure in the European electronic scene. Known as a founding member of Implant and for his work with artists such as Anne Clark and 32Crash, Lemeire brings a sharp electronic edge to the band’s sound. As producer, remixer, and creative partner, he plays a crucial role in shaping the hybrid sonic identity that bridges post-punk melancholy with EBM-driven precision.
The Ultimate Dreamers and Len Lemeire create a unique artistic dialogue together. It is grounded in shared history yet constantly evolving. Analog emotion meets electronic intensity in their work. Past influences collide with forward-thinking production.
Taged as/in; Alfa Matrix, Cold wave, electro rock, Implant, Len Lemeire, Paradoxical Sleep, post-punk, Spleen Plus, The Ultimate Dreamers -

Der Verbrecher Verlag im April 2026: Neue Bücher
Zwischen Trauer und Weltlage stellt der Verbrecher Verlag neue Bücher vor – Texte über Widerstand, Gesellschaft & Literatur, die zum Denken und Handeln anregen.
Liebe Freund:innen des Verbrecher Verlages,
in diesen ja endlich wieder helleren Tagen sind wir bekümmert, mit Bela Winkens und Ludwig Lugmeier sind zwei geliebte Autor:innen gestorben. Und auch die Weltlage bietet weiterhin keinen Anlass zu Heiterkeit.
Dennoch wollen wir versuchen, die Welt mit einigen neuen Büchern zu verbessern und zu verschönern, die wir Ihnen und Euch hier vorstellen, zudem gibt es in diesem Beitrag wieder Terminankündigungen und ein Gedicht, denn auf gute Texte kommt es ja an.
Doch zuerst unsere 6 Neuerscheinungen: 2 mal Anthologien zum Literaturbetrieb, 4 mal beeindruckende Gesellschaftsgeschichte und -analyse.
Gender Punks. Über trans Pionier:innen und die Kunst, widerständig zu leben

von Kuku Schrapnell
In “Gender Punks” folgt Kuku Schrapnell historischen trans- und intergeschlechtlichen Personen vom 17. bis ins 20. Jahrhundert. Dabei geht es um ganz grundlegende Fragen: Was ist Geschlecht überhaupt? Und wie machen wir diese Welt zu einem besseren Ort?
Klug und unterhaltsam zeichnet Kuku Schrapnell das Leben queerer Ikonen wie Anastasius Lagrantinus Rosenstengel, Romaine-la-Prophétesse, Lucy Hicks Anderson oder der Danshō Okiyo nach.
Es geht um Widerstand in einer Welt, in der sich Patriarchat und Kapitalismus gegenseitig verstärken. Kuku Schrapnell zeigt, dass es in all dieser Zeit immer wieder Menschen gab. Menschen widersetzten sich erst auf persönlicher Ebene der Herrschaft und Unterdrückung. Schließlich taten sie dies auch auf kollektiver Ebene. Kuku Schrapnell entreißt die Schicksale den Gerichts- und Krankenakten und schreibt sie solidarisch und liebe voll neu.
Bitch Hunt. Warum wir es lieben, Frauen zu hassen

von Veronika Kracher
Im Sommer 2022 offenbarte die Hasskampagne gegen die Schauspielerin Amber Heard, wie salonfähig es ist, Opfer häuslicher Gewalt zu verhöhnen und wie omnipräsent Frauenhass in unserer Gesellschaft nach wie vor ist.
Was früher in den reißerischen Printmedien stattfand, passiert heute online und in Echtzeit. Ein breites Publikum beteiligt sich begeistert an Hass und Hetze gegen Frauen – stellenweise sogar ungehemmt unter vollem Klarnamen. Influencer, deren Content ausschließlich aus Angriffen gegen Frauen und queere Menschen besteht, erreichen auf sozialen Medien ein Millionenpublikum.
Digitale Plattformen unterbinden diesen, oft gegen Einzelpersonen gerichteten Hass, nicht – ganz im Gegenteil, denn hinter dem Hass steckt oft ein System, das gewinnbringende Klicks generiert.
In “Bitch Hunt” analysiert Veronika Kracher die Funktion digitaler Misogynie. Sie untersucht, welche Rolle misogyne Kampagnen im rechten Kulturkampf spielen. Außerdem erklärt sie, wieso Soziale Medien alltäglichen Frauenhass in einer patriarchalen Gesellschaft derart verstärken. Letztendlich leiden nicht nur Betroffene unter diesen Dynamiken, sondern unsere Demokratie.
Antisemitismus definieren. Anleitung zur Abgrenzung

von Nikolas Lelle und Tom Uhlig
Während die Diskussionen um Antisemitismusdefinitionen immer unzugänglicher werden, hat die Ideologie in ihrer öffentlichen Wahrnehmung nichts von ihrem Rätselcharakter verloren.
Die Bestimmung und damit die Bekämpfung von Antisemitismus wird durch zahlreiche alltagspraktische wie akademische Mythen erschwert. Antisemitismus wird unter Rassismus subsumiert und zum Vorurteil gemacht. Zudem wird Antisemitismus als Aspekt gruppenbezogener Menschenfeindlichkeit gelesen oder zum Wahn erklärt.
Obwohl diese Deutungsversuche etwas treffen, reduzieren sie Antisemitismus doch immer nur auf einen Teilaspekt. In »Antisemitismus definieren« machen der Sozialphilosoph Nikolas Lelle und der Sozialpsychologe Tom Uhlig diese Mythen produktiv. Sie fragen nach ihrer subjektiven und gesellschaftlichen Attraktivität, und arbeiten ihren wahren Kern heraus, um einen Antisemitismusbegriff zu gewinnen, der dem Gegenstand gerecht wird.
Gegen // Über. Debatten zur Gegenwart

hg. v. Peter Dietze, Irene Eidinger und Tobias Herold
Dem Literarischen Colloquium Berlin, der Wochenzeitung Jungle World sowie dem Veranstaltungs- und Produktionsort für Kunst, Musik und Literatur ausland war es ein großes Anliegen. Sie integrieren Diskussionsveranstaltungen zu aktuellen politisch-gesellschaftlichen Themen in das ansonsten hauptsächlich künstlerisch ausgerichtete Programm verschiedener Spielstätten in Berlin.
“Wir waren überzeugt, dass die Kunst einen analytischen Blick auf die Welt um uns herum benötigt.” Die Beteiligten aus den genannten drei Räumen setzten sich an einen Küchentisch und entwarfen das Konzept zur Reihe “GEGEN//ÜBER – Debatten zur Gegenwart”.
Es folgten aufschlussreiche Vorträge, Gespräche und fruchtbare Auseinandersetzungen mit jeweils zwei Autor:innen pro Themenabend.
Der vorliegende Sammelband dokumentiert nun eine Auswahl dieser spannenden Diskussionsabende. Er versammelt die Essays, die im Wesentlichen den Vortragsmanuskripten der Autor:innen entsprechen.Mit Beiträgen von Hartmut Böhme, Ute Frevert, Ulrike Herrmann, Ute Kalender, Christine Kirchhoff, Stefanie Kron, Christoph Laimer, Elena Messner, Robert Misik, Tadzio Müller, Claudia Neu, Lars Quadfasel, Richard Schuberth. Sowie Autor:innen wie Jörn Schulz, Georg Seeßlen, Philipp Staab, Julian Stenmanns, Margarete Stokowski, Natascha Strobl, Peter Trawny, Barbara Vinken, Volker Weiß, Elke Wittich und Peter Zwanzger.
Literarisch solidarisch – Perspektiven auf einen neuen Literaturbetrieb

hg. v. Hatice Açıkgöz
Die Texte in dieser Anthologie blicken aus verschiedenen marginalisierten Positionen auf den Literaturbetrieb. Sie stellen Fragen nach Zugang, Zugehörigkeit und Arbeitsweisen. Die Autor:innen schreiben aus persönlicher Sicht über strukturelle Ausschlussmechanismen. Gleichzeitig schaffen sie Raum für utopische Ideen, um den literarischen Raum solidarisch zu öffnen.
Alle Beitragenden haben dazu verschiedene Formen von Texten gewählt, es gibt lyrische Positionen, Theatertexte und klassische Essays. Als Herausgeberin möchte mit der Anthologie einen Beitrag zur Zukunft des Literaturbetriebs leisten und den Betrieb, den sie sehr schätzt, heraus fordern, auch Kritik auszuhalten.
Die Anthologie trägt den gleichen Namen wie der Podcast, den die Herausgeberin gemeinsam mit den Autorinnen Dara Brexendorf und Zara Zerbe herausgibt und der bereits ein breites Publikum hat.
Mit Beiträgen von Josephine Apraku, Maryam Aras, Sarah Berger, Betiel Berhe, Dara Brexendorf, Seda Çalışkanoğlu, Özlem Özgül Dündar, Mareike Fallwickl, Christiane Frohmann, Heike Geißler, Linus Giese, Mareice Kaiser, Ozan Zakariya Keskinkılıç, Maline Kotetzki, Hami Nguyen, Andrea Schöne und Ayna Steigerwald.
Literatur & Haltung. Rachel Salamanders Archiv

hg. von Anke Buettner und Tina Rausch
Rachel Salamander schuf in über 40 Jahren ein einzigartiges Forum für jüdische Autor:innen. In über 1000 Veranstaltungen brachte die Publizistin jüdische Gegenwart in klaren Worten zur Sprache. Mit ihrem Wirken veränderte sie den Diskurs in Deutschland. Dieses Lesebuch ist eine Hommage an die große Literaturvermittlerin und eine Einladung, wieder mit dem Lesen zu beginnen.
“Literatur & Haltung. Rachel Salamanders Archiv” heißt auch die Monacensia-Ausstellung, die ab Mai 2026 zu sehen sein wird. Sie schöpft aus dem großen Archiv, das Rachel Salamander dem »literarischen Gedächtnis Münchens« schenkte.
Mit literarischen Texten von Louis Begley, Maxim Biller, Lily Brett, David Grossman, Batya Gur, Barbara Honigmann, Imre Kertész, Ruth Klüger, Amos Oz, David Rokeah, Robert Schindel und Zeruya Shalev.
Nun zu den Terminen:
Ganz besonders möchten wir Sie und Euch auf die Buchpremiere des Elegien-Bandes “Tiferet” von Benjamin Stein in der Autorenbuchhandlung Berlin am 16. April hinweisen. Kartenreservierung hier.
Zudem sind Stefan Dietl – “Antisemitismus und die AfD”, Alexander Leistner, Manja Präkels, Tina Pruschmann und Barbara Thériault – “Extremwetterlagen. Reportagen aus einem neuen Deutschland” und Robert Stadlober – “Wenn wir einmal nicht grausam sind, dann glauben wir gleich, wir seien gut”, Tucholsky -Lesebuch) weiterhin auf Lesetournee, auch viele weitere Autor:innen sind im gesamten D/A/CH-Raum unterwegs – vielleicht auf bei Ihnen und Euch vor Ort?
Alle Termine finden sich hier.
Und hier schließlich das eingangs versprochene Gedicht:
THERESIENSTADT
von Bela Winkens
An Orten wie diesem
Sollten keine Kinder sein.
Kinder sollten sein
Wo Schmetterlinge fliegen.
Und Schmetterlinge
Wo es Freiheit gibt.
Und Freiheit
Wo der Mensch
Den Menschen achtet.
Und Menschen
Gibt es nicht
An Orten wie diesem.Aus dem Band “Brief an die Mutter” von Bela Winkens.
Herzlich grüßt:
der Verbrecher VerlagVerbrecher Verlag GmbH
Gneisenaustr. 2a
10961 BerlinTaged as/in; Analyse, Autor:innen, berlin, bücher, Debatte, Feminismus, gedicht, Gesellschaft, Kultur, Lesung, Literatur, Neuerscheinung, Politik, queer, solidarität, termine, Verbrecher Verlag, Widerstand -

17. ALFILM – Arabisches Filmfestival in Berlin
ALFILM 2026 bringt vom 22.–28. April aktuelles arabisches Kino nach Berlin – mit Premieren, Diskussionen und starken Geschichten aus der Region und Diaspora.
Liebe Freundinnen und Freunde von ALFILM, wir freuen uns, euch mitteilen zu können, dass die 17. Ausgabe des ALFILM – Arabisches Filmfestival Berlin vom 22. bis 28. April 2026 stattfinden und eine breite Auswahl an Spiel-, Dokumentar- und Kurzfilmen präsentieren wird. Eröffnet wird das diesjährige Festival mit Annemarie Jacirs Palestine 36. Das epische historische Drama feiert bei ALFILM seine Deutschlandpremiere, bevor es in den bundesweiten Kinoverleih geht.
Angesiedelt im Jahr 1936, am Vorabend des Großen Palästinensischen Aufstands, zeichnet Palestine 36 den wachsenden Widerstand gegen die britische Kolonialherrschaft und die Zwangsenteignung der indigenen palästinensischen Bevölkerung nach. Jacir zeigt die Geschichte von Protagonist:innen unterschiedlicher sozialer und kultureller Herkunft. Diese Protagonist:innen sind mit politischem Verrat, gesellschaftlichen Brüchen und einer drohenden Katastrophe konfrontiert. So entwirft Jacir das eindringliche Porträt einer Gesellschaft am Abgrund.
Mit einem internationalen Cast, darunter Hiam Abbas, Liam Cunningham und Dhafer L’Abidine, untersucht der Film die kolonialen Wurzeln des Konflikts und den anhaltenden Kampf um Würde, Freiheit und Selbstbestimmung. Palestine 36 war 2026 Palästinas offizielle Einreichung für den Oscar in der Kategorie Bester Internationaler Film.
Die ALFILM Selection
Wie in den Vorjahren präsentiert ALFILM in seinen zwei Programmsektionen eine sorgfältig kuratierte Auswahl, die die Vielfalt künstlerischer Ansätze und politischer Perspektiven des aktuellen arabischen Kinos widerspiegelt. Die ALFILM Selection zeigt aktuelle Produktionen aus der arabischen Welt sowie der Diaspora und bietet Einblicke in moderne Filmstile und thematische Diskurse.
ALFILM Spotlight
Das diesjährige ALFILM Spotlight mit dem Titel Sudan: New Projections – Retrospectives, Revolutions, and Restorations wurde erstmals in der Festivalgeschichte von einem Gastkurator konzipiert: Talal Afifi, Produzent und Leiter der Sudan Film Factory.
Das Programm widmet sich dem sudanesischen Kino und stellt zeitgenössische Werke neben neu restaurierte Archivfilme und künstlerische Interventionen. Dabei werden Kontinuitäten und Brüche eines Kinos sichtbar, das von Revolution, Erinnerung, Exil und Resilienz geprägt ist. Das Programm unterstreicht die kreative Kraft sudanesischer Filmschaffender trotz der Zerstörungen durch Krieg und den Zusammenbruch kultureller Infrastrukturen.
Masterclasses, Panel-Diskussionen, Filmgespräche, Sondervorführungen, die Kunstausstellung Sudan Retold sowie eine Party am 24. April im Festsaal Kreuzberg ergänzen das Filmprogramm und laden das Publikum zum direkten Austausch mit Filmschaffenden, Künstler:innen und Expert:innen ein.Save The Date: 17. ALFILM – Arabisches Filmfestival Berlin

HAU Hebbel am Ufer, City Kino Wedding, Kino in der KulturBrauerei, Sinema Transtopia, Wolf Kino, silent green, Sputnik, Spore, Flutgraben and Festsaal Kreuzberg.
22nd – 28th April 2026
Programmvorschau
Palestine 36

(Eröffnungsfilm) Spielfilm, Regie: Annemarie Jacir, Palästina/Großbritannien/USA/Katar/Frankreich, 2025, 115 min, AR/HE/EN, mit EN UT
Vorführungen: HAU1, 22.04., 19:00 Uhr & Kulturbrauerei 3, 23.04., 20:00 Uhr
1936: Palästina steht kurz vor einer Revolution. Wütend über die gewaltsame Unterdrückung durch die britische Kolonialherrschaft und den Zustrom zionistischer Siedler:innen, die unter britischer Schirmherrschaft Land in ihren Besitz bringen und die Kontrolle über den Arbeitsmarkt übernehmen, fühlen sich große Teile der einheimischen Bevölkerung, in der Hoffnung auf Befreiung, zum Widerstand gezwungen.In Städten und Dörfern brechen Arbeiterstreiks aus. Männer und Frauen greifen zu den Waffen. In Jerusalem setzt sich Yusuf (Karim Daoud Anaya) für sein Dorf ein, in dem das Leben unter den britischen Umstrukturierungsmaßnahmen unerträglich geworden ist.
Yusuf und seine Familie stehen der Gleichgültigkeit von Teilen der arabischen urbanen Elite gegenüber. Diese stellt sich weder auf die Seite der Revolution noch unterstützt sie sie. Dadurch sind sie gezwungen, sich dem Schicksal zu stellen, das sie mit der gesamten Nation teilen. Dieses Schicksal ist von Zerstörung und Vertreibung geprägt. Es wird aber auch von der unerschütterlichen Entschlossenheit getragen, in Freiheit und Würde zu leben.
Jacirs Film ist ein episches Historien-Drama, das die Ursprünge der Nakba und die kolonialen Wurzeln des heutigen Palästinas nachzeichnet.
Anschließend findet ein Filmgespräch mit der Regisseurin Annemarie Jacir statt.Cotton Queen

(Spotlight-Eröffnungsfilm) Spielfilm, Regie: Suzannah Mirghani, Sudan/Saudi-Arabien/Katar/Deutschland, 2025, 94 min, AR. mit EN UT
Vorführungen: HAU1, 23.04., 19:00 Uhr & City Kino Wedding, 24.04., 19:00 UhrNafisas Dorf in der Nähe des Nils lebt vom Baumwollanbau. Die Teenagerin steht unter der strengen Aufsicht ihrer Großmutter Al-Sit, einer Matriarchin, deren antikoloniale Vergangenheit sich zu sozialer Macht verfestigt hat. Als ein Geschäftsmann mit gentechnisch verändertem Saatgut auftaucht und Nafisa einen Heiratsantrag macht, verschmelzen die wirtschaftlichen Interessen des Dorfes und ihr persönliches Schicksal miteinander.
Mirghani rahmt diesen Konflikt mit einem feinen Gespür für Land, harte körperliche Arbeit und Bräuche und zeigt, wie Baumwolle sowohl Lebensgrundlage als auch historisches Vermächtnis ist. Nafisa ist zwischen Sehnsucht, Pflicht und dem Druck der Gemeinschaft hin- und hergerissen. Der Film entfaltet sich als eine Coming-of-Age-Geschichte mit politischer Brisanz. Wer definiert Fortschritt? Wer zahlt seinen Preis? Und wer darf sich eine Zukunft erträumen?
Cotton Queen ist zugleich zart und schonungslos in seiner Darstellung von Frauen, die sich mit bestehenden Hierarchien konfrontiert sehen und gleichzeitig ihre eigene Selbstbestimmung einfordern.
Anschließend findet ein Filmgespräch mit der Regisseurin Suzannah Mirghani statt.Home Movie on Location

Dokumentarfilm, Regie: Viola Shafik, Ägypten/Deutschland, 2025, 100 min, AR/DE, mit EN UT
Vorführungen: HAU1, 24.04., 19:00 Uhr & Sinema Transtopia, 26.04., 19:00 Uhr
In dieser autobiografischen Dokumentation über Familie, der Liebe zum Kino und dem immerwährenden Schwanken zwischen Heimaten, Sprachen und Orten untersucht Viola Shafik ihre Beziehung zu ihrem Sohn und dessen Vater, dem renommierten Artdirector und Produktionsdesigner Onsi Abou Seif. Ihre Verbundenheit mit dem ägyptischen Kino der Vergangenheit und Gegenwart steht im Mittelpunkt. Ihre wissenschaftliche Arbeit war wegweisend. Abou Seif beeindruckte durch seine Bühnenbilder. Er entwickelte die visuellen Welten zahlreicher Meisterwerke des arabischen Kinos von den späten 60er Jahren bis heute. Der Film endet in tieferen Reflexionen über Migration, politische Unterdrückung und die Auslöschung von Orten und Identitäten. ALFILM präsentiert Home Movie On Location in seiner deutschen Premiere.
Anschließend findet ein Filmgespräch mit der Regisseurin Viola Shafik und künstlerische Leiter Onsi Abou Seif statt.Über das Festival
Gefördert durch den Hauptstadtkulturfonds und die Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. Mit freundlicher Unterstützung der Rosa-Luxemburg-Stiftung aus Mitteln des Bundesministeriums für wirtschaftliche Zusammenarbeit und Entwicklung (BMZ), der Friedrich-Ebert-Stiftung, des Rates der arabischen Botschafter sowie des Leibniz-Zentrums Moderner Orient (ZMO).
Das vollständige Festivalprogramm mit detaillierten Informationen ist bald unter www.alfilm.berlin verfügbar.
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