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Le Labo in Wien: Historie trifft auf Zeitgeist
Zwischen Wiener Moderne und New Yorker Parfümkultur: BWM Designers & Architects übersetzen die architektonische Geschichte Wiens in ein neues Store-Konzept.
Internationale Markenidentität trifft auf lokale Architekturgeschichte: Für den ersten österreichischen Store der New Yorker Parfümmarke Le Labo haben BWM Designers & Architects einen Ort geschaffen, der die Wiener Moderne in eine zeitgenössische Formensprache übersetzt.
In der Tuchlauben, mitten im historischen Zentrum Wiens, verbindet das Interior Design handwerkliche Details, ausgewählte Vintage-Möbel und die charakteristische Ästhetik der Marke.
Zwischen historischer Substanz und zeitgenössischem Design
Untergebracht in einem historischen Geschäftslokal, bildet die vorhandene Architektur den Ausgangspunkt des Entwurfs. Die originalen Gewölbedecken wurden in das neue Raumkonzept integriert. Anstatt das international etablierte Erscheinungsbild von Le Labo unverändert zu übernehmen, entwickelten BWM in Zusammenarbeit mit Deborah Royer eine eigenständige Gestaltung. Ein Konzept, welches den Charakter des Gebäudes ebenso berücksichtigt wie die gestalterische Identität des Labels.
Die Wiener Moderne als gestalterische Referenz
Die Inspiration stammt aus der Wiener Moderne um 1900. Architektur und Design von Otto Wagner, Adolf Loos und Josef Hoffmann stehen dabei weniger für eine historische Rekonstruktion als für einen gestalterischen Ansatz, der Materialität, Funktionalität und handwerkliche Präzision in den Vordergrund rückt.
Geometrische Formen, sorgfältig komponierte Steinflächen und sichtbare konstruktive Details treffen auf ausgewählte Vintage-Möbel. Auch ein Sessel des österreichischen Architekten Roland Rainer findet seinen Platz im Interieur und verleiht dem Raum eine zusätzliche historische Dimension.
Das Labor als Herzstück von le Labo
Im Zentrum bleibt dennoch das, was Le Labo ausmacht: das Labor. Hier werden die Parfums direkt vor Ort fertiggestellt – ein handwerklicher Prozess, der die Philosophie der Marke räumlich erfahrbar macht. Die Verbindung von traditioneller Handarbeit und reduzierter Gestaltung schafft dabei einen bewussten Gegenpol zur standardisierten Ästhetik vieler internationaler Retail-Konzepte.
Klassiker wie die Bugholzstühle aus Wiener Café Häusern treffen auf mattierten Chrom New Yorker Lifestyle und Wiener Charme
Das Ergebnis des Designkonzepts ist ein Interieur, das historische Referenzen nicht reproduziert, sondern in einen zeitgenössischen Kontext überführt. Die Wiener Architekturgeschichte wird dabei nicht zur Kulisse für eine internationale Marke, sondern zu einem wesentlichen Bestandteil ihrer räumlichen Identität.
Zwischen New Yorker Kultur und Wiener Moderne entsteht ein Ort, der seine historische Umgebung ernst nimmt, ohne sie zu kopieren. Eine Interpretation von Retail-Architektur, die lokale Identität nicht als dekoratives Element versteht, sondern als Ausgangspunkt für eine eigenständige Gestaltung.
About BWM
BWM Designers & Architects ist ein 2004 in Wien gegründetes, international tätiges Architektur- und Designbüro mit rund 70 Mitarbeitenden. Das vielfach ausgezeichnete Studio realisiert Projekte in den Bereichen Architektur, Interior Design, Hospitality und Retail.
Dabei liegt ein besonderer Fokus auf der Transformation und Revitalisierung bestehender Gebäude. Das Portfolio reicht von Hotels und Gastronomie bis hin zu Kulturinstitutionen und Ausstellungen. Zu den bekanntesten Referenzen zählen unter anderem The Hoxton Vienna, das historische Hotelensemble in Bad Gastein sowie der österreichische Pavillon auf der Expo 2025 in Osaka.
Mit dem ersten Le Labo Store in Österreich erweitert das Büro sein Spektrum um ein weiteres Projekt im internationalen Retail Design.
Taged as/in; Architecture, BWM Designers, design, interior design, Le Labo, Retail Design, Vienna, Viennese Modernism#writtenby:
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Ellen Banks at Galerie Sara Lily Perez, Berlin
Ellen Banks translated musical scores into colour and form, transforming the works of Chopin, Monk and others into paintings.
Exhibition: Reading Music
Opening: Friday 27 November 2026, 6-9 pm, with live music at 7 pm.
Press preview: Wednesday 25 November 2026, 11 am, walkthrough with Sara Lily Perez.The Galerie Sara Lily Perez presents paintings by the American artist Ellen Banks (1938-2017) from her estate in Berlin. For more than three decades, Banks translated musical scores – from Chopin, Bartók and Clara Schumann to Thelonious Monk and Duke Ellington – into colour and form.
Ellen Banks, Monk m22 pg. 29, 2015. Encaustic on canvas on wood, 91.5 x 46 cm. Courtesy Ellen Banks Archive, Berlin & Galerie Sara Lily Perez “I often say that a musician takes the score and makes a performance, while I take the score and make a painting.”
Ellen BanksFrom 1981, Banks worked from the written music rather than from listening. Bars, keys and the shape of the notation become grids, fields of colour and rhythms. Many titles name their source exactly: Monk m22 pg. 29 refers to bar 22 on page 29 of the score, Chopin #54 Scherzo m17 E to bar 17.
The exhibition brings together around two dozen works, mainly from the late 1980s and the 2010s: encaustic paintings in which wax and pigment carry the structure of the music, the round canvases of the Rondo series, large mixed-media works, and small works on wood.
About The artist
Artist Portrait Courtesy Ellen Banks Archive, Berlin Ellen Banks was born in Boston in 1938 and first trained as a classical pianist. She studied at the Massachusetts College of Art and the School of the Museum of Fine Arts, Boston, where she taught painting from 1974 to 1996. In 1981–82 she studied in Amsterdam with Hans L. C. Jaffé, the historian of De Stijl. She lived in New York, Amsterdam and Paris.
Her work is held in collections including the San Francisco Museum of Modern Art and the Addison Gallery of American Art. Her awards include the Prix de Paris (1967), a Ford Foundation grant (1979), and support from the National Endowment for the Arts and Radcliffe College (Bunting Fellowship).
The estate
Under the terms of her will, her estate came to Berlin almost in its entirety. The Ellen Banks Archive in Spandau has been researching it since 2022. Following the retrospective “mood indigo” at ZAK Zentrum für Aktuelle Kunst, Zitadelle Spandau (2025), a new chapter emerges with “Reading Music,” as the estate presents a focused selection marking their first exhibition and representation in the west of the city, in collaboration with the Ellen Banks Archive and Galerie Sara Lily Perez. A programme of talks in December and January will be announced separately.
Ellen Banks, Scherzo in G, 2011. Encaustic on canvas on wood, 122.5 x 91 cm. Courtesy Ellen Banks Archive, Berlin & Galerie Sara Lily Perez Taged as/in; Art Exhibition, Berlin Art, contemporary art, Ellen Banks, Galerie Sara Lily Perez, Music, painting, Reading Music, Sara Lily Perez, visual arts#writtenby:
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Roger Ballen: Drawing Meets Photography at Fotografiska
Roger Ballen merges photography, drawing and sculpture into unsettling visual worlds as Fotografiska Berlin explores his distinctive artistic universe.
At the intersection of photography, drawing and the subconscious, Roger Ballen constructs visual worlds that are as unsettling as they are compelling. This November, Fotografiska Berlin presents roger ballen.! drawing meets photography, an extensive exhibition exploring the evolution of one of contemporary photography’s most distinctive artistic languages.
There is something inherently uncanny about Ballen’s imagery. Fragmented human figures, animals, doll parts, obscure objects and spontaneous drawings inhabit claustrophobic interiors, forming compositions that oscillate between reality and hallucination. Neither entirely documentary nor wholly staged, his photographs resist conventional interpretation, inviting viewers into a psychological landscape where the familiar becomes strange and the boundaries between conscious and unconscious begin to dissolve.
Between Documentary and Fiction
Born in New York in 1950, Ballen has lived and worked in South Africa since 1982. Initially approaching photography through documentary observation, he began photographing the people, towns and rural communities he encountered throughout the country. Over time, his attention shifted towards domestic interiors, where walls, electrical wires, objects and improvised markings gradually became central elements of his compositions. What began as an observation of the outside world evolved into an increasingly introspective artistic practice.
Since the late 1990s, drawing has played a transformative role in this development. Lines, faces, animals and ambiguous figures increasingly occupy the photographic surface, merging with the physical environment and its inhabitants. Bringing together more than 120 works from 1998 to 2025, the exhibition follows this evolution through key series including Outland, Shadow Chamber, Boarding House, Asylum of the Birds and Roger’s Rats. It also features Spirits and Spaces, Ballen’s first series to make extensive use of colour.
The Uncanny as an Artistic Language
Often associated with Art Brut, Ballen’s visual language deliberately moves beyond established artistic conventions. His approach combines photography with drawing, painting and found objects, creating an aesthetic that is simultaneously raw, theatrical and psychologically charged. The artist coined the term “documentary fiction” to describe the tension between observation and invention running throughout his work. This unmistakable visual universe has become known as the Ballenesque.
Superman, 2018, from the series Spirits and Spaces © Roger Ballen Rather than simply documenting his surroundings, Ballen transforms them into stages for an ambiguous visual theatre. Human figures share the frame with animals, masks, doll parts and fragments of the body. Objects become protagonists, walls become canvases and drawings appear to emerge organically from the spaces they inhabit. The resulting compositions occupy an uncertain territory between the tangible and imaginary, inviting associations without prescribing interpretations.
Beyond the Photographic Frame
The exhibition further explores the relationship between image-making and material experimentation through The Theatre of Apparitions. Developed in collaboration with Marguerite Rossouw, the series emerged from experiments with paints, epoxies and emulsions applied to glass. Inspired by figures Ballen discovered scratched into painted-over windows in an abandoned women’s prison, the ghostlike compositions were temporary by nature, preserved only through photography. With the sculpture Drawing Man, this graphic universe moves beyond the photographic frame and into three-dimensional space.
Fotografiska Berlin extends Ballen’s artistic universe throughout the exhibition space. A screening room, found objects and sculptural interventions create additional layers of encounter, while a site-specific installation connects the gallery with the loft. The result is less a conventional retrospective than an immersive exploration of an artistic practice that has spent decades questioning what an image can contain.
Across five decades, Ballen has developed a visual language that confronts the less accessible dimensions of human existence. His photographs do not necessarily offer answers, nor do they make particularly comfortable viewing. Instead, they expose the strange, irrational and often contradictory elements that exist beneath the surface of everyday life. As Ballen himself observes: “The best images are those for which we cannot find words.”
About the Exhibition
roger ballen.! drawing meets photography opens on 6 November 2026 at Fotografiska Berlin, with the exhibition running until 14 March 2027.
The exhibition was created in collaboration with museum gugging and curated by Nina Ansperger, Artistic Director of museum gugging. Marie-Luise Mayer, Exhibitions Manager at Fotografiska Berlin, co-curated the presentation in collaboration with the artist.
Roger Ballen’s work is represented in major international collections, including the Museum of Modern Art in New York, Centre Pompidou in Paris, the Victoria and Albert Museum in London and the Stedelijk Museum in Amsterdam. Beyond photography, his interdisciplinary practice also encompasses film, including the 2012 music video I Fink You Freeky for South African group Die Antwoord.
Taged as/in; Art Brut, berlin, contemporary art, drawing, Fotografiska Berlin, Photography, Roger Ballen#writtenby:
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The house through the looking glass by Raffaella Falbo
Interior designer Raffaella Falbo signed an interior design project in Rome, conceived as a magical jewelry box full of colour.
In Rome’s Della Vittoria district, the complete restyling of a 130-square-metre apartment bears the signature of architect Raffaella Falbo, who supported the owners from the very earliest stages of the property search.
The project began with a shared search for a home that could meet both practical and personal needs. Its location, between the historic centre and Prati, offers convenient access to work. Generous spaces accommodate everyday living, with an expansive living area and dedicated rooms for study and hospitality.
1930’s meets Modern Designs
After numerous viewings, the choice fell on an apartment in a 1930s building. Though entirely in need of renovation, it retained a wealth of valuable architectural details.
The project seeks a measured balance between preservation and contemporary reinterpretation. The original layout remains largely intact, alongside the graniglia flooring, the Italian herringbone parquet in the former dining room, the original doors and the geometric ceiling mouldings. Together, these elements preserve the spirit of the period.
The internal distribution has been rethought in response to the owners’ needs, with the aim of making the home more fluid, permeable, and coherent in its spatial organisation.
Peacock Blue and Bright Yellow
The entrance opens onto a small, intimate sitting room. Beyond it lies the apartment’s most challenging space: a long corridor flanked by rooms on both sides, inherited from the original layout. Here, the design takes a radical turn.
“From the very first site visit,” recalls Raffaella Falbo, “it was clear how important it was to preserve the apartment’s original identity. The real challenge, however, was the corridor. Spacious yet oppressive, it needed a ‘trick’ to transform it without erasing its character.
Mirrors, carefully designed lighting and colour have reshaped its perception. The corridor becomes a magical box that conceals, contains, separates and connects, transforming it into a more fluid, contemporary space.”
At the heart of the new layout is a bespoke wooden structure, conceived as a double-faced filter: mirrored on one side, and defined on the other by a sophisticated peacock blue tone.
The volume extends for over seven metres, occupying the former corridor. Its storage units vary in depth and remain deliberately detached from the ceiling. Inside, it accommodates two bathrooms, a bedroom and several service functions, including a laundry room.
Polished Surfaces, Mirrors and soft Metals
The mirrored surface reflects the rooms beyond the load-bearing wall — kitchen, living room, and master bedroom — generating an unexpected play of depth and multiplying visual perspectives. Enhancing the effect of this “architectural box” is the corridor ceiling, which integrates a custom-designed LED neon lighting system, inspired by the fluorescent installation conceived by Lucio Fontana – for the IX Triennale di Milano, now housed at the Museo del Novecento – by Neeo Design.
Midcentury Modern Elements and Eclectic Tiles
The bedroom located behind the “box” overlooks the internal courtyard; the opposite wall, serving as the headboard, is entirely in peacock blue and illuminated by a vintage Flos lamp.
At the end of the corridor, a small reading room opens up. There a yellow velvet armchair by Dema engages in dialogue with the Mini Clay table by Desalto and the Krossing bookcase by Kriptonite.
Particular attention in the project has been devoted to the floors, restored and enhanced through resin frames. Allowing for the integration of systems without altering the historic surfaces.
The living area has been expanded by merging the former dining room with the adjacent space, thus accommodating the kitchen. Here, beneath the window, sits a gold lacquered Arrital model, organised around a large, brushed steel worktop and a wall of storage columns on the opposite side.
Created by merging the former sitting room with the adjacent space, the living room preserves the memory of 1930s architecture through its original floors, mouldings and doors, bringing these period details into dialogue with a curated selection of contemporary furniture and lighting. Highlights include the De Marseille lamps by Nemo Lighting, designed by Le Corbusier; the LC1 armchair by Le Corbusier, Jeanneret and Perriand, produced by Cassina. Followed by the Panton Chairs by Vitra, the two-tone Allure O’ table by B&B Italia and the Tempo coffee tables by Zanotta. As well as the sofa by Dema. The Org lights by DCW Éditions complete the composition, illuminating both the walls and the table.
Master Bedroom and Ensuite Bathroom
The master bedroom retains the original Italian herringbone parquet and is defined by a sage green palette, in dialogue with the canopies of holm oaks visible from the windows. The vintage teak headboard with brass details is paired with a lighting system by Occhio.
Finally, the two bathrooms share the same design scheme, while differing in colour palettes and materials: large washbasin countertops and full-wall mirrors with linear lighting define their essential and rigorous language.
About Raffaella Falbo
After an extensive educational and professional journey—gained at prominent international firms, such as Atelier Jean Nouvel, where she worked for five years, and leading Roman studios including Alessandro Anselmi, N!Studio, Fabrizio Zamponi, and APST—Raffaella Falbo embarked on a path of research that combines design sensitivity with an exploration of materials.
Since 2008, she has focused on interior design as a field of investigation where space, light, and materials dialogue to shape a perceptual and functional balance. Between 2012 and 2020, she founded Cri-lla, a project dedicated to experimenting with and enhancing artisanal surfaces such as cementine, graniglie, and Maghrebi zelliges, reinterpreted through a contemporary lens.
Since 2020, she has primarily focused on residential interior design, overseeing every phase with a keen eye for the coherence between architecture and daily life. Convinced that inhabited space profoundly influences individual well-being, Raffaella Falbo interprets each project as a process of identity construction, where proportion, light, and matter converge to restore harmony and meaning to the spaces of living.
PROJECT CREDITS
- Project name: The house through the looking glass
- Architect: Raffaella Falbo
- Duration of works: 8 months, completed in December 2025
- Project area: 130 sqm
- Project photography and portrait photos in the house: Carlo Oriente
- Studio portrait photography: Guido Caltabiano
- Construction works and systems: Edilborro
- Joinery: Martella
- Wall coverings: Fargblock by Quintessenza
- Resin: Kerakoll
- Laminate: Abet Laminati
- Taps and fittings: Ritmonio
FURNISHINGS AND ACCESSORIES:
- Floating Ninfee and Girasole mirrors by Giovanni Botticelli and Paola Paronetto
- Tapestry and plaid designed by Superficial Studio and produced by Lanificio Leo
- Vases by Calò Design Lab
- Tempo coffee tables by Zanotta, from Frattali
- Mini Clay by Desalto, from Frattali
- Strap by Paola Lenti, from Frattali
- LC1 armchair by Cassina, from Frattali
Taged as/in; 1930s architecture, Architecture, Carlo Oriente, Cassina, interior design, Italian Design, Le Corbusier, midcentury modern, Nemo Lighting, Raffaella Falbo, Residential Design, rome, Vitra, Zanotta#writtenby:
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Teemon & Poomba – Hopeless EP via Melodize records
Teemon & Poomba’s “Hopeless” EP fuses Hi-NRG euphoria, dark disco and cosmic synths, with remixes by Amirali and Eagles & Butterflies.
Teemon and Poomba go looking for light in the darkness on their new EP “Hopeless.” The Madrid duo have a knack for dragging nostalgic sounds into the present, and this release is no exception. With equal parts Hi-NRG euphoria and dark disco dread, the four tracks feel like a glitchy transmission beamed in from another decade, or perhaps another galaxy…
The title track, “Hopeless,” sends us hurtling down a wormhole. Powered by a cavernous bass, we are propelled through kick drums, warp effects and sparkly synths, while a distant voice calls at us through the darkness.
Iranian producer Amirali takes “Hopeless” somewhere a little lighter with his remix. Easing the intensity down before letting it slowly climb again. His version foregrounds the track’s earworm synth line and builds on it. Layering and expanding on the vocal line until it sounds celestial. Amirali’s skills as a classically trained pianist feel reflective here in his compositional approach.
If “Hopeless” is the wormhole down, then “Moon Connections” is what’s waiting on the other side. The track leans heavily into sharp, percussive sounds that form a grounding contrast to the high synths that glitter above. With a spoken word line that sounds like it’s being transmitted through a space-age radio and enough deep warp effects to get lost in, this B side sends us to the stars.
Closing things out, the Eagles & Butterflies remix of Moon Connections brings us down to earth. Chill, deep-house adjacent and with a hint of Daft Punk in its DNA, it wraps a heavily filtered guitar line around a softened groove built for the comedown. The sound of the sun coming up on the last people left on the floor.
Details:
Release Date: October 30th, 2026
Indie Dance, Nu-disco, Disco, Electronica
Catalog Number Melodize023
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Facets – Vicious Cycle EP via Samo Records
Facets returns to Samo Records with Vicious Cycle, a four-track EP revisiting early ’90s acid, techno and trance through a contemporary lens.
Facets, the head of Samo Records, returns to the label with Vicious Cycle, a four-track EP exploring early ’90s acid, techno and trance, with touches of Goa and the high-energy edge of EBM and Electroclash. Across four tracks, Vicious Cycle moves between hypnotic techno, rave-driven energy and darker electronic textures. Bringing together early ’90s influences with a contemporary approach.
The title track dives into early ’90s trance and Goa territory, driven by a powerful bass sequence and hypnotic synth work. A powerful bassline anchors this hypnotic leftfield techno cut, with vocals adding another layer to its dark and immersive atmosphere. The higher-tempo track of the EP, built around a propulsive arpeggiated sequence and a hypnotic techno groove. The track draws inspiration from a Sweet Light release from around two decades ago.
The closing track gives a strong nod to the early ’90s rave scene, centered around a distinctive vocal sample and an uplifting, peak-time energy.
Details:
Release Date: October 16th, 2026
Vicious Cycle is released on limited vinyl + digital via Samo Records on October 16th.
Catalog Number SAM023
About Samo Records
Founded in New York in 2016 by DJ and producer Boris Knezevic, aka Facets, Samo Records is an independent electronic music label with a focus on underground club culture. Its catalogue moves between Electro, EBM, New Beat, Cold Wave, Acid, Italo-Disco and Techno. The label brings together established names and emerging artists, creating connections across different scenes and musical backgrounds.
Over the years, Samo Records has released music by artists including Local Suicide, Skelesys, DC Salas, Zombies in Miami and Anatolian Weapons. Beyond its releases, the label extends its presence through Samo Nights, a club series that has hosted international underground acts. Together, these projects reflect the label’s commitment to unconventional sounds, musical experimentation and dancefloor culture.
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Festliche Tafeln & Schöne Geschenke Mit Onomao
Handgefertigte Keramik, zeitloses Design und liebevolle Geschenkideen: onomao bringt portugiesische Handwerkskunst und festliche Wärme auf den Weihnachtstisch.
Es sind oft die kleinen Dinge, die besondere Momente unvergesslich machen: Kerzenlicht, das sich auf glasierten Oberflächen spiegelt, der Duft eines festlichen Essens und eine Tafel, an der man gerne noch ein wenig länger sitzen bleibt. Mit handgefertigter Keramik und zeitgemäßem Design bringt onomao die portugiesische Handwerkstradition auf den Weihnachtstisch – und schenkt den Festtagen eine ganz eigene Ästhetik.
Für die schönste Zeit des Jahres präsentiert das Kölner Label ausgewählte Stücke aus der Kollektion Aberta sowie seine modularen Kerzenhalter. Mit ihren klaren Formen, charaktervollen Farben und vielseitigen Kombinationsmöglichkeiten schaffen sie Raum für individuelle Tischarrangements. Denn eine festliche Tafel muss nicht perfekt sein. Sie darf Persönlichkeit zeigen, Geschichten erzählen und Menschen zusammenbringen.
Klassik – Smaragdgrün
Manchmal braucht es nur eine Farbe, um einem gedeckten Tisch eine besondere Tiefe zu verleihen. Das satte Smaragdgrün der Klassik-Kollektion bringt eine elegante, zugleich natürliche Note auf die Weihnachtstafel. Runde Teller, Schalen und Becher treffen auf eine reduzierte Formensprache, die zeitlos wirkt, ohne beliebig zu sein.
Ob Ton in Ton arrangiert oder mit anderen Glasuren und Materialien kombiniert: Die Stücke lassen sich mühelos in unterschiedliche Tischkonzepte integrieren. Zwischen Leinenservietten, Tannengrün und warmem Kerzenlicht entfaltet das tiefe Grün seine ganze Wirkung. Eine Kollektion für alle, die es festlich mögen, ohne auf eine persönliche Handschrift zu verzichten – und deren Lieblingsteller auch nach den Feiertagen selbstverständlich auf den Tisch gehören.
Großer Teller – Klassik: 25 €
Bowl – Klassik: 29 €Traditionell – Sand
Warm, ruhig und angenehm unaufgeregt: Die Sand-Variante der Traditionell-Kollektion bringt eine natürliche Eleganz auf den Tisch. Ihre erdige Farbgebung erinnert an Landschaften, Naturmaterialien und die Schönheit des Unvollkommenen. In Verbindung mit der haptischen Qualität handgefertigter Keramik entsteht eine Ästhetik, die nicht laut sein muss, um aufzufallen.
Charakteristisch für die Kollektion sind die markanten, steil aufragenden Ränder der tiefen Teller sowie die ausdrucksstarken Mezze- und Tapas-Teller. Sie verleihen den Stücken eine unverwechselbare Silhouette und verbinden traditionelle Anklänge mit einer zeitgemäßen Gestaltung.
Besonders schön wirkt Sand als harmonisches Gesamtbild, entfaltet seinen Charme aber ebenso im Zusammenspiel mit kräftigeren Farben und unterschiedlichen Formen. So entsteht eine Tafel, die einlädt, zu teilen, nachzuschenken und noch eine Runde sitzen zu bleiben. Für ausgedehnte Weihnachtsessen, gemütliche Adventsabende und all die kleinen Augenblicke, die am Ende in Erinnerung bleiben.
Kleiner Teller – Traditionell Sand: 19 €
Mezze Teller – Traditionell Sand: 18 €Besondere Geschenke Für Die Festtage
Die schönsten Geschenke sind oft jene, die bleiben. Nicht unbedingt, weil sie besonders groß oder kostbar sind, sondern weil sie mit Bedacht ausgewählt wurden und im Alltag immer wieder Freude bereiten. Die Wohnaccessoires von onomao verbinden portugiesische Handwerkskunst mit einer eigenständigen Formensprache und bringen Farbe, Charakter und eine Prise Designfreude in die eigenen vier Wände.
Die Rizoma-Vasenserie, entstanden in Zusammenarbeit mit dem Designer Enguerrand Poncelin, und die 4 Blocks Kerzenständer aus der Kooperation mit dem Designstudio Gerdesmeyer Krohn setzen skulpturale Akzente. Ihre ausdrucksstarken Formen machen sie zu besonderen Begleitern – ob als Blickfang auf der festlichen Tafel, auf dem Sideboard oder als liebevoll ausgewähltes Geschenk für Menschen, die schönes Design zu schätzen wissen.
In unterschiedlichen Farben und Ausführungen erhältlich, laden die Objekte zum individuellen Kombinieren ein. Sie sind kleine Gesten mit bleibendem Wert und erinnern auch dann noch an gemeinsame Momente, wenn die Weihnachtsdekoration längst wieder verstaut ist.
Rizoma – Vase II
Wie ein kleines Kunstwerk für den Alltag: Die Vase II aus der Rizoma-Kollektion verbindet organische Formen mit einer ausdrucksstarken, handgefertigten Oberfläche. Entstanden in Zusammenarbeit mit dem Designer Enguerrand Poncelin, ist ihr charakteristisches Relief von unterirdischen Wurzelsystemen inspiriert. Die eingeprägten Linien verleihen der Vase eine lebendige Struktur und eine beinahe skulpturale Präsenz.
Preis: 48 € Glänzende Glasuren in Azur, Feige und Salz unterstreichen die geschwungene Silhouette und lassen die Oberfläche je nach Lichteinfall immer wieder anders erscheinen. In Portugal von Hand gefertigt, besitzt jedes Stück seinen eigenen Charakter.
Ob mit einem einzelnen Zweig, einem üppigen Blumenarrangement oder ganz für sich: Die Vase setzt einen besonderen Akzent, ohne sich in den Vordergrund zu drängen. Ein Geschenk für Designliebhaber*innen – und für alle, die sich gerne mit Dingen umgeben, die nicht nur schön aussehen, sondern auch eine Geschichte erzählen.
4 Blocks – GMK x Onomao
Ein wenig spielerisch, ein wenig architektonisch und immer wieder anders: Der 4 Blocks Kerzenständer zeigt, wie viel Ausdruck in einer einfachen Form stecken kann. Entstanden in Zusammenarbeit mit dem Designstudio Gerdesmeyer Krohn, besteht das Set aus vier unterschiedlich gestalteten Elementen, die sich wie Bauklötze beliebig miteinander kombinieren oder einzeln arrangieren lassen.
Preis: 69 € So wird aus einem funktionalen Objekt ein kleines Spiel mit Formen, Proportionen und Möglichkeiten. Auf der festlichen Tafel sorgt 4 Blocks für warmes Kerzenlicht und einen markanten Akzent; auf dem Sideboard bleibt er auch nach den Feiertagen ein eigenständiges Designobjekt.
In Portugal von Hand gefertigt, verbindet der Kerzenständer klare Gestaltung mit einer spielerischen Leichtigkeit. Ein Geschenk für Menschen, die Freude an durchdachtem Design haben – und gerne selbst entscheiden, wie es aussehen soll.
Über Onomao
Schönes Design beginnt manchmal lange bevor ein fertiges Objekt auf dem Tisch steht: bei der Auswahl der Materialien, in der Zusammenarbeit mit erfahrenen Händen und in der Entscheidung, Dinge so zu gestalten, dass sie über Jahre Freude bereiten.
Seit 2018 arbeitet onomao mit portugiesischen Manufakturen zusammen und setzt auf enge, langfristige Partnerschaften. Traditionelles Handwerk, natürliche Materialien und langlebige Gestaltung bilden das Fundament der Marke. Die Keramik und Wohnaccessoires entstehen mit viel Liebe zum Detail und verbinden die Spuren handwerklicher Fertigung mit einer klaren, zeitgemäßen Ästhetik. Auch beim Versand setzt onomao auf plastikfreie Verpackungen.
Hinter der Marke steht ein Team, das Kreativität, Leidenschaft, Humor und die gemeinsame Freude an schönen Dingen verbindet. Das Ergebnis sind Objekte, die mehr können, als einen Raum zu schmücken oder eine Tafel zu vervollständigen: Sie begleiten den Alltag, werden Teil persönlicher Rituale und schaffen Platz für das, worauf es gerade an den Feiertagen ankommt – gemeinsame Zeit. Zum Shop
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Ukrainian Film Festival: “The Illusion of a Quiet Night”
Das diesjährige Ukrainian Film Festival Berlin (UFFB) mit dem Thema “Emergency Spaces” findet vom 14. bis 18. Oktober 2026 in diversen Berliner Kinos statt.
Den feierlichen Auftakt bildet die Eröffnung am 14. Oktober 2026 um 19:30 Uhr im Kino in der Kulturbrauerei. Im Zentrum des fünftägigen Filmfestivals stehen zeitgenössische Spiel- und Dokumentarfilme aus der Ukraine, ein Kurzfilmwettbewerb und eine Retrospektive.
Zur Festivaleröffnung wird die Dokumentation “The Illusion of a Quiet Night” (2026) der ukrainischen Regisseurin Olha Chernykh präsentiert. Im Anschluss an die Vorführung steht die Filmemacherin dem Publikum für ein Q&A zur Verfügung.
Der Film nimmt uns mit auf eine Reise durch eine Sommernacht am 27. Juli 2025 in der Ukraine, gefilmt von 40 professionellen Kameraleuten und Hunderten Privatpersonen. Durch nächtliche Städte, Wälder, Frontlinien, Krankenhäuser und Tanzflächen erzählt der Film vom Leben eines Landes und einer Nation im Krieg: davon, wie die Nacht zugleich ein Mittel der russischen Kriegsführung und ein Ausdruck der Resilienz der Ukrainer:innen ist.
“The Illusion of a Quiet Night” zeichnet ein kollektives Porträt eines Lebens zwischen Erschöpfung und anhaltender Hoffnung und Weitermachen.
Musikalisch begleitet wird die Eröffnung von Aziza Eskender, einer multidisziplinären ukrainisch-krimtatarischen Künstlerin und Aktivistin, deren Schaffen eigene Musik, Performancekunst, Theater, Poesie und bildende Kunst umfasst. In ihren Arbeiten beschäftigt sie sich mit Dekolonisierung, kulturellem Gedächtnis, Freiheit und Widerstand. Dabei setzt sie sich kritisch mit dem russischen und sowjetischen Kolonialerbe auseinander und wirkt der Auslöschung krimtatarischer Stimmen entgegen.
The Illusion of a Quiet Night
Olga Chernykh | Dokumentarfilm | Ukraine 2026 | 70’ Synopsis: Die russischen Angriffe auf die ukrainische Zivilbevölkerung ereignen sich vorwiegend im Schutz der Dunkelheit. In der Dokumentation “The Illusion of a Quiet Night” halten 40 Profi-Kameraleute zusammen mit zahlreichen Privatpersonen die Geschehnisse der Nacht des 27. Juli 2025 fest. Ihre Aufnahmen führen uns durch urbane Räume und tiefe Wälder, dokumentieren den harten Alltag an der Frontlinie und fangen zugleich flüchtige Augenblicke privaten Glücks ein.
Über die Regiesseurin
Olga Chernykh wurde 1990 in Donezk geboren. 2017 schloss sie ihr Masterstudium an der Fakultät für Kamera an der Nationalen I.-K.-Karpenko-Karyi-Universität für Theater, Film und Fernsehen in Kyjiw ab. Ihr Film A Picture to Remember eröffnete 2023 das International Documentary Film Festival Amsterdam und wurde mit mehreren Preisen ausgezeichnet. The Illusion of a Quiet Night ist der zweite Langfilm der Regisseurin und feierte 2026 seine Premiere beim Festival Visions du Réel.
Festivaleröffnung am 14. Oktober 2026
Kino in der Kulturbrauerei, Schönhauser Allee 36, Berlin
- 18:30 Uhr – Einlass & Empfang
- 19:30 Uhr – Eröffnungszeremonie, Filmvorführung The Illusion of a Quiet Night (mit anschließendem Q&A)
Neben dem Hauptprogramm widmet sich das Festival einer thematischen Filmreihe über die Donbass-Region sowie Erinnerungen an Babyn Yar, zeigt neue ukrainische Filmhits und führt zum dritten Mal den Kurzfilmwettbewerb durch. Das vollständige Programm wird im September bekannt gegeben.
Über das Ukrainian Film Festival Berlin
Das Ukrainian Film Festival Berlin wurde 2020 gegründet und hat sich seitdem zu einer wichtigen Plattform für das zeitgenössische ukrainische Kino in Deutschland entwickelt. Mit sechs erfolgreichen Festival Editionen, Filmreihen wie Ukraine Known Unknown sowie zahlreichen Vorführungen aktueller preisgekrönter Produktionen von ukrainischen Filmemacher:innen hat das UFFB wesentlich zur Sichtbarkeit und Anerkennung der ukrainischen Filmkunst beigetragen. Begleitend organisiert das Festival Podiumsgespräche mit Expert:innen aus der Ukraine und Deutschland zu den Themen Film, Kultur, Bildung und Gesellschaft.
Das UFFB wird vom Medienboard Berlin-Brandenburg gefördert und arbeitet mit zahlreichen Partnerinstitutionen zusammen, darunter ARTE, das Dovzhenko Zentrum sowie das Institut für Osteuropastudien der Freien Universität Berlin und der Universität Potsdam (Institut für Jüdische Studien und Religionswissenschaft), Stiftung Erinnerung, Verantwortung, Zukunft (EVZ), Ukrainisches Institut Deutschland und Vitsche.
Neu als Partner des UFFB mit dabei sind die ukrainische VOD-Plattform Takflix, mit welcher das Filmfestival ukrainische Klassiker, eine Episode der Serie Острів любові / Insel der Liebe, aus den 1990er Jahren zeigt, sowie das Kulturprojekt „Ukrajina Cinema“ und der ukrainische Sender Suspilne Ukraine.
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Ukranian restistance: QAIDAN’s Song “Despair”
QAIDAN’s “Despair” fuses dark hip-hop, trap and industrial sounds into a furious critique of corruption, abuse of power and institutional hypocrisy.
QAIDAN – producer, performer, songwriter, released the single and music video “Despair” on June 15, which is the first part of a quadriptych.
The work expose the problem of corrupt officials, the selective application of rules in government, a system of mutual cover-ups, and the use of power as a tool for personal influence.
“Despair” is a mix of harsh synthetic sounds and emotional tension captured at the moment when anger, exhaustion, and inner pressure can no longer be expressed in words. The cold atmosphere of the track blurs the line between personal state and the surrounding chaos.
The composition contains a combination of dark hip-hop and trap, industrial aesthetics, and an intense mood. Behind the harsh and controlled sound there is a sense of disappointment with reality and society.
The Lyrics
Pocket-sized puppets, dusted off, souls sold for a cut.
Until you pay the poll tax, they won’t move a finger or foot.
Fucking powerful.
(Sick of that bullshit.)
One hand washes the other, but there's a hand that chokes.
So you tuck your neck in. Fuck living like this, folks.
You can't put a harness on a ram, no matter how a whore calls it, boy.
We have a titanium front, but the core is made of shitty alloy.
Sure, glory to the heroes, but you’ve pissed yours away somehow.
We’ve got unfinished business — now we'll see who's right, here and now.
All their brain-dead chatter — just professional negligence, solid and whack.
I’d sign off on that myself, just so they’d get the fuck off my back.
But no — now I’m the target, 'cause I’m an obstacle to their ambition.
The oath to "serve and protect," but only those who pay for admission.
I guess it’s despair. This fucking circus never learns a thing,
That those who don't care for it, aren't criminals you should bring.
Greens or blues, left or right, black or white —
Executive morons, just waiting for a "good boy" from the height.
"We'll cut their light and heat to over-fulfill the plan."
But why are you twitching to stand on the front line, you dumb man?
Aiming of service to the top, but there's a rock bottom you thoroughly hit.
An acceptably limited one tells me that I am infinitely fit.
I guess it’s despair.
Look how many of them have bred here.
When the law is on my side, they cry instead of making me fear.
No person — no problem, simple math to keep.
Put your Glock on safety — patriots are on the checkpoints, deep.
If I didn’t know how to rhyme some bars,
I’d go and ask someone mute.
So go on, tell me how "art"
brings victory in this pursuit.
Since the war is "somewhere out there," and many joined the line to rush the russian cliqe...
I won't be too harsh on protecting those who's weak and sick.
However,
Despite all that, and unlike them,
I have plenty of grounds.
"Just hold on a bit longer?"
Ask a fortune teller why I'm still safe and sound.
'Cause all the attempts to unleash the dogs are nothing but clamor,
So back off, loser. It’s ironic,
Since I’m supposedly a traitor, coward, and a weakling worst ever.
Ukraine — a 35-year-long scam that dragged on.
I fuck its laws and its social contract,
'Cause they tried to sell me my military ID for way too long.
I've had an example nearby my whole life, showing what trash this is.
So fuck military duty, fuck the oath, fuck the TCK business.
There's enough negativity here to drown in, but we'll solve this issue.
If I’ve already wandered through others' imaginations, why the fuck mine needs you?
I’d hardly be running and hiding just to stay out of sight.
Trench rats differ from office rats, 'cause the latter wear suits to the fight.Watch the clip:
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