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The Pulse of Arrival @ Galerie Sara Lily Perez
Experience “The Pulse of Arrival” – an exhibition of intuitive, sensory-driven works. Vernissage June 14, 5–8PM at Galerie SLP, Bikini Berlin. Free entry!
The Pulse of Arrival brings together a group of artists whose works emerge through deeply embodied and intuitive processes. Rather than unfolding from conceptual structures or external narratives, these pieces arise from a state of inward attention. Creation begins not as an idea but as a sensation, a rhythm, a need.
The exhibition traces a quiet arc. It moves from the internal state of immanence, where form is latent within the body and psyche, to the moment of arrival known as kairos, when that form is called forth.
This arrival is not fixed or singular. It pulses through the work and reveals the artist’s presence as something fluid, momentary, and alive. Each piece is a record of a transient encounter, a gesture shaped by memory, emotion, or sensation as it moves through time.
In the layering of pigment, the shaping of clay, or the magnetism of material to material, what surfaces is not a constructed image but a resonance. Each work becomes a crystallization of the felt. Through the practices of Jens Joneleit, Eloisa Correa, Conxi Sane, and others, The Pulse of Arrival reimagines authorship as a process of attunement. It becomes a coalescence of timing, material, and inner movement. Here, the self does not declare itself but arrives, form by form, breath by breath.
About the artists
Heloisa Corrêa (b. 1961, Brazil)
Corrêa’s practice centers on the tactile and intuitive possibilities of painting and sculpture. Drawing from her Brazilian heritage and experiences of migration, she explores the interplay between memory, landscape, and bodily sensation. Her works often emerge from spontaneous gestures, layered pigments, textured surfaces, and organic forms, evoking the rhythms of nature and the passage of time.
Through this embodied approach, Corrêa invites viewers to encounter her art as a space of presence, where personal history and collective experience converge in the act of making. Her recent projects investigate the porous boundaries between self and environment, tracing how identity is shaped by both place and process.
Conxi Sanes (b. 1986, Spain)
Sanes’s multidisciplinary practice explores the resonance of material and gesture as pathways to presence. Working across ceramics, drawing, and installation, she embraces intuitive processes, allowing touch, repetition, and chance to guide the evolution of form. Her works often reference natural cycles. They explore the quiet transformation of everyday materials.
This invites a meditative engagement with time and impermanence. Through subtle shifts in texture and structure, Sanes creates spaces where the viewer is invited to slow down and attune to the sensory world. Her recent projects show a deep attentiveness to the interplay between body, material, and environment. They highlight making as a contemplative act.
Jens Joneleit (b. 1968, Germany)
Joneleit is a multidisciplinary artist whose practice spans painting, music, and film. Educated in both art and music in the United States, he is recognized internationally for his dynamic visual works and acclaimed compositions, including operas and orchestral pieces.
His paintings are marked by bold textures, metallic surfaces, and experimental techniques, reflecting his interest in the interplay of material, rhythm, and improvisation. His process draws from his background as a percussionist and composer. Each work is infused with a sense of movement and immediacy. He explores the boundaries between sound, image, and narrative. He invites viewers to experience art as a multisensory encounter.
Exhibition: The Pulse of Arrival
Vernissage: June 14th, 2025
Time: 5:00 – 8:00 PM
Admission: free
Venue: Galerie SLP, Bikini Berlin, Budapester Str. 48, 10787 Berlin
Exhibition: 16.06-07.07.2025
Website: WWW.SARALILYPEREZ.COMON VIEW : THE AGE OF CEREMONY | 2 MAY – 7 JUNE
Taged as/in; arrival, art, Art Show, Artists, berlin, ceramics, contemporary, creative, embodied, exhibition, free event, gallery, Installation, intuition, kairos, material, memory, movement, opening, painting, presence, resonance, rhythm, sculpture, sensory, summer art, Texture, vernissage -
Woven Realities: The Tactile World of Francesca Müller
Francesca Müller blurs the line between textile and illusion with her surreal, AI-inspired woven artworks. Where softness meets stone.
In the ever-evolving landscape of contemporary design, Francesca Müller stands out as a creator who navigates the space between tradition and technology, the tactile and the illusory, the structured and the poetic. From her Amsterdam studio, Müller creates extraordinary surfaces—carpets, wallpapers, textiles, and tiles—that transform interior spaces into immersive environments of story and sensation.
Soft Illusions: The Art of Threads
Francesca Müller is a name that bridges two worlds: the instinctive creativity of her Italian roots and the meticulous structure of her German heritage. This duality defines her aesthetic language. Though her career began in graphic design, it was her fascination with materiality that led her to study textile engineering. Since then, her path has taken her across continents—from European design houses to Indian textile mills—each stop weaving new threads into her evolving design philosophy.
Her work is grounded in two core principles: a deep respect for materials and an exploration of the oppositions they embody. Whether woven, printed, or fired, Müller’s pieces celebrate the beauty found in tension—in the delicate dialogue between softness and strength, precision and imperfection. This ethos pulses through every creation, offering a tactile counterpoint to our increasingly digital world.
“Textiles are among the oldest cultural techniques we know,” Müller says. “Yet they continue to offer infinite possibilities for rethinking how we connect to our surroundings.”
Woven from Stone: Where Textiles Defy Reality
This connection is at the heart of her latest limited edition collection: Woven from Stone. At once technically rigorous and playfully surreal, the series fuses the ancient craft of weaving arazzi with cutting-edge artificial intelligence. The result is a mesmerizing trompe-l’œil: soft textiles that, at first glance, appear to be solid stone. In works like Bold Fold, Oh Cherry, Peel Me, and Don’t Touch, Müller blurs the boundary between the organic and the architectural, inviting viewers to question their perceptions of reality.
In these pieces, cherries and bananas are juxtaposed with monolithic structures. They are woven in cotton and Lurex. This evokes the dreamlike logic of AI-generated imagery. The play of texture and illusion creates a delightful dissonance. Are we looking at fabric or marble? The answer, delightfully, is both—and neither.
More than decorative objects, these woven works are visual riddles and sensory experiences. They reflect Müller’s ongoing fascination with how materials behave, misbehave, and surprise us. Woven from Stone is not only a technical tour de force but also a philosophical inquiry into perception, contradiction, and delight.
At a time when design can feel over-digitized and emotionally distant, Francesca Müller offers something rare: a vision that is rooted in craftsmanship, but unafraid of play. Her designs do not simply fill a space—they transform it. They whisper stories, spark curiosity, and remind us that the most compelling beauty often lives at the edges—where opposites meet.
WOVEN FROM STONE – LIMITED EDITION
Artwork Titles: Bold Fold, Oh Cherry, Peel Me, Don’t Touch
Dimensions: 140 × 100 cm
Material: Cotton & Lurex
Technique: Woven arazzoContact:
www.francesca-mueller.com
Insta: @studio.franmuellerTaged as/in; »woven from stone«, AI, artcollector, artwork, contemporary, craftsmanship, design, illusion, interior, limitededition, materiality, pattern, perception, sculpture, softness, storytelling, studio fran mueller, style, textiles, Texture, visualart, woven -
Böhler & Orendt DOOM SNOOZERS – Vorletzte Träume
Böhler & Orendt zeigen in DOOM SNOOZERS dystopische Traumwelten nicht-menschlicher Perspektiven – ab 13. Juli 2025 im Spreepark Art Space, Berlin.
13. Juli bis 2. November 2025
Eröffnung: Sonntag, 13. Juli 2025, 11 Uhr
Spreepark Art Space (Eierhäuschen / Spreepark)Kuratiert von Ellen Blumenstein
Wie ließe sich der Zustand der Menschheit und des Planeten aus der Perspektive nicht menschlicher Akteur*innen beschreiben? Dieser und weiteren Fragen widmen sich Böhler & Orendt in ihrer Ausstellung DOOM SNOOZERS – Vorletzte Träume, die sie eigens für den Spreepark Art Space konzipiert haben. Ausgangspunkt für die Ausstellung ist die Installation TOWARDS HUMANITY! des Künstlerduos, die mit Eröffnung des Spreeparks im Frühjahr 2027 als permanentes Werk dort für die Besuchenden zugänglich ist.
Böhler & Orendt (Matthias Böhler, 1981 in Aachen geboren und Christian Orendt, geboren 1980 in Schäßburg in Rumänien) beschäftigen sich mit den politischen sowie ökologischen Auswirkungen des menschlichen Handelns auf das Schicksal der Erde. Mit DOOM SNOOZERS – Vorletzte Träume entwickeln sie eine düster-komische Science-Fiction-Spekulation. Die raumgreifende Installation verwebt bestehende und neue Arbeiten zu einem audio-visuellen Szenario begehbarer Traumwelten, in denen Zeiten und Räume, reale und fiktive Ereignisse miteinander verschmelzen.DreamKeep
Im Mittelpunkt der Ausstellungsinszenierung stehen die Besuchenden selbst. Sie folgen als „Träumende“ einem Parcours verschiedener dystopischer Visionen. Dafür aktiviert die fiktive Technologie DreamKeep die im Eierhäuschen versammelten Kunstwerke und fügt ihnen jeweils eine suggestive Audiospur hinzu. Als Stimme und Gesicht von DreamKeep begleitet die virtuelle Siebenschläferin Jill – vermittelt über ein Headset – die Besucher*innen durch die Ausstellung, nimmt das jeweils visuell dargestellte Thema auf und spinnt es als DreamGuide spekulativ weiter.
Die für DOOM SNOOZERS ausgewählten und zum Teil neu entstandenen Zeichnungen, Drucke und Skulpturen aus verschiedenen Werkzusammenhängen eint eine teils liebe- und humorvolle, teils ironisch-distanzierte Überzeichnung der politischen, ökonomischen und ökologischen Auswirkungen des Unwesens, das wir Menschen mit unserem Planeten treiben. Spielerisch wechseln sie die Perspektive und zeigen die Welt je von einem potenziellen Ende her.
Stets melden sich dabei Wesen, meistens aus der Tier- und Pflanzenwelt, zu Wort, die ihre ‚Interessen‘ in der Realität selbst nicht vertreten können; etwa, wenn ausgerottete Tier-Wiedergänger das Verschwinden ihrer Lieblingspflanzen beklagen, eine Gruppe von Bäumen ganze Siedlungen in Brand setzt, oder die Menschen die Erde in einem Raumschiff mit unendlichem Stauraum gleich ganz verlassen.
TOWARDS HUMANITY!
Ausgangspunkt für diese Ausstellung ist die Installation TOWARDS HUMANITY! von Böhler & Orendt, die mit Eröffnung des Spreeparks im Frühjahr 2027 dauerhaft zugänglich sein wird. Darin begegnet eine Gruppe von Bäumen den Parkbesucher*innen als denk- und sprachbegabte Wesen, die menschliche Verhaltensweisen und Gebräuche reflektieren oder kommentieren, und so unser Verhältnis zur Umwelt auf die Probe stellen. Das Modell zum Werk ist in der Ausstellung Anlass einer der Traumszenen.
TOWARDS HUMANITY! ist eines von fünf Kunstwerken für den Spreepark, die 2020 aus einem kuratorischen Werkstattverfahren hervorgegangen sind und von international renommierten Künstler*innen ortsspezifisch im Spreepark umgesetzt werden.
Über die Künstler:innen:
Böhler & Orendt haben bereits in zahlreichen nationalen und internationalen Kunstinstitutionen ausgestellt. Einzelausstellungen widmeten Ihnen unter anderem das Neue Museum Nürnberg (2024), die Berlinische Galerie (2023), das Kunst Haus Wien (2023) und das Halsey Institute of Contemporary Art, Charleston, USA (2018).
Zu ihren Arbeiten im öffentlichen Raum zählen KALA HET DIWAI, oder Der Baum der Wissbegier (2018) für das Bayerische Landesamt für Statistik in Fürth oder KWIRKI, DER SENDBOTE (2022) für KÖR, Kunst im öffentlichen Raum Wien.
Ellen Blumenstein ist eine international tätige Kuratorin und Autorin. Seit 2018 begleitet sie u.a. das kuratierte Werkstattverfahren „Kunst und Planung“ im Spreepark Berlin, in dem fünf künstlerische Konzepte durch einen Fachbeirat für die dauerhafte Umsetzung im Park ausgewählt wurden.Der Spreepark Art Space ist ein Projekt der Grün Berlin GmbH
Aktuelle Ausstellung im Spreepark Art Space
Noch bis zum 15. Juni ist im Spreepark Art Space iim historischen Eierhäuschen die Ausstellung Verborgene Wirklichkeiten. Künstlerische Erkundungen im Kollektiv zu sehen. Die Ausstellung zeigt die Ergebnisse der ersten drei Residenzen, die der Spreepark Art Space seit 2024 an interdisziplinär arbeitende und internationale Künstler*innengruppen vergibt. Mehr...
Über den Spreepark Art Space
Der Spreepark wurde 1969 als “Kulturpark Plänterwald” eröffnet und war der einzige ständige Vergnügungspark in der DDR. Der Spreepark Art Space zeigt heute zeitgenössische Kunst, die sich mit Landschaft, Natur und Architektur auseinandersetzt. Zwischen Plänterwald und Spree kommen Akteur*innen aus verschiedenen Bereichen zusammen, um sich mit dem öffentlichen Raum zu beschäftigen und die Rolle der Kunst darin zu erkunden und mitzugestalten.
Die Kunst, als wesentliches Gestaltungselement im künftigen Spreepark, setzt neue Impulse und eröffnet neue Perspektiven auf den Park: Sie schreibt sich über die permanent im Park installierten Werke, über temporäre Ausstellungen und künstlerische Interventionen in die gesamte Struktur des Parks ein und macht Kunst für alle Besucherinnen und Besucher erlebbar.
Das Eierhäuschen
Seit März 2024 hat der Spreepark Art Space mit dem Eierhäuschens einen festen Anlaufpunkt. Im frisch sanierten Bauwerk aus dem 19. Jahrhundert am Rande des bekannten Berliner Spreeparks werden Ausstellungen zu den Themen Landschaft, Natur, Architektur und öffentlicher Raum gezeigt. Das Haus war bereits im 19. Jahrhundert ein beliebtes Ausflugslokal mit Außenkegelbahn, hunderten Sitzplätzen an der Spree, eigener Fährverbindung und Platz für Musik und Tanz. Heute vereint es Restaurant und Kunstraum mit einem kostenfreien Ausstellungsbereich sowie Residenzen für Künstler*innen mit Wohn- und Arbeitsräumen. Kunst, ein vielfältiges Veranstaltungs- und Vermittlungsprogramm sowie Gastronomie werden hier gemeinsam erlebt.
Spreepark Art Space
Eierhäuschen / Spreepark
Kiehnwerder Allee 2, 12437 BerlinMail: hello@spreepark-artspace.berlin
Website: spreepark-artspace.berlinMi – So 11 bis 19 Uhr
Eintritt: freiSpreepark Art Space | Eierhäuschen, Foto: Frank Sperling
Taged as/in; Spreepark Art Space, Architektur, ausstellung, berlin, Böhler & Orendt, Doom Snoozers, DreamKeep, Dystopie, Eierhäuschen, Ellen Blumenstein, Installation, Jill, kostenlos, Kunst, Kunstprojekt, natur, öffentlich, perspektiven, Pflanzen, SciFi, Skulptur, sound, Spekulation, Spreepark, Tiere, Traum, Umwelt, vernissage, Visionen, Zeichnung, Zukunft -
frontviews presents at HAUNT: Third Space
Third Space at HAUNT explores image fragility, testimony ethics & resistance through exhibitions, talks & performances. May 24 – Jul 12. #BerlinArt
Third Space
Anna Ehrenstein, Jannis Julien Grimm & Timo Herbst, Theemetra Harizani, Runa Ikeda, Matteo Lorusso, Anzhelika Palyvoda, Minh Duc Pham, Rebecca Pokua Korang, Jakub Šimčik, Selassie, Bahaa Talis, Sofiia Yesakova
curated by the collective
Programme
Panel Talk
on the fragility of images, the risks of testimony and the ethics of visibility
Wed 28 May 6 pmFragments of Solidarity: Ethics, Evidence and Echoes of Resistance
with Timo Herbst, Rebecca Pokua Korang, Lilian Mauthofer,
Jannis Julien Grimm
Performance
Fri 20 Jun 6 pmAncestral Eavesdropping
by iYi – Runa Ikeda, Frida Eon Ae Yngvesson, Shinichiro Ikeda
Tour and Artist Talk
Sat 21 Jun 4 pm
Longest Day of the Year!
Finissage
Sat 12 Jul 5 – 9 pm
exhibition duration
24 May – 12 July 2025
opening times
Wed – Sat 2 – 6 pm
and on personal appointment here
for more information please click here
This project is profoundly supported by Senate Department for Culture and Social Cohesion. It´s also made possible with the initiative of the whole collective.location
frontviews at HAUNT
Kluckstraße 23 A (yard)
D – 10785 Berlin
public transport
Bus Linie M48 or M85 from Potsdamer Platz/ Busstop
Lützowstr./Potsdamer Str. and a 4 minute walk // U-Bahn
Kurfürstenstraße Linie U1 and U3 and a 6 minute walk // M29 Busstop Gedenkstätte Dt. Widerstand and a 2 minute walk.
websites
frontviews.de
hauntberlin.de
contact
office@frontviews.deAbout frontviews
frontviews is a Berlin-based curatorial collective and platform for contemporary art. Founded in 2004, it brings together artists, curators, writers, and cultural practitioners to collaboratively explore experimental formats of exhibition-making and critical dialogue. With a strong focus on interdisciplinary approaches, frontviews initiates projects that investigate the social and political dimensions of artistic practice while fostering a space for emerging and mid-career artists to engage in public discourse.
Since 2020, frontviews has operated out of HAUNT, a hybrid cultural space located in a former military building in Berlin-Tiergarten. HAUNT functions as both an exhibition venue and a site for artistic research, talks, workshops, and performances. Together, frontviews and HAUNT offer a collaborative infrastructure that values collective authorship, process-based work, and a long-term commitment to artistic experimentation.
The collective’s projects often highlight topics such as migration, identity, environmental change, digital culture, and the ethics of representation. Through exhibitions, publications, residencies, and discursive formats, frontviews cultivates a reflective and inclusive cultural space in Berlin’s evolving art landscape.
For more information, visit:
🌐 frontviews.de
📸 Instagram: @frontviews_Taged as/in; Anna Ehrenstein, Anzhelika Palyvoda, art, Bahaa Talis, berlin, collective, curated, ethics, evidence, exhibition, image, Jakub Šimčik, Jannis Julien Grimm & Timo Herbst, Matteo Lorusso, Minh Duc Pham, performance, Rebecca Pokua Korang, resistance, Runa Ikeda, Selassie, Sofiia Yesakova, Solidarity, TALK, testimony, Theemetra Harizani, Visibility -
Einladung zum Sommerfest, Brücke-Museum, 7.6.2025
🎉 Happy 120th Birthday, Brücke! Celebrate with us: music, art, roller disco, cake & more! Sat, 7 June 2025, 12–6 PM @ Brücke-Museum. Free entry! 🎨🛼✨
Happy Birthday Brücke!
Wir feiern den 120. Geburtstag der Künstlergruppe Brücke mit einem großen Gartenfest: Musik, Workshops, Rollschuhdisco, Rundgänge, Kuchen, Eis, Seifenblasen und vieles mehr. Dazu laden wir Sie am Samstag, den 7. Juni 2025 ganz herzlich ein. Wir freuen uns auf Ihr Kommen!
Samstag, 7. Juni 2025
12–18 Uhr SommerfestPROGRAMM
12 Uhr Begrüßung durch Direktorin Lisa Marei Schmidt im Garten
12-18 Uhr Sonnensegel-Workshop mit hello-loser im Waldraum und Garten
12:15-12:45 Uhr AKA KELZZ Performance im Garten
13:00 Uhr Rundgang 120 Jahre Brücke. 120 Berliner*innen. 120 Werke
13:00 Uhr Roller-Performance JAM.SKATE.CLUB. und DJ FRZNTE auf dem Parkplatz vor dem Museum
13:30-14:00 Uhr Roller-Crash-Kurs
14:00-15:00 Uhr Roller-Disco „All wheels are welcome!“
14:00 Uhr Rundgang 120 Jahre Brücke. 120 Berliner*innen. 120 Werke
14:00-14:45 Uhr Gartenführung mit atelier le balto
15:00 Uhr Rundgang 120 Jahre Brücke. 120 Berliner*innen. 120 Werke
15:00 Uhr Alexander Scheer liest Helden: David Bowie in Berlin von Tobias Rüther im Garten
16:00-16:30 Uhr AKA KELZZ Performance im Garten
17:00-18 Uhr Filmvorstellung Framing Grunewald von Po:era mit der LebensWerkGemeinschaft in der Ausstellung
18:00 Uhr Ausklang Alles ohne Anmeldung. Eintritt frei.Aufgrund der eingeschränkten Parkmöglichkeiten empfehlen wir, mit ÖPNV oder Fahrrad anzureisen.
Alle weiteren Details finden Sie hier.
SAVE THE DATE!
Irma Stern. Eine Künstlerin der Moderne zwischen Berlin und Kapstadt
13. Juli bis 2. November 2025Eröffnung am 12. Juni 2025
#Entdecken Sie eine in Deutschland fast vergessene Künstlerin der globalen Moderne wieder: Irma Stern (1894–1966). In ihrem Werk verbinden sich Motive ihrer südafrikanischen Heimat mit dem Expressionismus der Brücke-Künstler.Bis heute gilt Stern in Südafrika als wichtigste Vertreterin der Kunst des frühen 20. Jahrhunderts.
In engem Austausch mit südafrikanischen Museen präsentieren wir die erste Einzelausstellung der deutsch-südafrikanischen Künstlerin in ihrer früheren Heimat Berlin. Die Ausstellung wird durch eine Intervention des südafrikanischen Künstlers Athi-Patra Ruga (geb. 1984) erweitert.
Weitere Informationen finden Sie hier.
Happy Birthday Brücke!
We are celebrating the 120th birthday of the Brücke artists’ group with a big garden party: music, workshops, roller disco, tours, cake, ice cream, bubbles, and much more. We cordially invite you to join us on Saturday, June 7 2025.We look forward to your visit!
Saturday, 7 June 2025
12–6 pm Summer PartyPROGRAMME
12 pm Words of welcome by director Lisa Marei Schmidt in the garden
12 pm–6 pm Awning workshop with hello-loser at Waldraum and garden
12.15–12.45 pm AKA KELZZ Performance in the garden
1 pm Tour 120 Years of Brücke. 120 Berliners. 120 Works
1 pm Roller Performance JAM.SKATE.CLUB. and DJ FRZNTE in the parking lot in front of the museum
1.30–2 pm Roller crash course
2–3 pm Roller disco „All wheels are welcome!“
2 pm Tour 120 Years of Brücke. 120 Berliners. 120 Works
2–2.45 pm Garden tour with atelier le balto
3 pm Tour 120 Years of Brücke. 120 Berliners. 120 Works
3 pm Reading by Alexander Scheer from Helden: David Bowie in Berlin by Tobias Rüther in the garden
4–4.30 pm AKA KELZZ Performance in the garden
5–6 pm Film screening Framing Grunewald by Po:era with LebensWerkGemeinschaft in the exhibition
6 pm Closing time
Without registration. Free Entry.Due to limited parking, we recommend arriving by public transport or bike.You can find all further details here.
SAVE THE DATE!
Irma Stern. A Modern Artist between Berlin and Cape Town
13 July to 2 November 2025Opening on 12 July 2025
Rediscover an artist of global modernism who has been almost forgotten in Germany: Irma Stern (1894-1966). In her work she combines motifs from her South Africa homeland with the expressionism of the Brücke artists.Stern is still considered the most important representative of early 20th century art in South Africa. In close collaboration with South African museums, we present the first solo exhibition on Irma Stern in her former home city Berlin. The exhibition features around 40 of Stern’s paintings, watercolours, drawings and prints. It is complemented by an intervention by South African artist Athi-Patra Ruga (born 1984).You can find more information here.
© 2025 Brücke-Museum, alle Rechte vorbehalten
Brücke-Museum
Bussardsteig 9
D-14195 BerlinTaged as/in; »120 Jahre Brücke. 120 Berliner*innen. 120 Werke«, art, berlin, Brücke Museum, community, creativity, culture, Dance, event, expressionism, History, inspiration, Museum, Music, outdoors, performance, summer -
Forschungsprojekt EnergyMap auf den Berliner Energietagen
Am 28. Mai 2025 wird EnergyMap Berlin bei den Berliner Energietagen vorgestellt – ein Online-Tool zur gebäudescharfen Wärmeplanung für ganz Berlin.
Bei den Berliner Energietagen wird am 28. Mai 2025 das digitale Werkzeug EnergyMap Berlin zur gebäudescharfen Wärmeplanung für den Berliner Gebäudebestand erstmals der Öffentlichkeit präsentiert. Es ist ein interaktives Online-Kartentool, das von der UdK Berlin gemeinsam mit den Forschungspartnern co2online, SEnerCon, LUP und dem Bezirksamt Charlottenburg-Wilmersdorf in einem vom BMWK geförderten Forschungsverbundprojekt entwickelt wurde.
EnergyMap Berlin bietet eine hohe Transparenz bei Gebäudedaten. Es bietet vielfältige Anwendungsmöglichkeiten für unterschiedlichste Nutzer*innengruppen. Dazu gehören Bürger*innen, Energieplaner*innen, Versorger*innen, Stadtplaner*innen und Bezirke. Diese Gruppen erhalten eine fundierte Grundlage für ökonomische, energiepolitische, planerische und sanierungsbezogene Analysen und Entscheidungen. Dies ist insbesondere wichtig für neue stadtquartiersbezogene Energiekonzepte.
Das zugrundeliegende KI-Modell prognostiziert den Heizenergiebedarf einzelner Gebäude und von Gebäudegruppen. Im Standardszenario sind das die Energiebedarfswerte für den statistisch wahrscheinlichsten Gebäudezustand. Nutzer*innen können aber ihr eigenes Wissen einbringen und so den tatsächlichen Sanierungszustand des Gebäudes präzisieren, Sanierungsvarianten untersuchen oder den Einfluss des Klimawandels analysieren.
Die Online-Kartenanwendung von EnergyMap Berlin ist direkt mit dem Berliner Energieatlas der Senatsverwaltung für Energie Wirtschaft und Betriebe verknüpft. Dadurch können Benutzer*innen beider digitalen Kartenanwendungen räumlich zusammenhängende Informationen zum Energiebedarf und zur Energieinfrastruktur zusammenführen.
Als WebApp für die öffentliche Nutzung ist EnergyMap Berlin gedacht. Sie ergänzt den offiziellen Berliner Wärmekataster der Senatsverwaltung für Mobilität, Verkehr, Klimaschutz und Umwelt. Das Wärmekataster ist vorrangig für verwaltungsinterne Zwecke konzipiert.
Nach der Präsentation bei den Berliner Energietagen steht EnergyMap Berlin der Öffentlichkeit als freie verfügbare WebApp unter zur Verfügung, weiterführende Informationen finden sich auf der Projektseite https://energymap-berlin.de.Über die UdK:
Die Universität der Künste Berlin ist eine der wenigen künstlerischen Hochschulen Europas, die alle künstlerischen Disziplinen und die auf sie bezogenen Wissenschaften in sich vereint.
An den Fakultäten Bildende Kunst, Gestaltung, Musik und Darstellende Kunst sowie den hochschulübergreifenden Zentren Tanz (HZT) und Jazz (JIB Berlin) und dem Zentralinstitut für Weiterbildung und Transfer (ZIWT) werden über 70 künstlerische, künstlerisch-wissenschaftliche und künstlerisch-pädagogische Studiengänge angeboten. Von rund 4.000 Studierenden hat etwa ein Drittel einen internationalen Hintergrund. Die Geschichte der Hochschule reicht zurück bis zur Gründung der brandenburgisch-preußischen Akademie der Künste im Jahr 1696.
Ihre heutige Form erhielt die UdK Berlin 1975 durch den Zusammenschluss der Hochschule für bildende Künste und der Hochschule für Musik und darstellende Kunst zur Hochschule der Künste (HdK), seit 2001 trägt die Universität der Künste Berlin ihren heutigen Namen.
Im Jahr 2025 feiert sie ihr 50-jähriges Jubiläum. Mit mehr als 700 Veranstaltungen im Jahr trägt die UdK Berlin maßgeblich zum kulturellen Leben der Stadt bei. Präsident der Universität der Künste Berlin ist seit dem 1. April 2025 Prof. Dr. Markus Hilgert.
Taged as/in; berlin, Digitalisierung, Energieeffizienz, Energieplanung, Energiewende, Gebäudewärme, Klimaschutz, Open Data, Sanierung, Smart City, Wärmewende -
Wolleh and Tolokonnikova: If Light Meets Darkness.
From gulags to galleries, Lothar Wolleh & Nadya Tolokonnikova turn darkness into light—proof that art survives even where freedom doesn’t. #ArtAsResistance
Summary
This article compares the lives and practices of two artists, a photographer and a visual artist/ performer, who were both incarcerated during their lifetime.
Light and darkness are two concepts we often take for granted. We are used to their daily cycles, we switch on the light in our houses when the night takes over. But what if they were not granted to us anymore? What if we didn’t have the chance to switch on the light to make us feel safe? This is something many people don’t always have access to, if one thinks about the people living in places of conflict, or if one thinks of prisoners.
Two artists who lived in very different times, Lothar Wolleh and Nadya Tolokonnikova, experienced this reality first hand. Both of them at one point in their life ended up incarcerated. It is the life and artistic examples of these two artists that inspires us to reflect on the powerful encounter between light and darkness.
Lothar Wolleh
Lothar Wolleh, St. Peter’s Basilica, Vatican, 1974/75 © Lothar Wolleh Estate, Berlin Lothar Wolleh (1930-1979) always felt inclined to the arts. After the war he began studying at the newly established University of Applied Arts in Berlin-Weißensee, confident that would be his path. Things changed pretty fast when in 1950, at only 20 years of age, he was accused of espionage and sent to a gulag in Russia. The prisoners’ camp in question was Vorkuta, in Siberia, a place of unimaginable suffering and hardship. It used to be just a few kilometers away from where Alexei Navalny died last year. It was in that dreadful place that Lothar discovered his love for photography.
Being close to the Arctic Circle, the gulag was often immersed in darkness. There were very few hours of light a day for the prisoners to see, sometimes none. But there, they would be able to sometimes witness a magical phenomenon: the northern lights.
Charmed and comforted by their appearance, the northern lights became a reason to hope and resist the hardships they endured. They helped them find a new purpose. Because of those mind-blowing experiences, Lothar and some other inmates decided to secretly build a camera. It was there, in one of the most inhospitable places in the world, that Lothar became a photographer.
After more than five years of imprisonment, Lothar came back to Germany as a free man. He would carry with him that life experience forever. Lothar left Berlin for Düsseldorf, trying to leave his past behind, and there he pursued his career as a photographer.
Lothar Wolleh, St. Peter’s Basilica, Vatican, 1974/75 © Lothar Wolleh Estate, Berlin Exposing the Shadows
He began working in advertisement. Quickly he became connected to the artistic scene that was developing there, like the Zero Group. His impressive talent made him the portraitist of many other famous artists. Lothar wasn’t simply portraying them. He had the utmost ability to understand and depict them through his keen eyes, creating artworks in their own right.
But what is really interesting and not so known about Lothar’s practice is his relationship with light and darkness. His son Oliver created Lothar Wolleh Raum in order to keep the memory of his father’s work alive and known. He told me once that, if you look carefully at his self-portraits, many of them present the artist in almost complete darkness. The reason behind it has to be searched inside the difficult past that the artist lived, in his time as a prisoner in post Second World War Russia.
Oliver explained to me that a part of that darkness, that his father experienced in Siberia, remained stuck to his dad once he was a free man. That could be one of the reasons why his self-portraits have him often represented as immersed in it. On the other hand though, that troubling life experience made the artist realize the beauty and the power of light, something he would always pursue in his practice as a photographer.
Lothar Wolleh, St. Peter’s Basilica, Vatican, 1974/75 © Lothar Wolleh Estate, Berlin When Light Meets Darkness
Surely there is no photography without light and darkness, but Lothar certainly took this to another level. His research of the light, and the balance with its opposite, became one of the key aspects of his practice. Incredibly stunning is a series of unpublished pictures he took in the Vatican City. There he used the camera to recreate northern lights in a place where we don’t certainly expect them to be.
Yet, this magical light can also be a metaphor for something more. It could represent the physical transfiguration of the power of spirituality, something the artist was also very interested in throughout his career. He photographed all types of spirituality and spiritual leaders, in another very interesting pursuit of the balance between darkness and light.
The unpublished Vatican pictures show us the stunning outcome of his research. His son Oliver believes that one can see this thread – the research and recreation of the Northern lights – throughout a lot of his practice. The poetry behind this is simply moving. As a person who was mistakenly imprisoned and forced to live atrocious things for more than five years, Lothar found a metaphorical and physical light to go on, and to pursue life and happiness.
Of course, something so traumatic always leaves a mark. That is probably why the artist balanced that with his self-portraits, where darkness reaches and surrounds him once again, but this time with his willingness to accept it and confront it. In such a short and dense life, Wolleh represented this ancestral dance with such magistry – probably because he lived it on his own skin – that it permeates all of his art and reaches directly to our hearts.
Nadya Tolokonnikova
Portrait Nadya Tolokonnikova © Pussy Riot Vorkuta, the gulag where Wolleh was sent to, was just a few kilometers away from where now lies another dreadful prisoner camp, the one where the political dissident Alexei Navalny died last year. Navalny was fighting for the right of his country, Russia, to be a different and finally free state. Nadya Tolokonnikova, known as a member of the dissident group Pussy Riot, was a friend of Navalny. These were her words when she was asked to talk about Navalny’s life and death.
“For the next 17 years, I watched my friend Aleksei rise from a Moscow blogger to a global moral and political figure, giving hope and inspiration to people around the world. He helped me and millions of Russians realize that our country doesn’t have to belong to K.G.B. agents and the Kremlin’s henchmen. He gave us something else too: a vision he called the “beautiful Russia of the future”. This vision is immortal, unlike us humans”.
Nadya Tolokonnikova
Nadya, as a member of the Pussy Riot, also experienced the atrocities of wrongful imprisonment in a penal colony. She spent two years in Mordovia. Nadya was condemned because of the renowned protest she did with other members of the group in Moscow’s main cathedral. She was not the only one imprisoned. Along with her were also Maria Alyokhina and Yekaterina Samutsevich.Nadya Tolokonnikova, WANTED, Galerie Nagel Draxler Berlin, 2025 / Photo: Simon Vogel Art as a Beacon of Defiance
After her release, Nadya has now become a visual artist, still rebelling against that unfair regime through a new medium. I think what is really interesting is the power of art in overcoming such a painful and traumatic experience. Both Nadya and Lothar reached out to art to express the troubling things they went through. Art became this way a vehicle for them to express and get over them.
Nadya’s practice is a powerful contrast between irony and anguish. She creates funny and challenging objects of resistance, like her colorful Molotov Kits. She also approaches her imprisonment straight ahead, making us try to understand how that feels. In her latest exhibition at Nagel Draxler, Tolokonnikova recreated what used to be her cell inside the gallery spaces. We are instantly confronted with the anguish of its spaces and the roughness of its materials. Yet, she inscribed in them various words about freedom and rebellion, carving a space for light in the darkest place.
The cell is accompanied by various materials, documents and pictures, of her experience in a gulag. They show us the absurdity and the pain that lies behind such a devious prison system. Both Nadya and Lothar had to experience it, in different times. When Lothar was wrongfully imprisoned, the world was certainly polarized. It was the time of the Cold War between Russia and the United States. But if one thinks about it deeper, we can sense a very similar polarization also in contemporary times.
Nadya Tolokonnikova, Gasoline Molotov / Courtesy: The artist and Galerie Nagel Draxler Berlin/Cologne A Shared Legacy
Nadya’s work has a very different approach compared to the work of Lothar. They chose different media to express themselves, photography for him, performance and installation for her. Yet, they both share the same starting point. It is the willingness to overcome the darkness they faced. It is the ability to shred light on something so painful and yet so real. In our gilded cages – way different from the cage installed by Nadya at Nagel Draxler – we often forget the amount of terrible things that are happening all around us. We simply keep on going with our daily lives.
But if we were to stop, and actually think about it all, we would feel a bit of the same darkness that shrouded them. We would understand a bit more of how we take our privileges for granted. We would see how we ignore those people whose rights are still being taken away daily. Their practice gives us also the hope of finding the light nonetheless. It gives us the ability to pursue happiness against the most complicated odds. It becomes in this sense such a powerful lesson, and a memento of this subtle, incredibly twisted dance, that light and darkness are constantly performing around us, so blissfully unaware of it all.
Nadya Tolokonnikova, WANTED, is open at Nagel Draxler until June 6. Lothar Wolleh, The Enemy and his People: Portraits from the Soviet Union, is open at Lothar Wolleh Raum until August 16.
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Pop-Kultur Nachwuchs 2025 – Jetzt bewerben!
Pop-Kultur Nachwuchs 2025: 2 Tage, 40+ Workshops, 150 Talente. Bewirb dich jetzt und bring deine Musik-Karriere aufs nächste Level!
Du machst Musik oder willst unsere Branche von innen verändern? Dann ist das deine Chance.Am 25. & 26. August 2025 wird das silent green in Berlin-Wedding zum kreativen Campus für alle, die sich ihren Platz in der Musikwelt erarbeiten – oder sichern – wollen. Pop-Kultur Nachwuchs, das zentrale Talentförderprogramm des Pop-Kultur Festivals, geht in die nächste Runde!
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Pop-Kultur Nachwuchs richtet sich an alle, die schon erste Schritte gemacht haben – und jetzt ihre Skills vertiefen, sich vernetzen und sichtbarer werden wollen. Alter, Herkunft, Szene? Egal. Was zählt: deine Ambition!
Teilnahme & Bewerbung
Teilnahmegebühr: 55 € inkl. Mittagessen, Networking Formate & Festivalpass für Pop-Kultur Live am Freitag und Samstag (29.–30. August).
Bewerbungen sind ab sofort möglich, Bewerbungsschluss ist der 5. Juni 2025. Alle Infos & Bewerbung: nachwuchs.pop-kultur.berlin
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Pop-Kultur Nachwuchs wird gefördert durch das Land Berlin – Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt und aus Mitteln des Europäischen Fonds für Regionale Entwicklung (EFRE), »Stärkung des Innovationspotentials in der Kultur III (INP III)«.
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KIMHĒKIM in CANNES. Pencils, Poetry, and a First for Korea.
by Umi Artworks x Maison KIMHĒKIM: A poetic journey through shadow and self – selected for the “Semaine de la critique” in Cannes.
<GLASSES> is a short animated film born from the collaboration between acclaimed director Joung Yumi and Kiminte, creative director of KIMHĒKIM. The film tells the story of a protagonist. They confront their inner shadow and gain a new perspective. They use KIMHĒKIM’s poetic objects to express repressed emotions.
‘GLASSES’, the short film by @umiartworks x @maison_kimhekim , selected for @semaine_de_la_critique @festivaldecannes Combining Joung’s delicate pencil drawings with KIMHĒKIM’s bold aesthetic, the film delivers a quiet yet powerful emotional resonance. Supported by KOCCA, <GLASSES> marks a historic moment as the first Korean animation officially invited to Cannes Critics’ Week, held from May 14 to 22, 2025.
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