-
documenta 16: Naomi Beckwith, stellt Künstlerisches Team vor
Naomi Beckwith ernennt ihr kuratorisches Kernteam für die documenta 16 (2027) mit Carla Acevedo-Yates, Romi Crawford, Mayra A. Rodríguez Castro & Xiaoyu Weng.
Im Dezember 2024 wurde Naomi Beckwith von der internationalen Findungskommission zur Künstlerischen Leiterin der documenta 16 ernannt. Nun gibt sie ihr Kernteam bekannt: Das Ensemble aus Carla Acevedo-Yates, Romi Crawford, Mayra A. Rodríguez Castro und Xiaoyu Weng wird gemeinsam mit Beckwith die Ausstellung, die Publikationen und das Programm der documenta 16 entwickeln.
© documenta und Museum Fridericianum gGmbH, Foto/Photo: Nicolas Wefers„Ich bin dankbar, gemeinsam mit diesem Team die documenta 16 zu gestalten. Ich bewundere die Unabhängigkeit in Geist und Denken, die bei allen durch Hochachtung gegenüber Künstler*innen und Publikum gleichermaßen geprägt ist. Wir freuen uns darauf, gemeinsam die vielfältigen Felder aktueller künstlerischer Praktiken zu erkunden und in einen Dialog mit den drängenden Fragen zu treten, die die gesellschaftlichen und kulturellen Landschaften unseres Planeten und ihre Zukünfte prägen.”
Naomi Beckwith, Künstlerischen Leiterin der documenta 16Die documenta 16 findet vom 12. Juni bis 19. September 2027 in Kassel statt.
Carla Acevedo-Yates
Carla Acevedo-Yates ist Kuratorin und Wissenschaftlerin. Sie erforscht zeitgenössische Kunst aus dem gesamten amerikanischen Raum aus einer transkulturellen Perspektive. Dabei liegt ihr Schwerpunkt auf der Karibik, Lateinamerika und den Vereinigten Staaten.
Sie war als Kuratorin am Michigan State University Broad Art Museum in East Lansing und am Museum of Contemporary Art Chicago tätig. Dort verantwortete sie die Gruppenausstellungen Forecast Form: Art in the Caribbean Diaspora 1990s – Today. Sie war ebenfalls für entre horizontes: Art and Activism Between Chicago and Puerto Rico verantwortlich. Ihre jüngsten Ausstellungen, Publikationen und Vorträge befassen sich intensiv mit der Diaspora als Ort kultureller Produktion. Diese kulturelle Produktion gestaltet das gesellschaftliche und politische Leben neu.
Romi Crawford
Romi Crawford ist Pädagogin, Autorin und Professorin für Visual and Critical Studies an der School of the Art Institute of Chicago. Sie interessiert sich für die Entstehung von Wissen. Dieser entsteht im Prozess des künstlerischen Arbeitens. Sie beschäftigt sich mit einer responsiven, kollaborativen und regenerativen Kunstgeschichtsschreibung. Diese ist vor allem lebendig und nimmt oft experimentelle Formen an. Ihre wissenschaftlichen und kuratorischen Projekte untersuchen häufig historische Beispiele kollektiven Kunstschaffens und setzen diese Praxis fort.
Crawford befasst sich mit künstlerischen Methoden und Strategien. Diese entstehen aus ungleichen gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Verhältnissen. Sie untersucht, wie solche Umstände neue Genres, Produktionsformen und Strukturen hervorbringen. Dazu zählen improvisierte und außer-institutionelle Formate. Crawfords Forschungsarbeit betrifft pädagogische Aktivitäten. Diese Aktivitäten sind in den Kunstpraktiken der 1960er und 70er Jahre verankert. Diese Forschung veranlasste sie zur Gründung der Black Arts Movement School Modality und der New Art School Modality. Beide Plattformen sind frei zugänglich, mobil und basieren auf einem neu formulierten Werteverständnis für die Kunstvermittlung.
Mayra A. Rodríguez Castro
Mayra A. Rodríguez Castro ist Schriftstellerin und Herausgeberin von Publikationen. Zu ihren Werken zählen Dream of Europe: Selected Seminars and Interviews, 1984–1992. Es ist ein Sammelband von Vorträgen von Audre Lorde (2020). In Pursuit of Revolutionary Love enthält ausgewählte Schriften der Philosophin und Abolitionistin Joy James. Sie hat es als beratende Herausgeberin für Divided Publishing (2023) zusammengestellt. Zudem ist Another Sun ein Gespräch mit der Politikwissenschaftlerin Françoise Vergès (2026).
In zahlreichen Publikationen widmet sich Castro verborgenen Einschreibungen, sei es in Archiven, Versen, Liedern oder in Landschaften. Mit jeder von ihr verfassten Seite ehrt sie die Vermächtnisse von Dichter*innen, Wortschöpfer*innen und im Verborgenen wirkender Philosoph*innen.
Xiaoyu Weng
Xiaoyu Weng (der Name wird sh-ih-ow-y-uu w-eh-ng ausgesprochen) ist Kuratorin und Autorin, deren Arbeit sich in enger Zusammenarbeit mit Künstler*innen und Kulturakteur*innen entfaltet. Sie entwirft synkretistische und hybride künstlerische Rahmenkonzepte. Diese rücken zeitgenössische Praktiken in den Fokus. Sie verbinden dabei häufig verschiedene Disziplinen und kulturelle Kontexte miteinander.
Ihre Arbeit hat sich von großen Institutionen über Biennalen bis hin zu unabhängigen Initiativen entwickelt. Diese Initiativen finden in wechselnden internationalen Konstellationen statt. Darin entstehen Freundschaften und neue Verbindungen wachsen. Als Kuratorin war sie unter anderem am Solomon R. Guggenheim Museum in New York, der Art Gallery of Ontario in Toronto, der Ural Industrial Biennial of Contemporary Art in Yekaterinburg und der Kadist Art Foundation in San Francisco und Paris tätig.
Taged as/in; 2027, art, artworld, contemporary, curating, documenta, documenta 16, exhibition, Kassel, team, Vision#writtenby:
-
Local Suicide & Wiener Planquadrat – New EP Out Now
Local Suicide & Wiener Planquadrat reunite with hypnotic leftfield pop single “Der Apfel Fällt Nicht Weit Vom Stamm” via Iptamenos Discos.
Local Suicide and Wiener Planquadrat share more than just a musical wavelength. Theirs is a long-standing creative friendship. It has been built over countless nights and shared stages. They have a deep mutual understanding of the darker corners of electronic music. They have already released two collaborative tracks: “Flashdance” & “Light It Up”. They have also worked on several remixes.
These include work for artists such as You Man, Ali X, AFFKT, Nuclear Digital Transistor, and Idoru. Now, the duo presents their new single ‘“Der Apfel Fällt Nicht Weit Vom Stamm” on Iptamenos Discos, showcasing their evolving sound.
Der Apfel Fällt Nicht Weit Vom Stamm
The song was written in 2024 in Local Suicide’s Berlin studio. It went through countless revisions in studios across both Berlin and Vienna. This process continued until it reached its state of perfection. The single stands out as one of the most accessible tracks this collaboration has produced so far. It is a leftfield pop song. The song unfolds like a slow-moving fog creeping through a late-night club. It is mechanical yet sensual, minimal yet immersive.
It drifts somewhere between dark disco and synth pop, steering clear of typical dancefloor formulas in favor of something more hypnotic, more internal. The apple doesn’t fall far from the tree. That tree is rooted in a shared history between two acts. They’ve spent years honing their sound on parallel trajectories.
Local Suicide are recognized as one of the most influential duos in the dark electronic underground scene. Since 2008, the Greek-German pair have shaped the sound of dark disco. They have influenced EBM, post-punk, and indie dance. This was achieved through countless releases on cult labels like Bordello A Parigi, Lumière Noire, TAU, Eskimo Recordings, and Ombra INTL. Their work has been featured in DJ Mag, Mixmag, Der Spiegel, Rolling Stone and Tsugi. They even appeared – as themselves – in the German TV show Fett & Fett on national broadcaster ZDF.
Wiener Planquadrat 2025: live perfomances in Berlin, Paris and Thessaloniki
Wiener Planquadrat, the Vienna-based duo of Michael Weiler and Maximilian Atteneder, made their mark in 2021 with “Stillstand”, a breakout debut that climbed the dance charts in Austria and Germany. Their 2022 EP “Dschungel”, featuring remixes by T.Raumschmiere and Tech Support, blended analog grit with indie-rave melancholy, signaling their refusal to play by genre rules. In recent years, they’ve performed live in Berlin, Paris, and Thessaloniki, released remixes for artists like Oberst & Buchner, Dina Summer, Kalipo, and more.
Wiener Planquadrat were the very first artists to ever release on Iptamenos Discos with their hit “Stillstand” in 2021. This makes this release feel like a full-circle moment. “Der Apfel Fällt Nicht Weit Vom Stamm” isn’t just another single. It’s a subtle reminder of how powerful a connection can be when it’s built not on strategy, but on trust, friendship and shared experience.
Release Date : August 13th, 2025
Listen & Get the EP on bandcamp
Leftfield Pop, Indie Dance, Dark Disco
Catalog Number ISI009
Taged as/in; Bandcamp, berlin, Dark Disco, darkdisco, der apfel fällt nicht weit vom stamm, electronic music, electronic underground, Indie, Indie Dance, Iptamenos Discos, leftfield pop, Local Suicide, music release, new music, Synthpop, underground scene, Vienna, Wiener Planquadrat#writtenby:
-
WHOLE New World: A Queer Utopia in the Iron City
WHOLE Festival 2025 concluded July 21st! A “queer utopia” where joy, difference & acceptance ruled in Ferropolis, a powerful blueprint for a freer world.
The WHOLE Festival, a vibrant beacon in the global cultural landscape, concluded its 2025 edition on July 21, marking the end of another envisioned “queer utopia.” The event, themed “WHOLE New World,” invited attendees on a transformative journey. It promised an exploration of “another galaxy.” Here, “joy, difference and acceptance are the rule.”
A Paradoxical Canvas: Ferropolis and the Spirit of Autonomy
The extraordinary event unfolded within the unique, almost surreal setting of Ferropolis, the “iron city” of Gräfenhainichen, Germany. This “dystopian landscape,” characterized by colossal industrial machines, provided a stark yet compelling backdrop for a celebration of radical inclusivity and self-expression. The festival’s very presence in this location was deeply meaningful. Ferropolis is situated in a region with considerable conservative political ideologies.
This geographical and ideological juxtaposition transformed the festival into a powerful political statement, an overt act of cultural resistance. WHOLE established a vibrant “political and social micro-structure completely unrelated to the location.” They actively carved out an alternative reality. This demonstrated that spaces for radical acceptance, joy, and difference could flourish even in challenging environments.
Ferropolis: the Iron City
The raw, imposing setting of Ferropolis was dramatically transformed by the festival. It is an open-air museum where gargantuan industrial excavators loomed over the landscape. For three days, these monumental machines, once symbols of extraction and labor, became silent witnesses to a vibrant, living celebration of community and freedom.
Temporary Autonomous Zone
The festival’s success in thriving in such an unexpected environment led to its frequent characterization as a “Temporary Autonomous Zone” (TAZ). In this zone, a distinct political and social micro-structure emerged. It operated entirely independent of the surrounding local context. This allowed attendees to experience a profound sense of autonomy and liberation.
Upon entering, visitors were often met with visible displays of solidarity, such as numerous ravers wearing Keffiyehs and Palestinian symbols, reinforcing the festival’s commitment to multiculturalism and collective solidarity, particularly significant within the German context often marked by anti-Palestinian bias.
The industrial backdrop, far from being a mere aesthetic choice, functioned as a catalyst for radical self-expression. The raw, deconstructed canvas of the former mining site was devoid of conventional societal impositions. It provided a unique environment that fostered an unparalleled sense of freedom.
Whole also encouraged human curiosity and discovery. This setting reinforced the festival’s core message: a “WHOLE New World” where identity was fluid, inhibitions dissolved, and the remnants of an old world were repurposed as the foundations for a new, queer-centric society.
Feel free to undress and reconnect
Furthermore, the festival’s location amidst nature created an intrinsic link between the event and its environment. Direct contact with the earth, air, and water fostered a sense of reconnection with oneself. It also helped reconnect with others. This contact subverted urban conventions. It paved the way for new forms of expression and socialization. A notable manifestation of this connection to nature was the embrace of FKK (Freikörperkultur) culture, or nudism, which for many participants was a fundamental aspect of the experience.
Sonic Architectures: A Symphony of Queer Frequencies
At the heart of WHOLE Festival lay an expansive and meticulously curated sonic landscape, designed to deliver an “immersive sonic and visual journey.” The festival boasted six distinct stages—Arena, Beach, Crane, Forest, Ambient, and Performance—each offering a unique auditory and atmospheric experience. For the 2025 edition, the popular Crane Stage featured extended hours, running until 2 AM.
The line up
The artist lineup was a testament to the festival’s global reach and commitment to diversity, featuring international names from a wide array of backgrounds, including I. JORDAN, Romy, Tygapaw, AHADADREAM, DJ AYA b2b THC, Dana Montana, Rakans b2b AGY3NA, Ellen Alien b2b Dr. Rubinstein, Blasha & Allatt, Nene H b2b Badsista, Wallis, OK Williams, and Shaun J. Wright b2b Kiddy Smile.
The sonic palette was broad. It encompassed everything from driving house and techno to experimental soundscapes. There were bass-heavy explorations and vibrant Latin American rhythms. The Crane Stage had a strong presence of Brazilian Funk, featuring a standout live performance by Irmãs de Pau.
The Performance Stage also crowned two queens of electronic music: Milan’s masked diva of chaos-pop, M¥SS KETA, and Berlin’s whispering witch of the rave, Miss Bashful x DBBD.
The power of collectives
A defining characteristic of WHOLE Festival was its profound emphasis on collectives. By centering these groups, WHOLE empowered grassroots movements and ensured that the “queer utopia” was built from the ground up by those who lived its values daily. The festival proudly featured a pivotal roster of international and Berlin-based queer collectives. These included Barcelona’s FLINTA* crew Me Siento Extraña, San Francisco’s queer underground techno party MÜLL, and Bangkok’s queer and women-led NONNONNON.
The lineup also showcased core Berlin collectives like Body Language, Buttons, Cocktail d’Amore, Gegen, Herrensauna, Lecken, Lunchbox Candy, Pornceptual, Puticlub, and WEEEIRDOS.
The Crane Stage featured Kilowatt, a Black-run electronic and techno collective, and Papi Juice, a Brooklyn-based QTPoC nightlife and art collective. The Ambient Stage offered a contrasting experience. It provided a “carefully curated program of immersive live sets, conceptual sound explorations, and collaborative storytelling.” Artists like Arewà Basit and Juliana Huxtable were performing, as well as collectives such as African Acid Is The Future and kwia.
Weaving the Tapestry: Community, Care, and Radical Inclusivity
WHOLE Festival’s core identity was its unwavering commitment to fostering an “inclusive space.” The rich tapestry of differences became a powerful reason for unity. It promoted mutual enrichment. This dedication extended to actively embracing and celebrating FLINTA* (Female, Lesbian, Intersex, Non-binary, Trans, Agender) individuals. It included BIPoC (Black, Indigenous, and People of Color).
The festival celebrated trans and gender-expansive people, individuals with disabilities, and those experiencing fatphobia. The festival endeavored to create a “parallel universe of inclusion” where bodies of “all colours, origin, gender and form” gathered freely.
Solidarity Program
Beyond mere rhetoric, WHOLE implemented concrete initiatives to ensure equitable access and foster a truly supportive environment. The festival allocated 50% of its Community Tickets specifically to FLINTA* individuals. The Solidarity Program was significantly expanded, offering free festival experiences to 150 attendees facing systemic and economic disparities.
There was a clear prioritization of refugees, Black and POC individuals, trans and gender-expansive people, individuals with disabilities, and those experiencing fatphobia.
TRINA Tent
Dedicated experiential spaces further underscored this commitment to comprehensive well-being and belonging. The TRINA Tent served as a vital BIPoC experiential space. Meticulously “created by and for diasporic communities”, this space offered a vibrant program that included a body activation workshop, BIPoC speed dating, and panel discussions.
Sober Space
Similarly, the expanded Sober Space, supported by Connecting Passions and Lemonade Queers, provided a “lively, judgment-free zone” for sober and sober-curious attendees. It offered grounding activities and playful welcome rituals. The zone also encouraged open conversations and hosted daily 12-step meetings.
Beyond the Beats: Art, Activism and Embodied Liberation
WHOLE Festival was far more than a series of musical performances. It was a dynamic curriculum of liberation. Entertainment seamlessly intertwined with education and activism. The festival offered a rich program of workshops and panel discussions that extended far beyond typical festival fare, creating vital spaces for social change and critical discourse.
Topics ranged from sensual touch and radical consent. Participants engaged in writing workshops, yoga, and queer speed dating. There was also a ‘Safety & Self-Defence’ workshop organized by Queens against Borders. Deeper discussions delved into public sex, decolonizing desire, anti-Muslim hate, and screenings of films related to queer and trans BIPOC experiences and the Palestinian struggle.
Installations and Playing practice
Exceptional Art installations were integral to the festival’s immersive experience, contributing to the “sonic and visual journey.” These installations were designed to challenge perceptions and invite interaction, transforming the industrial landscape into a canvas for avant-garde expression. Notable examples included “Cord,” “SOUNA,” “GND*FCK,” “PEEP SHOW,” “DTF,” and “BDSM ARCHITECTURE: EROTIC FURNITURE PLAYGROUND.”
The festival explicitly positioned itself at the “intersection of music, queerness, and politics.” The event had a strong political pulse. Visible acts of solidarity were common. Many attendees wore keffiyehs and Palestinian symbols. The organizers publicly affirmed their unwavering solidarity. They supported those struggling for justice, freedom, self-determination, and equal rights. They acknowledged that “Queer liberation is part of a broader fight against oppression.”
Further enhancing the experiential realms were unique spaces dedicated to desire and play. The Cruising Village was a “multi-exploratory space” curated by diverse crews, blending “soft and hard play across various zones” and including a FLINTA*-dedicated area. The “iconic Douching Station” also returned, playing its “unique role” in the realm of sexual pleasure and liberation.
Sustenance for the Soul: Culinary and Comfort Realms
Amidst the vibrant energy and profound experiences, WHOLE Festival ensured that attendees were well-nourished and had ample opportunities for rest and rejuvenation. The culinary offerings were diverse. They catered to a wide range of tastes and dietary needs. There were abundant vegan and gluten-free options from vendors like AMRIT, BELLA!, FOLKLORE STREEET, and RE:SET.
The festival also placed a significant emphasis on comfort and relaxation. The expanded Sober Space provided not only a judgment-free zone but also cozy chill-out areas for unwinding. Installations like “SNOOZE,” a “soft landscape” designed for rest in the cool shade, offered dedicated sanctuaries for attendees to decompress between activities.
The festival actively catered to diverse dietary needs. It provided dedicated sober spaces and integrated wellness workshops. These efforts ensured that attendees could participate fully and safely.
Becoming Whole again: A Blueprint for a Freer Future
WHOLE Festival continued to shine as a beacon of avant-garde queer culture, offering a unique and powerful model for collective liberation. It started in Berlin and evolved significantly. Transformed into a global platform for queer electronic music culture, the festival is intentionally “weaving a wider net of connection and care.”
The festival’s most profound contribution lay in its role as a “dress rehearsal for a freer, queerer world.” This powerful notion encapsulated WHOLE’s intentionality, its deep community focus, and its unwavering commitment to challenging prevailing norms.
Serving as a living prototype for how queer communities could build resilient, interconnected, and impactful cultural ecosystems on a global scale, its success provided tangible proof that alternative models of community, rooted in radical inclusivity, political engagement, and holistic well-being, are not only viable but thriving.
This positioned WHOLE Festival as a powerful counter-example to mainstream festival culture. These festivals are often depoliticized. WHOLE Festival serves as an inspiring blueprint for other cultural initiatives. It seeks to create meaningful change and foster a more liberated future.
Taged as/in; activism, art, berlin, community, Electronic, Ferropolis, Festival, Germany, inclusivity, LGBTQIA+ BiPoC, Liberation, Music, Nature, Nudism, queer, Utopia, WHOLE Festival#writtenby:
-
Save The Date: Ukrainian Film Festival Berlin (UFFB) 2025
Vom 22.–26.10. zeigt das UFFB aktuelle ukrainische Filme in Berlin – Haltung, Tiefe und Perspektiven statt Resignation. 🎬🇺🇦 #UFFB2025
22. bis 26. Oktober
uffberlin.de
info@uffberlin.de
Instagram: @uff_berlin
Linkedin: Ukrainian Film Festival BerlinVom 22. bis 26. Oktober 2025 bringt das Ukrainian Film Festival Berlin (UFFB) unter dem Motto „Die Zeit, die uns bleibt“ erneut eine vielfältige Auswahl aktueller ukrainischer Filme auf die Leinwände Berlins. Die festliche Eröffnung findet am 22. Oktober im Silent Green Kulturquartier statt. Im Zentrum des fünftägigen Filmfestivals stehen zeitgenössische Spiel- und Dokumentarfilme aus der Ukraine.
„Das Motto der diesjährigen Ausgabe richtet den Blick auf die Zeit, die uns bleibt – jedoch nicht als eine apokalyptische Geste, sondern als eine Einladung zur Klarheit. Was machen wir mit dieser Zeit? Inmitten eines andauernden Krieges in der Ukraine, der täglich Leben kostet – von Soldat:innen wie Zivilist:innen – und einer Welt im Umbruch, geht es bei diesem Festival nicht um Resignation, sondern um Haltung. Die ausgewählten Filme verkörpern diese Haltung. Sie stellen sich der Endlichkeit, nicht mit Dramatik, sondern mit Tiefe. UFFB 2025 will kein Ort der Verzweiflung sein, sondern ein Raum bewusster Gegenwart“,
erklären die Kuratorinnen des Festivals, Daria Buteiko, Ivanna Kozak und Valentyna Zalevska.Neben dem Hauptprogramm widmet sich das Festival erneut postkolonialen Perspektiven in den Ländern der ehemaligen Sowjetunion. Der Länderfokus liegt auf Armenien und Georgien.
Kurzfilmwettbewerb
Der 2024 erfolgreich eingeführte Kurzfilmwettbewerb geht in die zweite Runde. Noch bis zum 1. September 2025 können Beiträge über die Plattform FilmFreeway eingereicht werden. Darüber hinaus wird das Festival thematisch kuratierte Kurzfilmreihen außerhalb des Wettbewerbs präsentieren.
Auch 2025 widmet sich das Festival einer Retrospektive des ukrainischen Kinos. Thema und Fokus dieser Sektion werden noch angekündigt. Der Eröffnungsfilm wird Ende August und das vollständige Programm Anfang September bekanntgegeben.
Das Ukrainian Film Festival Berlin 2025 ist wieder in zahlreichen Berliner Programmkinos zu Gast. Darunter das ACUD Kino, das Sputnik Kino und das Il Kino. Erstmals erweitert das Festival seine Spielorte um das Kino Filmkunst 66 in Charlottenburg. Weitere Kinos und Spielstätten werden noch bekannt gegeben.
Geplante Spielstätten 2025: Silent Green, Zeiss-Großplanetarium Kino, ACUD Kino, Sputnik Kino, Il Kino, City Kino Wedding, Filmkunst 66.
Über das Ukrainian Film Festival Berlin
Gegründet im Jahr 2020, hat sich das Ukrainian Film Festival Berlin als feste Größe im deutschen Kulturkalender etabliert. Es widmet sich der Präsentation und Stärkung des unabhängigen ukrainischen Kinos in Deutschland. Mit fünf erfolgreichen Ausgaben, Filmreihen wie Ukraine Known Unknown sowie zahlreichen Vorstellungen aktueller ukrainischer Produktionen hat das UFFB wesentlich zur Sichtbarkeit und Anerkennung der ukrainischen Filmkunst beigetragen.
Das Festival wird vom Medienboard Berlin-Brandenburg gefördert. Zu den weiteren Partnern gehören das Osteuropa-Institut der Freien Universität Berlin (FU), das Goethe-Institut im Exil, das Human Rights Film Festival Berlin, ARTE, das Ukrainian Institute, die Ukrainische Kulturstiftung sowie die Bundeszentrale für politische Bildung (bpb).
Taged as/in; Armenia, art, berlin, BerlinEvents, Cinema, contemporary, culture, documentary, Events, Festival, Film, Georgia, Medienboard Berlin-Brandenburg, Movie, Premiere, Premieren, Screening, Shortfilm, UFFB2025, Ukraine, UkrainianCinema, UkrainianFilmFestival#writtenby:
-
(Wieder-)Eröffnung + Vernissage von FINE ART! at CSR.ART
Join us on Aug 7, 2025, 18–21h at CSR.ART in BIKINI BERLIN for the grand re-opening & FINE ART! Vernissage with Bechmann, Gaudette & Herzau. #FineArt
WANN?
Do, 7. August 2025, 18 – 21 Uhr
WO?
CSR.ART
im BIKINI BERLIN
Budapester Str. 38-50
im EG gleich links, Eingang Richtung Zoo Palast
10787 Berlin-CharlottenburgLiebe Leser:innen,
am 7. August 2025 feiert der CSR.ART Contemporary Show Room seine (Wieder-)Eröffnung mit einer Vernissage am neuen Standort, dem ikonischen, denkmalgeschützten BIKINI BERLIN in der City West. In der Eröffnungsausstellung FINE ART!, die in Zusammenarbeit mit der Galerie Martin Mertens realisiert wurde, werden Werke von drei herausragenden internationalen Künstlern präsentiert: Thorbjørn Bechmann (Dänemark), Sébastien Gaudette (Kanada) und Sebastian Herzau (Deutschland).
Die thematische Klammer bildet der Begriff Fine Art. „Fine Art“ hebt sich von dem pauschalen Kunstbegriff durch einen hohen Anspruch an Technik, Konzept und tiefere Bedeutung ab. Es geht nicht nur um Abbild, Ästhetik und Reflexion, sondern um Kunst, die kulturell und intellektuell relevant ist. Dabei gründen die verwendeten Techniken oft in der langen Tradition von Malerei, Skulptur oder Grafik. Die Eröffnung von FINE ART! findet am Donnerstag, 7. August 2025 von 18 bis 21 Uhr statt. Die Ausstellung wird bis zum 6. September 2025 zu sehen sein.
Sebastien Gaudette, Blank Page, 2023, Aluminium, Farbe, 28 x 21 x 5 cm, courtesy of Galerie Martin Mertens Die Ausstellung FINE ART! präsentiert den Begriff „Fine Art“ in seiner vollen Tiefe und Vielfalt. Thorbjørn Bechmann, Sébastien Gaudette und Sebastian Herzau nutzen traditionelle Medien wie Malerei und Skulptur, um aktuelle Themen und persönliche Ausdrucksformen zu reflektieren und weiterzuentwickeln. Im Mittelpunkt steht nicht nur die ästhetische Qualität der Kunst, sondern auch ihre Funktion als interkultureller Dialog und als Auseinandersetzung mit gesellschaftlichen Fragen.
Thorbjørn Bechmann
Thorbjørn Bechmann (1966, Dänemark) lebt und arbeitet in Kopenhagen. Seine nicht-repräsentativen Gemälde entstehen durch einen prozessorientierten Ansatz, bei dem er Schichten aus Ölfarbe aufträgt, die durch Verdünnung und Schichtaufbau subtile Farbverläufe und Transparenzen erzeugen. Bechmann studierte an der Königlichen Dänischen Kunstakademie und hat in Dänemark, Deutschland, Istanbul und Japan ausgestellt. Seine Arbeiten sind in öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten, darunter die Dänische Kunststiftung.
Thorbjorn Bechmann, o. T., 2021, 80 x 70 cm, courtesy of Galerie Martin Mertens Sébastien Gaudette
Sébastien Gaudette (1984, Kanada) lebt und arbeitet in Montreal. Seine Werke sind meisterhafte Trompe-l’œil-Skulpturen aus Aluminium, die zerknülltem Papier nachempfunden sind. Mit feinster Handwerkskunst und einem klaren Fokus auf das Material schafft er Objekte, die die Grenze zwischen Skulptur und Zeichnung verschwimmen lassen. Jede Arbeit ist ein Unikat, handgefertigt und bemalt, wobei er bewusst auf digitale Hilfsmittel verzichtet.
Sebastian Herzau
Sebastian Herzau (1980, Deutschland) lebt und arbeitet in Halle/Saale und Magdeburg. Nach seinem Studium der Malerei an der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle gründete er 2005 die Künstlerorganisation dieHO. Herzau beschäftigt sich in seinen Arbeiten mit Porträts und Stillleben, wobei er mit Übermalungen und Verfremdungseffekten arbeitet, um die Wahrnehmung des Betrachters herauszufordern. Seine Werke wurden unter anderem in der Galerie Martin Mertens in Berlin gezeigt.
Sebastian Herzau, The Great Below T-MI-20, 2020, Acryl auf Leinwand, 65 x 50 cm Die Galerie Martin Mertens, 2006 in Berlin-Mitte gegründet, hat sich auf die Förderung und Präsentation junger internationaler Künstlerinnen und Künstler spezialisiert. Ihr Fokus liegt auf zeitgenössischer Kunst mit hohem handwerklichen Anspruch und künstlerischer Unabhängigkeit. Das Galerieprogramm umfasst Malerei, Zeichnung, Fotografie, Objektkunst und Skulptur. Neben regelmäßigen Ausstellungen in Berlin engagiert sich die Galerie auch auf internationalen Kunstmessen und in Kooperationen mit Partnergalerien.
Über die Galerien
CSR.ART präsentiert seit 2022 relevante Werke zeitgenössischer Kunst von Künstler:innen unabhängig von Alter, Herkunft oder Geschlecht. Durch experimentelle Ausstellungen an temporären Orten, wie in der Berliner Friedrichstraße und im Schloss Sacrow bei Potsdam, trägt CSR.ART zum interkulturellen und intellektuellen Austausch bei.
Die Ausstellungen werden von DEEDS.LAB gUG, einer gemeinnützigen Gesellschaft zur Förderung von Kunst und Kultur, organisiert. DEEDS.LAB entwickelt Konzepte und kooperiert mit verschiedenen Partnern, um Künstler:innen zu fördern und ihre Kunst sichtbar zu machen.
FINE ART!
Thorbjørn Bechmann (DNK)
Sébastien Gaudette (CAN)
Sebastian Herzau (DEU)Eröffnung + Vernissage
Donnerstag, 07.08.2025, 18 – 21 UhrAusstellungsdaten
Freitag, 08.08. bis Samstag, 06.09.2025📍 CSR.ART
im BIKINI BERLIN
Budapester Str. 38-50
im EG gleich links, Eingang Richtung Zoo Palast
10787 Berlin-CharlottenburgSo kommst Du hin:
🚌 U-Bahn (U9, U2), S-Bahn (S3, S5, S7, S9), Busse (M45, 100, 200), Regionalzüge (RE1, RE2, RE7, RB14), die alle am Bahnhof Zoologischer Garten halten
Mit dem Auto
🚗 Parkmöglichkeiten zwischen Bahnhof Zoologischer Garten und Zoo
Zu Fuß 🚶Vom Bahnhof Zoologischer Garten erreichst DU BIKINI BERLIN in etwa 5 Min. Verlasse den Bahnhof durch den Hauptausgang am Hardenbergplatz, gehe in südwestlicher Richtung entlang der Budapester Straße. Passiere das Kino Zoo Palast und nach etwa 100 Metern erreichst du das Bikini-Haus. Du läufst direkt auf den Eingang zu und findest CSR.ART gleich links vom Eingang im EG.
ART@Berlin UG (haftungsbeschränkt)
Schönhauser Allee 125
10437 Berlin | Germany
+49 30 374 33 24
post@artatberlin.com
www.artatberlin.comTaged as/in; Artist, ausstellung, bechmann, berlin, berlinart, bikini, citywest, contemporary, csrart, event, fineart, Galerie, galerieberlin, gaudette, herzau, Kultur, Kunst, Kunstszene, Malerei, reopening, Sebastian Herzau, Sébastien Gaudette, Skulptur, Thorbjørn Bechmann, vernissage#writtenby:
-
XTR HUMAN – Sledgehammer via Wie Ein Gott Records
XTR HUMAN’s “Sledgehammer” is brutal dancefloor EBM/techno. Feel the raw power, relentless rhythms & metallic textures. Soundtrack for dancing with iron.
The new release, Sledgehammer, by Berlin-based XTR HUMAN, combines industrial EBM, rave, and hard techno. It results in a sound of raw physicality and industrial power. Relentless rhythms, hammering beats, and metallic textures forge a brutal dancefloor weapon. This release turns pure aggression into kinetic muscle music – a soundtrack for dancing with iron in hand.
The release is accompanied by a video featuring Eddie Dark. XTR HUMAN summons him to master the art of sledgehammer golf. This takes place in the industrial wastelands of Berlin.
Featuring remixes by Dancing Plague, Personal Offence, and Kris Baha, Sledgehammer dropped July 18 via Wie Ein Gott Records.
Taged as/in; Wie Ein Gott Records#writtenby:
-
Compilation: EMO Dance Vol.1 via Es Mi Momento
EMO Dance Vol.1: The first Es Mi Momento compilation—5 tracks bridging dark indie dance & radiant trance. A manifesto of melancholy & ecstasy.
EMO Dance Vol.1 is the first compilation from the Es Mi Momento label: five tracks that lay the foundation of our sonic identity: from slow, dark indie dance to fast, radiant trance, with vocal-driven melodies tinged with 80s influences.
It’s more than a compilation. It’s our manifesto. The project includes the eponymous track “Es Mi Momento” by Zimmer & Los Eclipses, capturing that tension between melancholy and ecstasy.
Taged as/in; Compilation, Dance, Ecstasy, Electro, EMO, Es Mi Momento, Indie, Indie Dance, label, Los Eclipses, manifesto, Melancholy, Music, Trance, Zimmer#writtenby:
-
TAG DER CLUBKULTUR 2025: die Bewerbungsphase beginnt
TAG DER CLUBKULTUR 2025 feiert Clubs & Kollektive mit Kulturpreis & Festivalwoche. Berlin zeigt: Clubkultur ist Herzstück & Brückenbauer der Stadt!
Kulturpreis und Festivalwoche zelebrieren Berlins Clubszene
In einer Zeit, die geprägt ist von Kürzungen. Zunehmende Verdrängung sowie schrumpfende Freiräume kennzeichnen diese Zeit. Die Clubszene befindet sich im starken Wandel. Berlin sendet ein kraftvolles kulturpolitisches Signal. Der TAG DER CLUBKULTUR geht 2025 in seine sechste Runde und würdigt Clubs und Kollektive erneut mit einem umfangreichen Kulturpreis und einem einzigartigen Festivalprogramm. Damit zeigt Berlin einmal mehr: Clubkultur ist keine Nebensache. Sie ist Herzstück städtischer Kultur, Raum für künstlerische Exzellenz und kollektive Zukunftsentwürfe.
Die Festivalwoche reflektiert die Bedeutung der Wiedervereinigung für die Berliner Clubkultur
Ab sofort können sich Berliner Clubs und Kollektive aller Genres und Disziplinen der vielfältigen Berliner Clubszene auf den Kulturpreis im Rahmen des TAG DER CLUBKULTUR bewerben. Veranstaltungen dürfen ihre Teilnahme an der Festivalwoche einreichen, die vom 3.-12. Oktober 2025 inspiriert vom 35. Jubiläum der deutschen Wiedervereinigung unter dem Thema “Bridging Realities – 35 Years of Movement” stattfindet.
„Die Clubkultur ist ein Herzstück Berlins. Sie setzt damals wie heute bedeutende kulturelle, künstlerische und soziale Impulse und ist der kreative, widerständige Klebstoff dieser Stadt – mit Strahlkraft weit über ihre Grenzen hinaus. Damit das auch in Zukunft so bleibt, müssen wir jetzt kulturpolitische Weichen stellen.
Dank der kontinuierlichen und intensiven Zusammenarbeit mit der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt sowie dem Musicboard Berlin den Kulturpreis und die Festivalwoche im Rahmen des TAG DER CLUBKULTUR bereits zum sechsten Mal in Folge durchführen können. Dies sendet ein starkes Signal für die Anerkennung und weitere Förderung einer vielfältigen, offenen und progressiven Clubszene in Berlin.”
Katharin Ahrend, Projektleitung TAG DER CLUBKULTUR & Co-Geschäftsführung Clubcommission Berlin e.V.Zwei neue Jurys, differenzierte Preisgelder & fünf progressive Kategorien
2025 werden insgesamt 31 Auszeichnungen mit Preisgeldern zwischen 5.000 und 20.000 Euro für bisheriges kulturelles Engagement in fünf Kategorien vergeben. Prämiert wird: Programmgestaltung & Kuration, Engagement für Community & gesellschaftlichen Zusammenhalt, Ästhetik & Raumgestaltung, Diversität & Nachhaltigkeit, Newcomer.
Das Preisgeld für Clubs erhöht sich ab diesem Jahr auf je 20.000 Euro und bleibt für Kollektive bei je 10.000 Euro. Erstmals entscheiden zwei unabhängige, divers besetzte Jurys mit je fünf Expert:innen aus verschiedenen Bereichen der Berliner Clubkultur getrennt über Clubs und Kollektive. Hier treffen Pionier:innen auf neue Generationen, lokale Vertraute der Szene auf international vernetzte Perspektiven.
Unterschiedliche Genres, soziale Positionierungen und professionelle Hintergründe kommen mit einer gemeinsamen Haltung. Clubkultur als vielschichtige, progressive und bedeutende kulturelle Praxis sichtbar zu machen. Über die Auswahl der auszeichnenden Clubs entscheiden in diesem Jahr: Michael Müller, Perera Elsewhere, Anja Schneider, Tabea Burk und Christoph Reimann. Über die Auswahl der Kollektive entscheiden: Cristina Plett, Dimitri Hegemann, Wanda Gaimes, Asia James und Carmen Herold.
Infos zu allen Juror:innen finden sich hier.
Foto: Piotr Pietrus
Festivalwoche 2024, Cashmere RadioDie Preisverleihung für die ausgezeichneten Clubs und Kollektive findet in diesem Jahr am 1. Oktober 2025 direkt vor Beginn der Festivalwoche im Rahmen des TAG DER CLUBKULTUR statt und wird in einem kleinen feierlichen Rahmen vom Musicboard Berlin durchgeführt. Die Bewerbungsphase für den Kulturpreis läuft vom 23. Juli bis 20. August 2025.
Mit der Bewerbung auf den Preis können sich die Clubs und Kollektive gleichzeitig zur Teilnahme an der Festivalwoche anmelden. Alle Informationen zur Preisausschreibung und Teilnahmebedingungen gibt es hier. Für offene Fragen sind zwei Info-Calls am 29. Juli und 12. August, jeweils um 18 Uhr geplant. Interessierte können sich hierfür online anmelden.
Festivalwoche vom 3.-12. Oktober 2025
Zum Tag der Clubkultur wird auch in diesem Jahr wieder eine interdisziplinäre Festivalwoche in ganz Berlin stattfinden. Ziel ist es Sichtbarkeit, Partizipation und kulturelle Anerkennung der Clubszene zu fördern. Dieses Mal steht sie unter dem Thema „Bridging Realities – 35 Years of Movement“ inspiriert vom 35. Jubiläum der deutschen Wiedervereinigung am 3. Oktober 2025.
„Das Musicboard fördert den TAG DER CLUBKULTUR seit seiner Einführung im Jahr 2020 und damit die Anerkennung der besonderen kulturellen und musikalischen Arbeit, die aus der Berliner Clubszene hervorgeht. Wir freuen uns, dass das Projekt auch trotz der herausfordernden Kürzungen im Kulturetat weiter eine wichtige Fördersäule für die Clubkultur in Berlin bleibt.”
Marie von der Heydt, Geschäftsführung Musicboard BerlinDie Berliner Clubkultur entstand aus jener Aufbruchsstimmung der 90er Jahre: improvisiert, unkommerziell, widerständig. Sie schlug Brücken zwischen Ost und West, zwischen Milieus, Szenen und Perspektiven. Heute, 35 Jahre später, stellt sich erneut die Frage: Wie kann Clubkultur heute Realitäten verbinden? Verbindungen herstellen zwischen Generationen, Communities, Perspektiven und sozialen Kämpfen? Wie bleibt sie ein Ort für Begegnung, Austausch und kollektives Zusammenkommen Erinnern?
Clubkultur als Brückenbauer: 35 Jahre nach der Wiedervereinigung
Der TAG DER CLUBKULTUR 2025 bietet die Bühne, diese Fragen laut und sichtbar zu stellen. Die Festivalwoche (3.–12. Oktober) ist offen für alle Aktiven der vielfältigen Berliner Clubkultur: Clubs, Kollektive, Veranstalter:innen, Künstler:innen und mehr. Gesucht werden Veranstaltungen jeder Art – von Clubnächten, Open Airs über Performances und Konzerten bis zu Workshops Diskursformaten.
Foto: Jascha Müller-Guthof
Festivalwoche 2023, CalenturaAlle eingereichten Events werden Teil des offiziellen Programms und erhalten redaktionelle sowie mediale Sichtbarkeit. Hier gibt es keine Jury, kein Auswahlverfahren – nur Offenheit und Resonanz und gemeinsames Gestalten. Alle Interessierten können vom 23. Juli bis 3. September 2025 Veranstaltungen einreichen. Informationen zum Open Call und Teilnahmebedingungen gibt es hier.
Opening am 3. Oktober
Die Festivalwoche wird am 3. Oktober mit einem öffentlichen Opening feierlich durch die Clubcommission Berlin e.V. eröffnet. Im letzten Jahr zählte der TAG DER CLUBKULTUR über 80 Veranstaltungen in nur acht Tagen. 2025 soll daran angeknüpft werden. Clubkultur ist kein Trend – sie ist ein kulturelles Fundament. Berlin lädt ein, es sichtbar zu machen.
Foto: Andrea Rojas
Festivalwoche 2023, PuticlubÜber den TAG DER CLUBKULTUR:
Der TAG DER CLUBKULTUR wurde 2020 von der Clubcommission, der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und dem Musicboard Berlin ins Leben gerufen. Er wird heute von der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt sowie dem Musicboard Berlin gefördert.
Ursprünglich als Lebenszeichen der Berliner Clubs in existenzbedrohenden Zeiten konzipiert, hat sich der TAG DER CLUBKULTUR inzwischen zu einem etablierten Kulturpreis und Festival entwickelt. Mit dem Preis wird jährlich das kulturelle und künstlerische Engagement der Berliner Clubs und Kollektive ausgezeichnet wird.
Website
info@tagderclubkultur.berlin
InstagramCopyright © 2025 Clubcommission Berlin e.V., All rights reserved.
Taged as/in; 35YearsOfMovement, BerlinClubCulture, BerlinNights, Brückenbauer, ClubcommissionBerlin, Clubkultur, Clubscene, Festivalwoche, Kulturpreis, Musicboard Berlin, MusicboardBerlin#writtenby:
-
LAMOMALIJe suis Mali (The Avener & Bovalon Remix)
amomali’s “Je suis Mali” gets an Afro house rework by The Avener & Bovalon! A vibrant blend of Malian heritage and electronic elegance. Out now!
Always driven by a spirit of collaboration, Lamomali – the musical adventure led by -M-, Fatoumata Diawara, and kora masters Toumani and Balla Diabaté – continues its dialogue between cultures and continents. “Je suis Mali”, a heartfelt tribute to the Malian people, gets a unique afro house rework by The Avener & Bovalon.
A major figure on the international electronic scene, The Avener made a global impact with “Fade Out Lines” (1.5 million copies sold), a Victoire de la Musique, and tours across the world’s most prestigious stages. Ten years on, he returns to his house roots with an ever more immersive vision.
Blending Mandingue heritage with electronic elegance, this remix becomes a vibrant bridge between the rituals of Bamako and the sleepless nights of European clubs.
Artist: Lamomali
Release: Je suis Mali (The Avener & Bovalon Remix)
Label: Wagram Music
Release Date: July 22© FATdrop 2025
Taged as/in; afro house, Bamako, Bovalon, Clubs, collaboration, culture, Electronic, global, heritage, House, Je suis Mali (The Avener & Bovalon Remix), Lamomali, Mandingue, Music, The Avener, vibrant, Wagram Music#writtenby:
Wanna Sign in too?
Stay tuned with the arts!
Subscribe to our newsletter and stay informed about current exhibitions and other topics of the Berlin cultural scene.
Read more about the handling of your data here.
You must be logged in to post a comment.