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Uraufführung: Androgynous. Portrait Of a Naked Dancer.
ANDROGYNOUS erforscht das Vermächtnis von Anita Berber & Co – ein sinnliches Revival der 1920er Berliner Avantgarde zwischen Provokation und Erinnerung.
ANDROGYNOUS ist ein Projekt von Lola Arias in Zusammenarbeit mit River Roux, einer Performerin und Pole-Tänzerin. Zusammen mit Bishop Black und Dieter Rita Scholl tritt Roux in die Fußstapfen von Anita Berber und anderen legendären Figuren des Berlins der 1920er Jahre.
„Ich tanze, weil ich sonst verrückt würde.“
Anita BerberObwohl Berbers Leben kurz war, ist ihr Vermächtnis unvergessen: Mit ihren Performances, die von Geschlechterambiguität, Erotik, Horror und Ekstase geprägt waren, überschritt sie Normen. Dennoch wird ihr Wirken in der Berliner Gegenkultur oft auf Skandale reduziert.
In einem Raum, der an einen Nachtclub und ein Kabaretttheater erinnert, verkörpern die Darsteller*innen ihre Alter Egos von vor hundert Jahren. Auf der Bühne rekonstruieren sie – mit Hilfe von Kritiken, Fotos, Stummfilmen und Polizeiberichten – Tänze und Performances, die für eine Gesellschaft, die gerade den Ersten Weltkrieg hinter sich hatte, radikal und provokativ waren.
Was bleibt von diesen legendären Performances, die durch den aufkommenden Konservatismus am Ende der Weimarer Republik zensiert und verboten wurden? Wie können wir eine Kunst rekonstruieren, wenn wir nur wissen, was in Polizeiberichten steht? Wie viel von der Kunst, die wir heute schaffen, wird morgen zensiert und verschwunden sein?
Weitere Infos & Tickets
- Maxim Gorki Theater
- Am Festungsgraben 2
- 10117 Berlin
- TAGESKASSE
- Am Festungsgraben 2 (im Foyer)
- Mo–Sa: 12–18:30 Uhr
- So/Feiertag: 16–18:30 Uhr
- ABENDKASSE
- Am Festungsgraben 2 (im Foyer)
- Eine Stunde vor Vorstellungsbeginn
- Telefon: 030 20221-115
- (Fax -128)
- E-Mail: ticket@gorki.de
- Besucherservice
- Markus Bäuerle / Laura Landsberger (Leitung Kasse/Vertrieb)
- besucherservice@gorki.de
Historische Figur: Anita Berber
Anita Berber (1899–1928) war eine der schillerndsten und radikalsten Künstlerinnen der Weimarer Zeit – Tänzerin, Schauspielerin, Dichterin, Provokateurin und Symbol einer ganzen Ära.
Sie wurde in Leipzig geboren und wuchs in Berlin auf. Schon früh suchte sie die Bühne: erst als Ausdruckstänzerin, bald als Schauspielerin im Stummfilm. Doch berühmt – und berüchtigt – wurde sie vor allem für ihre ekstatischen, erotisch aufgeladenen Tanzperformances, die Tabus brachen und die Grenzen zwischen Kunst, Körper und Rausch ausloteten.
Ihre Auftritte – oft nackt oder in transparenten Stoffen, begleitet von düsteren Themen wie Tod, Drogen, Sexualität und Dekadenz – waren Ausdruck einer Generation, die nach dem Ersten Weltkrieg nach neuen Formen des Lebens und Fühlens suchte. Sie verkörperte eine androgyne Sinnlichkeit, die bis heute fasziniert.
Berber lebte exzessiv: Sie tanzte in Clubs und Kabaretts, schrieb Gedichte („Tanz des Lasters, des Grauens und der Ekstase“), bewegte sich zwischen Drogenexzessen, Skandalen und intensiven Liebesbeziehungen – mit Männern und Frauen.
Ihr Leben endete früh: Mit nur 29 Jahren starb sie an Tuberkulose, ausgelaugt vom Rausch, der sie berühmt gemacht hatte. Doch ihr Einfluss blieb – sie wurde zur Ikone des Expressionismus und der queeren Subkultur.
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Die performte Reality oder die Leere des modernen Marketings
Wir performen Echtheit, bis sie verschwindet: Warum das Lächeln der Marketingwelt so leer klingt – und was das über uns und unsere Zeit verrät.
Es ist ein vertrautes Schauspiel. Ein lächelndes Team beugt sich über Laptops, ein Flipchart mit aufsteigendem Graphen im Hintergrund. Darunter ein Text, der klingt wie eine Motivationsrede im PowerPoint-Format: „Wir performen Zukunft – holistisch, sustainable, emotional.“ Die Menschheit könnte an dieser Stelle lachen, wäre es nicht so symptomatisch asynchron zur Realität.
Diese Sprache – reich von Synergien, Stakeholdern, Purpose und Flexibilität – ist längst zur Kunstform des Inhaltslosen geworden. Sie tut so, als würde sie die Welt erklären, doch sie beschreibt nur den Spiegel ihrer eigenen Oberfläche.
Sie spricht von Werten, wo eigentlich nur Wertschöpfung gemeint ist. Oder von Menschen, wo es um Märkte geht, und von Emotionen, wo nur Strategie herrscht.
Die Poetik der Worthülse
Das Vokabular dieser Kommunikationswelt ist faszinierend in seiner Hohlheit. Jedes Wort – „Impact“, „Inspiration“, „Impulse“, „vertical“, „Lead“ – klingt nach Bewegung, nach Fortschritt, nach Zukunft. Doch die Worte laufen ins Leere, wie auf Hochglanz polierte Ballons, die langsam an der Zimmerdecke hängen bleiben.
Was hier geschieht, ist nicht Kommunikation, sondern Simulation von Bedeutung. Die Sprache des Marketings hat sich von ihrer ursprünglichen Aufgabe – etwas mitzuteilen – gelöst. Aktuell dient sie nur noch dem Zweck, eine Atmosphäre von Sinn zu erzeugen, wo keiner ist. Sie will das Gefühl von Tiefe vermitteln, während sie den Grund unter den Füßen abschafft.
Innerhalb kürzester Zeit erzielt ein solcher inhaltsloser Artikel mehr Impressionen, als ein mit Herzblut geschriebener Text einer realen Person. Schaffen wir uns dank KI und KPIs mit diesem sinnentleerten Bla-Bla selbst ab?
Das Lächeln der Effizienz
Das dazugehörige Stockfoto-Teamlachen ist dabei kein Zufall. Es ist der visuelle Ausdruck derselben Ideologie: Die Menschen lachen nicht, weil sie Freude empfinden. Sie lachen gezwungenermaßen, weil die Kamera läuft. Oder weil es die Stellenausschreibung vorgibt.
Es ist das institutionalisierteste aller Lächeln: das Lächeln der Corporate Happiness, die zum Standard geworden ist. Während Authentizität zur neuen Währung des Erfolgs erklärt wurde.
Dieses Lächeln sagt: „Wir lieben, was wir tun.“ Aber es bedeutet: „Wir müssen lieben, was wir tun – sonst performen wir nicht.“ Und so wird Emotion selbst zur Ressource, zur Pflicht, zur Messgröße.
Die Ideologie des „Purpose“
In diesem Kosmos darf nichts mehr einfach nur funktionieren – es muss sinnstiftend sein. In der Realität ist es weder das eine, noch das andere. Der „Purpose“ ist das neue Evangelium, die Missionserklärung die moderne Liturgie. Agenturen, Konzerne, Start-ups – alle sprechen davon, „Menschen zu inspirieren“ und „Zukunft zu gestalten“.
Doch selten wird gefragt, wer diese Zukunft eigentlich gestaltet, und für wen. In Wahrheit ist diese Sprache das ästhetische Feigenblatt eines Systems, das keine rhetorischen Pausen kennt. Ein System, das Selbstoptimierung predigt, während es Erschöpfung produziert; das Verbundenheit beschwört, während es Vereinzelung perfektioniert.
Die Krise der Bedeutung
Das Tragische – und zugleich Komische – daran ist: Diese Texte meinen es oft ehrlich. Sie sind Ausdruck eines kollektiven Versuchs, in einer fragmentierten Welt Bedeutung zu rekonstruieren. Doch der Versuch scheitert nicht nur an der Form, sondern vor allem am Inhalt.
Ich habe anderthalb Jahre lang mein Leben mit einer Person geteilt, deren Rhetorik genau diesen leeren Worthülsen bedient. “Immer schön bei sich bleiben,” gemeint ist damit, den ganzen Raum einzunehmen. “Perspektive ändern,” und dabei immer wieder dieselbe Platte laufen lassen. “Leadership, means fellowship.”
Nicht mehr als heiße Luft. Je aufgeblasener die Sprache, desto erfolgreicher der Mensch dahinter. Echter Inhalt bleibt dabei zweitrangig, kurzum auf der Strecke liegen.
Denn wo jedes Wort zur Marketingeinheit wird, verliert Sprache ihre Fähigkeit, Wirklichkeit zu beschreiben. So verwandelt sich Kommunikation in Selbstbespiegelung, Sinn in Stil, Authentizität in Pose. Das ist die eigentliche Ironie: Je mehr das Marketing „Echtheit“ beschwört, desto künstlicher wird sie. Dabei erzeugt sie eine Echtheit im synchronen Dauerzustand der Simulation.
Und was bleibt?
Vielleicht bleibt nur das Bedürfnis, endlich wieder ehrlich zu sprechen. Nicht von „Performance“ oder „Excellence“, sondern von Unsicherheit, Suche, Scheitern, Glück. Von dem, was nicht skaliert, nicht monetarisiert, nicht in KPIs messbar ist.
Denn erst, wenn wir aufhören, Inspiration zu performen, können wir wieder anfangen, Bedeutung zu empfinden. Bis dahin bleibt das Lachen der Stockfoto-Teams das stille Symbol einer Zeit, die alles sagen will. Dabei jedoch vergisst, warum überhaupt.
Das Beispiel meines persönlichen KI-arrhoe finden Sie hier.
Taged as/in; Authentizität, Contemporary Culture, Creative Thinkers, Design Of Meaning, Editorial, essay, Essayistik, Feuilleton, Inspiration Overload, Kultur, Leere, Marketingkritik, Performative Culture, Purpose Culture, Purpose Driven, Reflexion, Social Critique, Sprache, Zukunft#writtenby
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Debut EP by Mathilde Tirard – Noro/Marco/Merco
Composer Mathilde Tirard blends Armenian field recordings with electronic textures to craft poetic soundscapes of everyday life.
Mathilde Tirard is a composer and sound engineer trained at the CNSMD in Paris. After accompanying artists such as Popimane, Dramane Dembélé, Dafné Kritharas, and CKRAFT on stage, she developed an intimate and sensory sound style combining field recordings, electronic textures, and real-life stories. Inspired by Nicolas Jaar, Pierre Henry, and Parajanov, Mathilde sculpts sound to express the world in a different way.
Her first EP combines field recordings made in Armenia with precisely sculpted electronic textures. Each track was born from an encounter or a moment captured in real life: a taxi driver, a mass, a conversation, a bath, a shared misunderstanding.
Through a sound collage approach and sensory writing, Mathilde stretches everyday life to create a space for listening and poetry. Conceived as an immersive journey in five stages, the EP also unfolds in the form of sound installations, inviting the audience to experience the music in a direct, collective, and multisensory way.
Artist: Mathilde Tirard
Release: Noro/Marco/Merco EP
Label: Tedri Records
Release Date: Oct 3. 20251. Au milieu des pierres
2. Noro/Marco/Merco
3. Shared pomegranates? Naive thing
4. Can I take a picture?
5. Fade in the rearviewTaged as/in; ambient, Armenia, composer, electroacoustic, Electronic, EP release, Experimental, Field Recording, Installation Art, Mathilde Tirard, new music, Sound Art, sound design, soundscape, Tedri Records#writtenby
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Das Programm des Ukrainian Film Festival Berlin steht fest
Das Ukrainian Film Festival Berlin (22.–26.10.2025) zeigt unter dem Motto „Time We Have Left“ aktuelle ukrainische Filme, Kurzfilme & Retrospektiven.
22.–26. Oktober 2025
Das Ukrainian Film Festival Berlin (UFFB) lädt vom 22. bis 26. Oktober 2025 zu seiner sechsten Ausgabe unter dem Motto „Time We Have Left / Die Zeit, die uns bleibt“ ein. Das Festival präsentiert aktuelle Dokumentar- und Spielfilme aus der Ukraine, einen Kurzfilmwettbewerb sowie ein umfangreiches Spezialprogramm, das dem ukrainischen Film- und Kulturerbe gewidmet ist und filmische Stimmen aus Georgien und Zentralasien einbezieht.
“Das Motto der diesjährigen Ausgabe richtet den Blick auf die Zeit, die uns bleibt – jedoch nicht als eine apokalyptische Geste, sondern als eine Einladung zur Klarheit. Was machen wir mit dieser Zeit? Inmitten eines andauernden Krieges in der Ukraine, der täglich Leben kostet – von Soldat:innen wie Zivilist:innen – und einer Welt im Umbruch, geht es bei diesem Festival nicht um Resignation, sondern um Haltung.
Die ausgewählten Filme verkörpern diese Haltung. Sie stellen sich der Endlichkeit, nicht mit Dramatik, sondern mit Tiefe. Das UFFB 2025 will kein Ort der Verzweiflung sein, sondern ein Raum bewusster Gegenwart.“
Daria Buteiko, Ivanna Kozak und Valentyna Zalevska, die Kuratorinnen des Festivals.zehn aktuelle ukrainische Autorenfilme
Das Hauptprogramm zeigt zehn aktuelle ukrainische Autorenfilme. Darunter sind Werke renommierter Filmemacher:innen. Dazu zählen Mstyslav Chernov, der ein Oscar-Preisträger für 20 Days in Mariupol ist, und Kateryna Gornostai, deren neuer Film Timestamp dieses Jahr im Hauptwettbewerb der Berlinale Premiere feierte.
Die Filme widmen sich den Realitäten eines Landes im Krieg. Sie erzählen von den Soldaten an vorderster Front in 2000 Meters to Andriivka von Mstyslav Chernov. Sie umfassen Frauengeschichten im Krieg wie Cuba & Alaska von Yegor Troyanovsky und My Dear Theo von Alisa Kovalenko. Auch Familienbeziehungen werden gezeigt, wie in Under the Volcano von Damian Kocur und Honeymoon (Gewinner des Albert Widerspiel Preises, Filmfest Hamburg 2025) von Regisseurin Zhanna Ozirna.
Der Eröffnungsfilm Songs of Slow Burning Earth von Olha Zhurba und Werke wie Militantropos oder der überraschend humorvolle Sanatorium aus Odessa zeigen poetische und intime Bilder eines Landes im Ausnahmezustand. Auch die gefeierte Sci-Fi-Geschichte U Are the Universe von Pavlo Ostrikov wird gezeigt.
Kurzfilmwettbewerb und Jury
Nach seiner erfolgreichen Premiere beim UFFB 2024 wird der Kurzfilmwettbewerb mit zwei Programmen fortgesetzt.
Die Jury des Kurzfilmwettbewerbs besteht aus Darya Bassel (Produzentin, Songs of Slow Burning Earth), Nir Ferber (Jüdisches Filmfestival Berlin Brandenburg) und Konstanty Kuzma (East European Film Bulletin).
Retrospektive und Filmreihen
Ein besonderes Programm-Highlight ist die Retrospektive ukrainischer Filme der 1990er Jahre mit Shamara von Nataliia Andrieichenko und The Seventh Route von Mykhaylo Illenko. Die jeweiligen Vorführungen werden von einer Einführung des Filmwissenschaftlers Oleksiy Isakov (Europa-Universität Viadrina) begleitet.
Shamara von Nataliia Andrieichenko Die Reihe „Ukraine: Known Unknown“, die 2023 eingeführt wurde, setzt sich mit vergessenen oder verdrängten Persönlichkeiten der ukrainischen Kultur auseinander. Sie präsentiert Filme wie Yaremchuk: The Incomparable World of Beauty über den legendären Musiker Volodymyr Yaremchuk und Oxygen Station über den krimtatarischen Menschenrechtsaktivisten Mustafa Jemilev.
Stimmen aus Georgien und Zentralasien
Der georgische Filmfokus „Protest(s) Continue“ zeigt Dokumentarfilme über Aktivismus und Widerstand gegen das autoritäre Regime in Georgien. Dieser wurde von Irine Beridze kuratiert. Sie arbeitet am Lehrstuhl für Ostslavische Literaturen und Kulturen der Universität Potsdam. Die Filme werden von einer Diskussion mit den Filmemacher:innen begleitet.
Das Programm „Land, Labor & Legacy: Short Films on (Soviet) Extractivism in Central Asia“ wird von Azem Bekturova kuratiert. Sie ist Kunsthistorikerin und Filmkuratorin. Das Programm untersucht die ökologischen und sozialen Folgen sowjetischer Rohstoffausbeutung in Zentralasien.
Kooperation mit der Bundeszentrale für politische Bildung
In Zusammenarbeit mit der Bundeszentrale für politische Bildung (bpb) präsentiert das Festival das Programm „Dekoloniale Perspektiven“. Es beinhaltet den Film When the Lightning Flashes Over the Sea von Eva Neymann. Außerdem gibt es eine begleitende Podiumsdiskussion.
Darüber hinaus organisiert das Festival in Partnerschaft mit der BpB die Diskussion “Creative Loop and War Documentaries: How Can We Move Beyond the Expected?”, die die Vorstellung von Film Militantropos von Yelizaveta Smith, Alina Gorlova und Simon Mozgovyi am 25.10. begleiten wird. Die Teilnehmer:innen der Diskussionen werden noch bekanntgegeben.
Spielorte und Tickets
Die Filme werden in verschiedenen Berliner Kinos gezeigt. Dazu gehören das Silent Green Kulturquartier, ACUD Kino, Sputnik Kino, Il Kino und Kino in der Königstadt. Auch das Kino im Planetarium, City Kino Wedding, Filmkunst 66 und CineStar Kulturbrauerei zählen dazu.
Tickets sind auf der Festivalwebsite sowie über die Webseiten der teilnehmenden Kinos erhältlich: uffberlin.de
Links:
uffberlin.de
info@uffberlin.de
Instagram: @uff_berlin
Linkedin: Ukrainian Film Festival BerlinTaged as/in; 2025, berlin events, bpb, Documentary Film, Eastern Europe, film festival, UFFB, Ukrainian Cinema, Ukrainian Culture, Ukrainian Film Festival Berlin#writtenby
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Alvisi Kirimoto reimagines the Basilica di Massenzio
Alvisi Kirimoto reimagines Rome’s Basilica di Massenzio—blending history and modernity with a new stage, pathways, and renewed cultural vitality.
Architect and Designer Alvisi Kirimoto reimagines the identity of the Basilica di Massenzio, within the Archaeological Park of the Colosseum, Rome. The international architecture firm Alvisi Kirimoto has designed the new exhibition pathway for the Basilica di Massenzio, commissioned by the Colosseum Archaeological Park. Respecting the site’s immense historical and cultural significance, the project integrates seamlessly and purposefully into one of the world’s most extraordinary contexts.
Though distinctly contemporary, the intervention establishes a meaningful dialogue with the site, redefining its identity and introducing new functions. It strikes a careful balance between memory and modernity, offering a thoughtful reinterpretation of the space.
Following the restoration of the central nave, the project revolves around three key elements: the introduction of a new multifunctional structure designed as a stage, the complete refurbishment of the flooring, and the installation of two informational totems.The stage is the focal point of the intervention
A work that goes beyond a simple installation to become a true cultural instrument. It activates a system of relationships between the monument, its visitors, and the events that bring the space to life.
Positioned in the central hall, the stage reestablishes the transversal connection between the three aisles of the nave, no longer interrupted by steel structures. More than an architectural backdrop, it becomes a dynamic platform. It will host theatrical performances, film screenings, and conferences. This offers a unique and evocative perspective on the Basilica’s monumental remains. It also provides a privileged vantage point from which to admire the site’s magnificent architectural details.
“The new stage is a multifunctional intervention designed for major cultural events, while rigorously respecting the historical and cultural value of the Basilica. It is a contemporary element—clearly legible yet discreetly embedded in its essence and offering a solution that combines functionality with the enhancement of the monument.”
– says Massimo Alvisi, co-founder of the Alvisi Kirimoto architecture studio.Observe the architectural remains
Accessible from all sides, the stage is versatile and inclusive. A stepped seating area at the front offers an open view toward the Horti Farnesiani, while side ramps and staircases facilitate circulation between the aisles. On the north side, a second staircase leads to the apse, allowing visitors to closely observe the architectural remains. Integrated lighting and painted steel railings ensure safety and comfort. Two benches are positioned at the sides of the stage. They offer moments of pause and reflection during guided tours.
Its proximity to a space temporarily designated as dressing rooms, along with new stage access points, facilitates backstage operations, allowing for set design and technical preparations without disrupting the visitor experience.
Constructed using a modular system, the stage combines a steel frame with a Keller grating platform. Its birch plywood paneled surface is rhythmically marked by wooden slats that become denser toward the center—drawing the eye inward, subtly guiding the visitor’s gaze to the heart of the composition, and from there, anchoring attention on the monumental presence of the Basilica.
Understanding the monument
The intervention extends to the forecourt of the Basilica, which has been resurfaced with natural earth and lime flooring, and to the installation of metal informational totems equipped with audiovisual systems to enhance visitors’ understanding of the monument.
Alvisi Kirimoto goes beyond a mere conservation effort to breathe new life into the Basilica di Massenzio. Every element—from the stage to the seating—enhances the site. The flooring and signage transform it into a living, inclusive environment. The intervention preserves historical memory while expanding the possibilities of experiencing the space, reconnecting the monument to the visitor flow of the Roman Forum and offering the public a contemporary reinterpretation of one of Italy’s most iconic cultural heritage sites.
CREDITS
- Project Name: Redevelopment of the visitor route through the Basilica di Massenzio with a new stage that can be transformed into an event space.
Address: Parco archeologico del Colosseo – Clivio di Venere Felice, Rome
Architecture: Alvisi Kirimoto (www.alvisikirimoto.it )
Massimo Alvisi, Junko Kirimoto
Project Team: Massimo Alvisi, Junko Kirimoto
Sara Ciarimboli, Roberto Fioretti
Contractor: Tecnorestauri s.r.l. del Geom. Luigi Vargas - Client: Ministero della Cultura – Parco archeologico del Colosseo
Director: Dr. Alfonsina Russo
RUP: Dr. Francesca Boldrighini
Project Coordinator: Landscape Architect Gabriella Strano
Works Supervisor: Arch. Debora Bravi
Restoration Project: Architects Laura Romagnoli and Guido Batocchioni Associates
Structures: Engineer Marco Peroni
Systems: Engineer Gianpiero Favuzzi
Lighting Design: Architect Carolina De Camillis
Audio-Video: Mediacare Audiovisuals
Design Phase Safety: Architect Paola D’Arcangelo - Dates: Commissioned 2019
Design phase: 2019/2023
Completion: 2025
GFA: Basilica di Massenzio: 5000 sqm
Stage: 500 sqm
Photographer: © Giuseppe Miotto / Marco Cappelletti Studio
MINTLIST.INFO — IG — FB
Copyright © 2025, MINT LIST, All rights reserved
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- Project Name: Redevelopment of the visitor route through the Basilica di Massenzio with a new stage that can be transformed into an event space.
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The Flow of Being – Sumit Mehndiratta @ Galerie-P6-Berlin
Experience The Flow of Being by Sumit Mehndiratta — a vibrant exploration of energy, motion, and creation at Galerie P6 Berlin, Oct 11–Nov 20.
The Galerie-P6-Berlin is pleased to present The Flow of Being, a solo exhibition of works by New Delhi–based artist Sumit Mehndiratta. The exhibition will be on view from October 11 – November 20, 2025, in the gallery and online via Artsy.
The show will open with a Vernissage on October 10, 18:00–21:00 at Gossowstrasse 6, 10777 Berlin.
About The exhibition
Mehndiratta’s practice is inspired by the ever-present flow of energy—the vital force that animates existence. In his work, potential transforms into kinetic energy, movement into creation.
Everything in existence is in flux, constantly shifting and reshaping, and his paintings seize this rhythm through dynamic gestures and evolving techniques. From dripping, dragging, spreading, and pulling paint across the surface, Mehndiratta mirrors the fluidity of energy itself—playful yet profound. His process begins in the subconscious, gathers strength in thought, and pours outward through his body like a waterfall, materializing in movement.
Describing himself as an action painter, he develops patterns through the very energy of his gestures. When tools do not exist to realize his vision, he invents new ones—extending the flow of creativity into the act of making itself.The resulting works pulse with vitality – their large, sweeping strokes echoing a dance between artist and surface.
His vibrant palette, deeply rooted in the colors of his Indian heritage, resonates with cultural symbolism as well as personal meaning. For Mehndiratta, color serves as both language and lifeline. It expresses movement, existential inquiry, and resilience. These are shaped in part by childhood experiences.
Elastic Thoughts, acrylic on canvas, 79 cm x 135 cm, 2025 Underlying the artist’s practice is the principle that energy cannot be created or destroyed. It can only be transferred—from force to force and from vessel to vessel. This universal rhythm, from the swing of a pendulum to the orbit of planets, is given visual form in The Flow of Being. Through each gesture, Mehndiratta captures not only the materiality of paint but also the cosmic continuity of energy itself.
Sumit Mehndiratta – The Flow of Being
10.10 – 20.11.25
Galerie-P6-Berlin
Location
Gossowstraße 6 / Motzstraße
10777 BerlinHours
Wed – Saturday, 12-18h
or by appointmentContact
Copyright (C) 2025 Galerie P6. All rights reserved.
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Reeperbahn Festival 2025: A Stage for the Future of Music
Reeperbahn Festival’s 20th edition lit up St. Pauli with 43,000 visitors, 70 venues & pure unpredictability—music, ideas & togetherness collided.
On a late September evening, the streets of St. Pauli feel like they’re humming with their own frequency. Neon bleeds into cobblestones, queues curl around corners, and the air is heavy with bass lines leaking from club doors. For four days, Hamburg’s notorious entertainment district transforms into something far bigger than itself: a crossroads of music, ideas, and chance encounters. This year marked the 20th edition of Reeperbahn Festival, and the city wore its anniversary like a badge of honor.
43,000 visitors between 70 venues
With around 43,000 visitors spilling between 70 venues, Reeperbahn’s scope is impossible to take in fully. It’s messy, restless, and sprawling by design – part discovery marathon, part industry summit, part street party. You might wander from an intimate church concert to a panel on the rise of AI in music, then stumble into a guerrilla gig that wasn’t even on the schedule. It’s this unpredictability that makes the festival feel alive, a reminder that music thrives on friction and surprise.
Photo: Marvin Contessi “Imagine Togetherness!”
This year’s theme, “Imagine Togetherness!”, was more than a slogan. It seeped into conversations about fair pay for artists, the fragility of small venues, and the cultural stakes of streaming-era homogeny. Panels weren’t just token gestures; they carried the urgency of an industry at a crossroads. The founding of the Live Music Fund Germany felt like a rare, tangible outcome – a solidarity-driven safety net to keep independent live culture alive in uncertain times.
But it was the music – always the music – that brought the ideas to life. Friday belonged to Kraftklub, who hijacked the festival with their “Kiez Tour 2025”. The band played 15 surprise shows in the cramped clubs of St. Pauli, reviving the sweaty, chaotic intimacy that first made live music feel like rebellion. At the Festival Village, Nina Chuba drew thousands with an unannounced set, Zsá Zsá and Jolle turned Thursday night into an impromptu celebration, and across the city, we discovered countless new acts while seeing live artists we already loved – a reminder of Reeperbahn’s unique balance between discovery and affirmation.
Photo: Robin Schmiedebach Photography Anchor International Music Award
The Anchor International Music Award, now in its 10th year, once again pointed toward the future. Chosen by a jury of legends including Laurie Anderson, Suzi Quatro, and Tayla Parx, this year’s winner Mei Semones delivered the kind of unforced charisma that made her feel like an obvious choice. With her band’s hybrid of guitar-driven intimacy and emotional intensity, she represented what Reeperbahn does best: spotlighting artists on the cusp of something bigger, before the industry machine catches up.
Outside the venues, Reeperbahn was as much about atmosphere as programming. The district’s chaos – its street musicians, spontaneous parties, and endless conversations spilling from bars – gave the festival a texture no conference center could replicate. Between official sessions on sustainability and showcases of emerging acts from 30 countries, there was also the simple magic of strangers pressed shoulder to shoulder, hearing something new together for the first time.
Collide sessions
If past editions sometimes felt like a competition for attention, this 20th anniversary leaned into something subtler: collectivity. Whether through industry collaborations like the Collide sessions (soon to appear on YouTube and ARTE) or the festival’s commitment to gender balance in its curated line-up (56% FLINTA*), Reeperbahn reminded its community that progress in music doesn’t happen in isolation.
Photo: Dominik Friess Another highlight came from the country and city takeovers, which turned parts of St. Pauli into windows onto different musical worlds. We especially loved the Austria, Switzerland, Estonia, Korea and Berlin showcases, each bringing a distinct energy and aesthetic.
By the time the final notes faded on Saturday night, it was clear that the festival had accomplished something rare: it managed to be both a mirror of the industry’s anxieties and a celebration of music’s connective power. As Richard Burgess of A2IM put it, perhaps a little boldly, “Reeperbahn Festival has now grown to be the most important event for our industry worldwide.”
For now, the future is already calling – early bird tickets for 2026 are on sale at €139 – but the afterglow of 2025 lingers. What remains isn’t just the memory of the concerts or events we got to attend, but the sense of togetherness that pulsed through St. Pauli: a messy, unpredictable, deeply human celebration of why music still matters.
Taged as/in; 20th edition, Anchor International Music Award, anniversary, Artists, community, Concerts, creativity, culture, discovery, energy, Festival, future, gigs, Hamburg, Imagine Togetherness!, Industry, inspiration, live, Music, nightlife, Panels, reeperbahn festival, Reeperbahn Festival 2025, StPauli, togetherness#writtenby
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Activity FM AFM003: UK Techno Meets Spanish Electro Energy
Activity FM drop AFM003: UK techno meets Spanish electro in a raw 4-track VA with Jerome Hill, Luke’s Anger, Dark Vektor & Computer Madness.
Activity FM return with their 3rd release – bringing together the sounds of UK techno and Spanish electro on this next VA EP. AFM003 showcases the Bogotá-Berlin collective’s effort to present music from diverse corners of club music. This new release is a four-track display of raw, analog-driven electro and techno energy.
Jerome Hill
Jerome Hill is up first, long established DJ famed for his turntablism meets techno style since the 90’s and boss of Super Rhythm Trax and Don’t. ‘Baptised’ is tough from the off, launching in off classic rave stabs with an unforgiving, system punching kick drum.
Luke’s Anger
Next up is Luke’s Anger, the second UK artist repping here and one closely tied to Hill – launching his own releases off Don’t in 2008. Here he fuses his classic sound with Chicago House influences. The result is a sharp and punchy techno jacker titled ‘Babe You Don’t Have Time’.
Dark Vektor
The next half of the EP is turned over to two talents from the Spanish world of classic vocoder electro. Gente Seria Baila Chandal co-founder and Spanish Electro legend Dark Vektor’s offering ‘Recorreindo El Trayecto’ is the perfect example of dark electro funk. Laden with gliding synths and sci fi Spanish vocals it comes with a touch of pure class and bounce.
Computer Madness
Closing things out is elusive Madrid based producer Computer Madness with his hardware analogue sound. ‘We Orbit’ holds true to this with its tight drum programming, eerie synth stabs and a stripped-back electro groove.
- Releases on digital this October 2nd with its vinyl release to follow in early 2026.
- Release Date: October 2nd, 2025
- Catalog Number AFM003
About Activity FM:
Activity FM is a Bogotá-Berlin collective dedicated to showcasing diverse sounds from the global club scene. Fusing UK techno, Spanish electro, and analog-driven energy, they curate releases that celebrate raw, boundary-pushing electronic music. Each project highlights both established talents and emerging voices, bringing underground club culture to a wider audience.
Taged as/in; 2025, Activity FM, AFM003, berlin, Bogotá, club, Digital, Electro, Music, OCTOBER, release, Spain, techno, UK, VA, vinyl#writtenby
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Patrick Demarchelier exhibition at camera work Gallery
From Sep 27–Nov 15, CAMERA WORK Berlin presents a major solo show of Patrick Demarchelier’s iconic and unseen works. #PatrickDemarchelier
FROM SEP 27 TO NOV 15
Starting Saturday, September 27, 2025, CAMERA WORK Gallery will present a major solo exhibition of the work of Patrick Demarchelier, who passed away in 2022. Over 40 photographic works will expand the view of the artist’s extensive oeuvre. In addition to world-famous photographic icons such as Christy (with Rose) and Christy and Mouse, numerous works will be shown here for the first time.
The exhibition is accompanied by the publication of a major new book, Patrick Demarchelier – Fashion Photographs Seen and Unseen (Rizzoli).
ABOUT THE EXHIBITION
The exhibition is divided into two thematic areas: fashion photography and portraiture. In his fashion works, Patrick Demarchelier transformed fabrics and silhouettes into sculptural compositions of light and movement. His portraits, on the other hand, reveal a special closeness to his subjects. Glenn Close, Paul Newman, Julia Roberts, Angelina Jolie, and Demi Moore do not appear as staged figures.
Instead, they are depicted with an authenticity that makes his work timeless. Models such as Christy Turlington, Kate Moss, and Gisele Bündchen are also part of these multi-layered works, in which personality and elegance merge into artistic reality.
His collaborations with Christy Turlington defined a central chapter in his career. Their joint works are among the icons of fashion photography, combining timeless beauty, expressiveness, and subtle sensuality. Patrick Demarchelier knew how to combine technical precision with emotional depth. His works are visually powerful and sensitive in their expression, carried by a keen sense for the subtle nuances of personality.
ABOUT PATRICK DEMARCHELIER
Patrick Demarchelier (1943–2022) began his artistic career in Le Havre, France, and developed a keen understanding of light, composition, and visual language at an early age. After working in Paris and New York, he created works for international magazines such as Vogue, Elle, Glamour, and Rolling Stone, as well as for renowned fashion and jewelry houses such as Chanel, Dior, Armani, and Yves Saint Laurent.
With his ability to combine elegance and expressiveness, he had a lasting impact on fashion photography and made his visual language a reference point for subsequent generations of photographic artists. Through his sensitivity to detail, expression, and composition, he blurred the boundaries between fashion photography and artistic portraiture. His works are exhibited in museums worldwide and are found in important public and private collections.
SELECTED WORKS FROM THE EXHIBITION
1 PATRICK DEMARCHELIER
CHRISTY AND MOUSE 1999Toned Gelatin Silver Print
Signed by the artist60 x 50 cm (Ed. of 20)
134 x 114 cm (Ed. of 8)
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2 PATRICK DEMARCHELIER
BRAD PITT 2004Archival Pigment Print
Signed by the artist60 x 50 cm (Ed. of 20)
136 x 110 cm (Ed. of 8)
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3 PATRICK DEMARCHELIER
GISELE BÜNDCHEN 2003Archival Pigment Print
Signed by the artist60 x 50 cm (Ed. of 20)
136 x 110 cm (Ed. of 8)
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4 PATRICK DEMARCHELIER
ANTHONY HOPKINS 1998Toned Gelatin Silver Print
Signed by the artist60 x 50 cm (Ed. of 20)
120 x 120 cm (Ed. of 5)
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5 PATRICK DEMARCHELIER
ANGELINA JOLIE (TALK MAGAZINE) 1999Archival Pigment Print
Signed by the artist140 x 112 cm (Ed. of 8)
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CAMERA WORK Gallery
Kantstrasse 149
10623 Berlin
Tuesday to Saturday
11 a.m. to 6 p.m.Tel.: +49 (0)30 3100776
Email: sales@camerawork.de
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