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Neun Kelche goes Künstlerhaus Bethanien: Melanie Jame Wolf
Textile thresholds, mythic duality & performative space — Melanie Jame Wolf invites you to cross over in »A stage she’s going through«.
A stage she’s going through – Melanie Jame Wolf
11. April – 15. Juni 2025
Die Ausstellung findet statt im:
Künstlerhaus Bethanien
Kottbusser Straße 10
10999 BerlinERÖFFNUNG // Künstlerhaus Bethanien
10. April 2025, 19 Uhr
20 Uhr: Performance Janus! Janus! Door! Door! von Melanie Jame Wolf, MINQ und Ania Nowak
Die Ausstellung A stage she’s going through bildet den Auftakt des Projektes Becoming B und präsentiert eine Installation von Melanie Jame Wolf, die 2020-21 Stipendiatin im Künstlerhaus Bethanien war. Die Künstlerin erschafft eine Installation aus textilen ‘Thresholds’, aus Schwellen, die das Publikum dazu einladen, sich durch sie hindurch zu bewegen.
Wie die doppelköpfige Janusfigur aus der römischen Mythologie haben die textilen Skulpturen ein Doppelgesicht.
Es kann jedoch immer nur ein Gesicht betrachtet werden. Das Publikum muss die Schwelle überschreiten, um das andere zu sehen. In Zeiten einer zunehmend gespaltenen Gesellschaft fordern uns diese Skulpturen dazu auf, über die Bedeutung der eigenen Positionierung nachzudenken. Gleichzeitig zeigt sich darin, dass die Art und Weise, wie wir uns in der Welt inszenieren, sowohl spielerisch als auch folgenreich sein kann.
Räumlich greift Melanie Jame Wolf in ihren Skulpturen Formen des Proszeniums auf, des dekorativen Bogens, der oft traditionelle Theaterbühnen rahmt, und bezieht sich dabei auf ihre Erfahrungen in der darstellenden Kunst. Die Ausstellung gibt Raum zur Kontemplation, gibt den Gefühlen der Ungewissheit eine Bühne. Am Eröffnungsabend wird sie zur performativen Bühne: Gemeinsam mit Ania Nowak und MINQ zeigt Melanie Jame Wolf die Performance Janus! Janus! Door! Door!.
Die Kuratorinnen Kira Dell und Laura Seidel zeigten bereits 2024 Arbeiten von Melanie Jame Wolf in ihrem Projektraum Neun Kelche und führen nun die Kollaboration auf Einladung der künstlerischen Leiterin des Künstlerhaus Bethanien, Antje Weitzel, fort: Für die Ausstellung erarbeiten sie den gemeinsamen Text A Staircase. A Threshold. A Door., der bei einer Leseprobe vorgestellt wird. Eine Lesung von Fatma Aydemir aus ihrem Roman Dschinns mit einem Fokus auf Schwellenzustände rundet das Programm ab. Im Anschluss folgt ein Gespräch mit der Künstlerin und den Kuratorinnen.
Events
Lesung von Fatma Aydemir aus Dschinns mit anschließendem Gespräch
22. Mai 2025, 19 Uhr
A Staircase. A Threshold. A Door.
04. Juni 2025, 19 Uhr
Leseprobe mit Kira Dell, Laura Seidel, Melanie Jame Wolf
A stage she’s going through – Melanie Jame Wolf
April 11 – June 15, 2025
Exhibition at Künstlerhaus Bethanien
Kottbusser Straße 10
10999 Berlin
Photo: Melanie Jame Wolf, Ballads of Outlaw Feelings, 2025, Foto: Mayra Wallraff. OPENING//Künstlerhaus Bethanien
April 10, 2025, 7 pm
8 pm: Performance Janus! Janus! Door! Door! by Melanie Jame Wolf, MINQ and Ania Nowak
The exhibition A stage she’s going through marks the beginning of the project Becoming B and presents an installation by Melanie Jame Wolf, who herself was a fellow at Künstlerhaus Bethanien in 2020-21. The artist creates an installation of textile Thresholds that invite the public to move through them.
Like the double-headed Janus figure from Roman mythology, the textile sculptures are double-faced. Yet only one face can be viewed at a time, one must chance crossing the Threshold to see the other. In times of an increasingly divided society, these sculptures challenge us to consider the importance of positioning ourselves, that how we stage ourselves in the world is both playful and consequential.
Spatially, Melanie Jame Wolf creates proscenium forms, drawing from her experience in performance, referring to the decorative arches that often frame traditional theatre stages. The exhibition provides space for contemplation and gives a stage to feelings of uncertainty. On the opening evening it becomes a performative stage: Together with Ania Nowak and MINQ, Melanie Jame Wolf will present the performance Janus! Janus! Door! Door!.
The curators Kira Dell and Laura Seidel previously showed works by Melanie Jame Wolf in their project space Neun Kelche in 2024. They are now continuing this collaboration at the invitation of Antje Weitzel, the artistic director of Künstlerhaus Bethanien.
For the exhibition, they are creating the joint text A Staircase. A Threshold. A Door, which will be presented at a table read. A reading by Fatma Aydemir from her novel Djinns with a focus on threshold states will round off the program. The reading will be followed by a talk with the artist and the curators.
Events:
Reading by Fatma Aydemir from Djinns, followed by a conversation.
May 22, 2025, 7 pm
A Staircase. A Threshold. A Door.
June 4, 2025, 7 pm
Table read with Kira Dell, Laura Seidel, Melanie Jame Wolf
We are very much looking forward to seeing you all at the exhibition!
Neun Kelche
www.neunkelche.de
prost@neunkelche.deText and Imagery © 2025 Neun Kelche
Taged as/in; »A Stage She’s Going Through«, »Becoming B«, Ania Nowak, Art Exhibition, Berlin Art Scene, contemporary art, Fatma Aydemir, Installation Art, Janus Janus Door Door, Künstlerhaus Bethanien, Melanie Jame Wolf, MINQ, Mythologie, Neun Kelche, Opening Night Berlin, Performance Art, Roman, Textile Art, Thresholds#writtenby
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Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt @ Gropius Bau
Erste umfassende Einzelausstellung von Vaginal Davis in Deutschland: 21.3.–14.9.2025 im Gropius Bau. Eröffnung mit DJ-Set am 20.3., 19–22 Uhr, Eintritt frei.
21. März bis 14. September 2025
Eröffnung: 20.3.2025, 19:00–22:00
Freier Eintritt zur Ausstellung und DJ-Set20 Jahre nachdem die Künstlerin, Autorin und Performerin Vaginal Davis von Los Angeles nach Berlin zog, zeigt der Gropius Bau die erste umfassende Einzelausstellung ihres Werks in Deutschland. In ihrem wegweisenden Schaffen verbinden sich Punk und Glamour, queerer Aktivismus und Schwarze Gegenkultur sowie Widerstand und Begehren.
Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt präsentiert die gesamte Bandbreite ihres Schaffens und stellt gleichzeitig Ms. Davis’ zahlreiche künstlerische Zusammenarbeiten – unter anderem mit dem Berliner Kunstkollektiv CHEAP und dem New Yorker Künstler Jonathan Berger – in den Mittelpunkt. Die Ausstellung umfasst Malereien, Video- und Filmarbeiten, Zines, Texte, Musik und Performances mit Arbeiten, die von 1985 bis 2025 entstanden sind. Die Werke werden in sieben großformatigen Installationen im Erdgeschoss des Gropius Bau gezeigt.
„Wir sind begeistert, Vaginal Davis wieder bei uns begrüßen zu dürfen. Bereits 2019 war sie mit ihrer ersten institutionellen Schau im Gropius Bau zu sehen. Nun bekommt sie mit einem Überblick ihrer Arbeiten aus über fünf Jahrzehnten endlich die Bühne, die sie verdient. Ihre künstlerische Praxis fand immer außerhalb traditioneller Kategorien und Konventionen von Kunst statt und fordert diese bis heute heraus. Im Geiste dieses Punk-Spirits starten wir in unser Frühjahrsprogramm und verfolgen weiter unsere Vision: neu zu denken, was ein Ausstellungshaus sein kann – und für wen es da ist.“
Jenny Schlenzka, Direktorin des Gropius BauMilitanz der Black Panthers
Vaginal Davis ist ein lebendes Kunstwerk – Performerin, Autorin und Schöpferin ikonischer Zines, bildende Künstlerin und experimentelle Filmemacherin. Als selbsternannte Blacktress und Drag-Terroristin, Klatschkolumnistin, einflussreiche Person des öffentlichen Lebens und Lehrende ist sie eine wichtige Stimme queerer, Schwarzer Gegenkultur.
Seit den 1970er Jahren erweitert sie mit ihrem Schaffen die Grenzen von Kunst, Musik und Performance. Inspiriert von der Militanz der Black Panthers, die in den Vereinigten Staaten für soziale Gerechtigkeit kämpften, benannte sie sich nach der Feministin und Black-Power-Aktivistin Angela Davis, die ebenfalls eine ganz besondere Beziehung zu Berlin hat.
Frühe Punk-Ära
Ann Summa, ¡Cholita! (links nach rechts: Melanie Sparks, Fertile La Toyah Jackson, Vaginal Davis, Webmaster, Alice Bag), c. 1990, Foto © Ann Summa, Courtesy: die Künstlerin In Los Angeles geboren und aufgewachsen, wurde Vaginal Davis in den 1980er Jahren zur Mitbegründerin der queeren Punk-Szene der Stadt. Ende der 1970er Jahre gründete Ms. Davis die Afro Sisters (die später als Vorgruppe für Happy Mondays und The Smiths auftrat). Es folgten weitere Bands, darunter ¡Cholita! The Female Menudo (mit Alice Bag), die Speed-Metal-Thrash-Band Pedro, Muriel and Esther (kurz: PME, produziert von Steve Albini) sowie black fag (mit Bibbe Hansen, produziert von Kim Gordon und Beck).
Vaginal Davis war eine zentrale Figur der sogenannten „Homocore“-Szene, die den Punk in seiner weißen, heterosexuellen Ausrichtung parodierte und herausforderte – und sich gleichzeitig dem normativen Ansatz des schwulen Mainstreams verweigerte. Während der Auftritte ihrer, wie sie es nannte, „multiracial, maxi-gendered“ Bands, schuf Ms.
Davis ihre ganz eigene Mythologie, ein Wechselspiel zwischen (Dis-)Identifikation, Fiktion und Gesellschaftskritik. Sie verbreitete ihre Botschaft durch Kunst- und Musiknetzwerke sowie durch ihre selbst herausgegebenen Zines. Schon bald spielte sie vor einem immer größer werdenden Publikum, auf den Bühnen von Nachtclubs und Punk-Venues.
Typologie der Gegenkultur
Zu Beginn der HIV/AIDS-Epidemie und als LGBTQIA+-Rechte so gut wie keine Rolle spielten, schuf Ms. Davis eine radikale Alternative für die Punk- und Queer-Bewegung sowie für alle Menschen, die außerhalb des gesellschaftlichen Mainstreams lebten. Ihrer eigenen Aussage zufolge war Vaginal Davis „zu schwul für die Punkszene und zu punkig für die Schwulen“.
Sie wurde zur Verkörperung des disruptiven und destabilisierenden „Terrorist Drag“, verband Freude mit Widerstand und vertrat eine antinormative, antikapitalistische Punk-Ästhetik. Von der berüchtigten HAG Gallery (1982–1989) über ihre Bandprojekte bis hin zu selbstgedruckten Fanzines und ausgefallenen Kunstveranstaltungen: Die Projekte von Ms. Davis waren in aller Munde und schon bald legendär.
Riot-Grrrl-Szene
Club Sucker (1994–1999) – ihre sonntagnachmittägliche Punk- und Performance-Reihe im Stadtteil Silver Lake – bot aufstrebenden Künstler:innen, Bands, Performer:innen und Außenseiter:innen der Kunst- und Underground-Szene von Los Angeles eine Bühne und zog ein vielfältiges, unkonventionelles Publikum an. Schon bald wurde Ms. Davis zur Muse und Inspiration für kulturelle Größen wie die Choreografin Pina Bausch, den Modedesigner Rick Owens, Künstler:innen wie Wu Tsang und Catherine Opie sowie für die entstehende Riot-Grrrl-Szene.
Alles kulturell Faszinierende und Interessante hat seinen Ursprung in der Halbwelt der Schwarzen Queer-Community. Danach wird es von den heterosexuellen Schwarzen adaptiert und schließlich in die dominante Popkultur übernommen.
Vaginal DavisBerlin
Nachdem Ms. Davis regelmäßig mit dem Berliner Kunstkollektiv CHEAP zusammengearbeitet hatte, zog sie im Jahr 2005 in die deutsche Hauptstadt. Von hier aus wirkt sie bis heute als Protagonistin und Organisatorin in unterschiedlichen kulturellen Bereichen – von internationalen Lehraufträgen, transdisziplinären Projekten, Performances und Ausstellungen ihrer Arbeiten in verschiedenen Kontexten.
Vaginal Davis, The Wicked Pavilion, 2024, Installationsansicht, Vaginal Davis: Magnificent Product, Moderna Museet © Vaginal Davis, Foto: My Matson/Moderna Museet
Die AusstellungWest-Berliner Wohnung und ihrem Atelier
Seit 2007 kuratiert und moderiert sie die Filmreihe Rising Stars, Falling Stars im Arsenal – Institut für Film- und Videokunst e.V. Auf ihre eigene, unvergessliche Art präsentiert sie seltene Fundstücke, Klassiker und Perlen der Filmkunst. Ein Großteil ihrer besonderen Einführungstexte wurde in einem Reader veröffentlicht. Zwischen ihrer West-Berliner Wohnung und ihrem Atelier im Osten der Stadt wird sie immer wieder von der Textur der deutschen Hauptstadt inspiriert.
„Meine Berliner Vorbilder sind die geniale Filmemacherin Ulrike Ottinger, die großartige, leider verstorbene Birgit ‚I Will Make You Sweat‘ Hein und ihr Ex-Ehemann, der Experimentalfilm-Guru Wilhelm Hein. Berlin ist schön, aber trostlos, genau wie die offizielle Schwesterstadt Los Angeles. Die ‚Distanziertheit‘ der Berliner:innen stört mich nicht. Ich mag es, dass man bei den Menschen hier immer weiß, woran man ist. Es gibt nicht diese erzwungene Vertrautheit und die oberflächlichen Nettigkeiten, für die Los Angeles als Zentrum der banalen Unterhaltungsindustrie bekannt ist. Der graue, wolkenverhangene Himmel und die mürrische Berliner Unverblümtheit sind mir allemal lieber.“
Vaginal DavisFabelhaftes Produkt besteht aus sieben großen Installationen, in denen Geschichten miteinander verflochten sind, die sich auf diversen Bühnen, in pulsierenden Nachtclubs und privaten Galerien abgespielt haben. Vervielfältigt und verbreitet wurden sie durch die Xerox-kopierten Seiten von Zines und umfangreiche Korrespondenzen, die sowohl in Los Angeles als auch in Berlin entstanden. Die Installationen inszenieren das mannigfaltige Archiv von Ms. Davis auf neue Weise, reinterpretieren die Dynamiken ihrer künstlerischen Praxis – und setzen sie in Beziehung zu drängenden Fragen der Gegenwart.
Materialien aus dem umfangreichen Archiv
Eine dieser Installationen ist der Carla DuPlantier Cinerama Dome (2024), benannt nach Ms. Davis’ Cousine Carla „Maddog“ DuPlantier von der Band The Controllers, die sie in die Punk-Szene von Los Angeles einführte. Die Installation von Ms. Davis greift die ikonische Architektur des Cinerama Dome am Sunset Boulevard aus den 1960er Jahren auf und zeigt frühe Filme der Künstlerin.
Einige dieser Filme enthalten Aufnahmen ihrer progressiven Punk-Konzerte und Nachtclub-Auftritte aus den 1990er Jahren und thematisieren ihre Rolle im queeren Underground von Los Angeles. Begleitet werden diese Arbeiten von ausgewählten Materialien aus dem umfangreichen Archiv von Ms. Davis.
Viele Werke von Vaginal Davis enthalten gesellschaftskritische Kommentare in einem skurrilen, unkonventionellen Stil:
In ihrem No-Budget-Video That Fertile Feeling (1983) verkörpern Vaginal Davis und Fertile La Toyah Jackson zwei Frauen am Rande der Gesellschaft. Das Werk wurde zunächst von Filmfestivals abgelehnt, gilt inzwischen aber als Kultklassiker und wirft einen kritischen Blick auf die US-amerikanische Gesellschaft und den eingeschränkten Zugang zu medizinischer Versorgung von Menschen, die in Bezug auf race, Geschlecht und Klasse Diskriminierung erfahren. Ihr wegweisender Film The White to be Angry (1999) hinterfragt Konstruktionen und Sehnsüchte rund um die Kultur der weißen Vorherrschaft und wirft ein scharfes Schlaglicht auf den Rechtsextremismus in den USA – ein Thema, das heute relevanter denn je erscheint.
Lesbische Häuslichkeit und totemistische Skulpturen aus Brotteig
Die Installation HAG – small, contemporary, haggard (2012/2024) ist eine Hommage an die HAG Gallery, die Ms. Davis 1982 in ihrer damaligen Wohnung am Sunset Boulevard 7850 in Hollywood eröffnete. In den sieben Jahren ihres Bestehens präsentierte HAG vor allem Werke von Personen, die sich selbst nicht als Künstler:innen betrachteten und keine Kunsthochschule besucht hatten – von Musiker:innen wie Alice Bag und Colleen Pancake bis zu Schauspieler:innen wie John Drew Barrymore und Holly Woodlawn.
Im Gropius Bau zeigt Ms. Davis’ charakteristische Kosmetik- und Temperamalereien von „Frauen, gefangen in den Körpern von Frauen“, Tapeten-Collagen über lesbische Häuslichkeit und totemistische Skulpturen aus Brotteig. All diese Arbeiten von Ms. Davis entstanden in Berlin.
Wünsche und Fantasien eines Mädchens…
The Wicked Pavilion (2021) führt die Besucher:innen tiefer ins Universum von Vaginal Davis: In der Fantasia Library entwirft Ms. Davis ihr eigenes Selbstporträt als Schriftstellerin und huldigt in einem Pantheon weiblicher Autorinnen zugleich ihren literarischen Vorbildern. Im zweiten Raum, dem in Josephine-Baker-Pink gehaltenen Tween Bedroom, offenbart sie sich selbst durch die Wünsche und Fantasien eines Mädchens kurz vor dem Eintritt ins Teenageralter; den Mittel- und Höhepunkt bildet dabei ein überdimensionaler Dildo in einem rotierenden Bett.
In der Installation Naked on my Ozgoad: Fausthaus – Anal Deep Throat (2024/2025) unterstreicht Vaginal Davis ihre lebenslange Faszination für die 13 Bände umfassende Oz-Reihe von Autor L. Frank Baum und Illustrator John R. Neill. Das neue Multimedia-Werk entstand in Zusammenarbeit mit dem Künstler Jonathan Berger.
Fiktive Bekenntnisliteratur und Kolumnen für die Klatschspalten der Boulevardpresse
Die Installation HOFPFISTEREI gewährt einen Einblick in Ms. Davis’ Schreibpraxis – von ihrer Zeit als Teenager-Korrespondentin in Los Angeles über ihre legendären Zines bis hin zu ihren späteren Jahren als „Friction Writer“. Die Präsentation umfasst eine Vielzahl von Genres – Lyrik, journalistische Langformen, fiktive Bekenntnisliteratur und Kolumnen für die Klatschspalten der Boulevardpresse. Sie reflektiert die dynamische Wandelbarkeit der Künstlerin zwischen urbanem Nachtleben, akademischen Vorlesungen und Kunstgalerien.
Verschiedenen Formate verweisen auch auf die unterschiedlichen Verbreitungs- und Zirkulationskanäle, die Ms. Davis im Laufe der Jahrzehnte genutzt hat und die den Weg für zahllose digitale selbst herausgegebene Ausgaben ebneten. Speaking from the Diaphragm, Ms. Davis’ langjähriges Online-Tagebuch, entstand in den Anfängen des Internets, lange bevor das Bloggen populär wurde.
CHEAP
Als neuestes Werk präsentiert das Berliner Kunstkollektiv CHEAP die Video-, Sound- und Objektinstallation Choose Mutation, mit Fotografien von Annette Frick (Konzept von Susanne Sachsse, Marc Siegel und Martin Siemann). Das titelgebende Video Choose Mutation kombiniert gefundenes und selbstproduziertes Filmmaterial zu einer dystopischen Collage über Paranoia und die Auswirkungen sozialer und politischer Kontrolle auf Sprache und Körper.
Der Titel ist inspiriert von dem Artikel Learning from the Virus des Schriftstellers und Philosophen Paul B. Preciado aus dem Jahr 2020 – einer Reflexion über die politischen Dimensionen von Krankheit, Immunität und Gemeinschaft. Die Installation wird von neun überlebensgroßen Schwarz-Weiß-Fotografien von Annette Frick begleitet, darunter Porträts der Mitglieder von CHEAP aus einigen ihrer frühesten Projekte wie dem CHEAP Klub.
Vergnügen, Politik und Laune, Ästhetik und Sex
Das Kunstkollektiv CHEAP wurde 2001 in Berlin gegründet. Die Praxis von CHEAP umfasst Performances, Videos, Festivals, Konzerte, Installationen und Radiosendungen. In all ihren Formaten verbinden sie Theorie und Vergnügen, Politik und Laune, Ästhetik und Sex. Das Kollektiv arbeitet häufig mit Künstler:innen aus verschiedenen Disziplinen zusammen, unter anderem mit Jonathan Berger, Bruce LaBruce, Pola Sieverding und Xiu Xiu. Ms. Davis kollaborierte von Anfang an mit der Gruppe, zunächst als Gast, später als wichtiges Mitglied des Kollektivs.
Über Vaginal Davis
Catherine Opie, Vaginal Davis, 1994, C-Print © Catherine Opie, Courtesy: Regen Projects, Los Angeles, Lehmann Maupin, New York, Hong Kong, London and Seoul, und Thomas Dane Gallery, London und Neapel Vaginal Davis wurde in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts im östlichen Teil von Los Angeles geboren, als Tochter einer Schwarz-Kreolischen Mutter und eines mexikanischstämmigen Vaters. Ihre Darbietung in einem Theaterstück in der Grundschule erregte die Aufmerksamkeit der lokalen Presse, sie nahm an dem Bildungsprogramm Mentally Gifted Minors teil und veranstaltete im Alter von acht Jahren in der Pio Pico Library, Los Angeles, ihre erste Ausstellung über die berühmten Oz-Bücher von L. Frank Baum. Inspiriert von der Militanz der Black Panthers, die für soziale Gerechtigkeit in den Vereinigten Staaten kämpften, benannte sich Vaginal nach der feministischen Polit-Aktivistin Angela Davis und schrieb damit ihren Namen für immer in die Geschichte ein: Vaginal Davis.
Credits
Vaginal Davis: Fabelhaftes Produkt ist organisiert vom Moderna Museet, Stockholm, in Zusammenarbeit mit dem Gropius Bau, Berlin, und MoMA PS1, New York.
Die Ausstellung im Gropius Bau ist kuratiert von Hendrik Folkerts, Kurator für internationale zeitgenössische Kunst und Leiter der Ausstellungen, Moderna Museet, mit Christopher Wierling, Assistenzkurator, Gropius Bau, und Savannah Thümler, Volontärin Direktion, Gropius Bau.
Ausstellungsmanagement Gropius Bau: Filippa Carlini und Katharina Heise, ProjektleitungDie Ausstellung in Stockholm wurde organisiert in Zusammenarbeit mit Eva-Lena Bergström, Nationalmuseum, Anna Efraimsson, MDT, Richard Julin und Therese Kellner, Accelerator an der Universitet Stockholms, Marti Manen und Isabella Tjäder, Index – The Swedish Contemporary Art Foundation, und Cecilia Widenheim, Tensta konsthall.
Katalog
Vaginal Davis: Magnificent Product wird von einer umfangreichen Publikation begleitet. Darin enthalten sind Beiträge renommierter Autor:innen wie Lia Gangitano (Gründungsdirektorin, PARTICIPANT INC, New York), Bojana Kunst (Professorin, Universität Gießen), Elisabeth Lebovici (Kritikerin, Paris) und Troizel (Künstlerin und Schriftstellerin, New York).
Der Katalog enthält außerdem zwanzig Briefe an Vaginal Davis von ehemaligen Mitarbeitenden, Freund:innen und Kompliz:innen wie Künstlerinnen Jonathan Berger und Wu Tsang, dem Kunsthistoriker Darby English, der Schriftstellerin Lisa Teasley und Bandmitgliedern von Xiu Xiu.
Taged as/in; Aktivismus, Angela Davis, ausstellung, berlin, Black-Power, Drag, Filmarbeiten, Gropius Bau, Kunst, Malereien, Musik, performance, Performances, Punk, queer, Schwarze Gegenkultur, Texte, video, Widerstand, Zines#writtenby
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TELARE LA MATERIA: Weaving New Bonds Through Textile Waste
Davide Balda’s “Telare la Materia” transforms textile waste into materials for fashion and architecture, redefining sustainability through design innovation.
By Davide Balda | Archeomaterico
In the realm of sustainable design, Davide Balda‘s project, Telare la Materia, stands out as a beacon of innovation. By repurposing textile waste into functional materials for architecture and fashion, Balda not only addresses environmental concerns but also redefines the lifecycle of fabrics.
Rethinking Textile Waste
The fashion industry, notorious for its substantial environmental footprint, often sees vast amounts of unsold or defective garments relegated to landfills or incinerated, exacerbating pollution and health issues. Telare la Materia challenges this norm by introducing methods to transform these discarded textiles into valuable resources, emphasizing local recycling to reduce the carbon footprint associated with waste exportation.
Building Material: Constructing a Sustainable Future
In the Building Material facet of the project, Balda explores the fusion of ground textile fibers with natural elements like clay residues and geopolymers. This results in two primary composites:
- Vernacular Mix: A blend of textile fibers and clay residues produces natural plasters and tiles suitable for interior applications. These materials offer thermal and acoustic insulation, harnessing the hygroscopic properties of clay to regulate indoor climates effectively.
- Geopolymer Blend: Combining textile fibers with a geopolymer base yields a fire-resistant, waterproof material that absorbs carbon dioxide, presenting a sustainable alternative to traditional cement in construction.
Nuno Felt: A Textile Renaissance
The Nuno Felt technique revitalizes the ancient art of felting by integrating synthetic, plant-based, and animal fibers through a wet felting process. This approach results in a versatile fabric that can be utilized in:
- Fashion: Crafting unique clothing and accessories that embody sustainability without compromising on aesthetics.
- Interior Design: Developing furnishings like curtains and lampshades that not only enhance visual appeal but also contribute to thermal and acoustic insulation.
A Collection Bridging Tradition and Innovation
The products emerging from Telare la Materia exemplify a harmonious blend of traditional craftsmanship and contemporary design. Structural components crafted from the Building Material showcase strength and sustainability, while Nuno Felt items highlight the adaptability and beauty of recycled textiles.
Material Alchemy: Ingredients of Transformation
Central to the project’s success is the thoughtful selection of materials:
- Textile Waste: Repurposing fibers from unsold or defective garments, including polyester, elastane, cotton, linen, and wool.
- Natural Elements: Incorporating clay residues, metakaolin (derived from volcanic ash), marble dust, and potassium silicate to enhance the properties of the final products.
Through Telare la Materia, Davide Balda not only offers a sustainable solution to textile waste but also invites us to reimagine the potential of discarded materials, weaving them into the fabric of our daily lives in innovative and meaningful ways.
Taged as/in; Archeomaterico, Architecture, circularity, Davide Balda, design, felt, geopolymer, innovation, materials, recycling, Sustainability, textiles#writtenby
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Design is Human: Isola Design Festival 2025 – The View
The 9th edition of Isola Design Festival, will welcome visitors during Milan Design Week, from 7th to the 13th of April 2025.
Over the years, and more recently with the launch of its Dubai outpost, Isola has evolved into a global platform by staying true to its origins while embracing fresh perspectives in contemporary design. The 2025 edition pays tribute to these roots with the theme Design is Human, a powerful reflection on the role of people in the design process.
Isola Design Festival 2025 reshapes the role of humanity-driven design
Design should start at a human scale, ultimately enhancing the well-being of both people and the planet. Design is Human highlights the fusion of traditional mastery and digital innovation, reaffirming that human creativity remains at the core of meaningful design.
Bringing together international designers, studios, creators, and manufacturers, Isola Design Festival 2025 champions a humanity-driven approach to design, exploring themes like social impact, environmental responsibility, functional design, locally sourced materials, and the fusion of digital and artisanal crafts – shaping a new, people-centered design movement.
“Design is Human” calls for a deep reflection on the relationship between people and design, to consider how design choices shape our lives, communities, and the environment. True design has to begin with a focus on the human experience and every decision and innovation should be guided by empathy, understanding, and respect for the diverse needs of all people.
Nowadays, designers are asked to do more than simply creating visually appealing or efficient products. They must approach each project with a sense of responsibility, recognizing the broader impact their work has on society and the planet. This means balancing creativity and innovation with a deep commitment to sustainable practices, ensuring that every design solution contributes positively to the environment and future generations.”
Gabriele Cavallaro, co-founder and CEO of Isola Design Group.AT BASICVILLAGE
As the district has expanded and evolved in recent years, alongside the heart of the neighborhood, a new venue, BasicVillage (Via dell’Aprica 12, Milan) has been added to the circuit, infusing the area with fresh creative energy. Originally built as a rubber factory, this early 20th-century complex is located in the Eastern industrial heart of Isola, near the former Farini railway depot.
Within its various spaces, Isola will cultivate an atmosphere of creativity and exchange. BasicVillage will be the centerpiece of the festival with three carefully curated collective exhibitions. Isola Studio’s team (consultancy lab of Isola Design Group) led by creative director Elif Resitoglu presents Conscious Objects, Isola Design Gallery, and Openspace, each highlighting innovative approaches to contemporary design.
Conscious Objects
Conscious Objects is an exhibition that engages visitors through multiple senses—hearing, playing, touching, tasting, and interacting—sometimes even becoming part of the experience. Imagine a chair that works only when sitting together, objects that adapt to the user’s needs, or a table game with playing cards to taste. Showcasing visionary designers and innovators, the exhibition merges sustainability, functionality, and playfulness with digital, robotic, and human craftsmanship.
Designed with a human-centric approach, each piece balances flexibility, experience, and technology while addressing environmental impact through innovative materials and ethical production. Visitors can also explore the creative and technical processes through screens displaying product insights, production footage, and interactive elements. Part of the exhibition set up will be realised with glass bricks by Carro srl.
Participating designers and design studios include the following:
Abalon | Ana Bridgewater, Alessandra Galli, Archeomaterico / Davide Balda, Atelier Makr, Biomaterials Library Agne Kucerenkaite / Sarmite Polakova / Austeja Platukyte, Davina Atallah, Dina Lebbar, Eliane Levy, Eva Korae, Feral, Human Accounts, Ilaria Critelli, Ksusha Fedya, Lee Shmeltz, Lu Grompone, Lynn Gong, Martina Gentile, Matthew Berkshire, Michela Puglia, Monolit, Murilo Weitz, Natalia-Anastazia Bakula, Nima Biodesign, NOI Creative, Nowo By Oliwia Ledzinska, Officine Condor, Patch Design, Sangosanya Annahololade, Shaghayegh Ranjbar, Siyu Liu, Sølvbergbols, Studio Eggi, Studio Tuut, Sungjun Yu, Yarden Shahar, Yile Zhang , Yosuke Shimano, Yu Xinnan, Yuya Zhou, Zhichen Qian.
6th edition of Isola Design Gallery
The 6th edition of Isola Design Gallery celebrates unique and handcrafted products, collectible design that tells a story, customizable pieces that grant an experience. Isola transforms the space into an immersive showcase of diverse lifestyles, bringing together designers from different backgrounds. The exhibition features a variety of setups, from futuristic living concepts to contemporary interiors, where each collectible piece interacts thoughtfully with the others.
This dynamic display highlights how diverse interiors can be designed to reflect different ways of living. Part of the exhibition setup includes terracotta materials provided by SO.LA.VA., known for its high-quality artisanal production. The 100% clay terracotta is biocompatible and sustainable, allowing for dry assembly that enables infinite recovery and reallocation. Moreover, Manuel Maruca sculpts the sound of space with Habitat, an exploration of sound as a design element: sonic architectures that shape, fill, and define the environment.
Participating designers and design studios include the following:
Aleksandar Osei-Lartey / Andrea Ralevic, Alessandro Pagura, Alicoban, Alissa Saito, Apuana Mosaici S.r.l., Arkitettoria, Atelier Marée, Atelier Tas, Athime de Crecy, Baker Glassworks, Basia Pruszynska, BioLogicDesign / Chih-Chieh Huang, Bluba Studio, Burkhard Schittny, C’est Un Cest, Con.creta, D’ARK Atelier, Derangedsign, Dorit Provizor, Dublo Studio, Four Am Product Design, Francois Kessler, G & L Studio, Hyunju Roh, Irsystem Co., Ltd., Isen Wu, Jake Heyer, Jan Willem Van Elten, Jimmy Rojas, Jiyoun Woo, Karin Borovcova, Kiady Ratovoson, Kiti Kurarova and Kogl.
Living Cult, LOBO Atelier, Lucas Cambier, Lucia Kruzlicova, Madelon Ulijee, Magdalena Jenik, Maison Cedrat, Marco De Gregorio Architect, Ma_st_ar, Mette Nissilä, Mugen By Sana Alam, Nermin Habib, Ng Design, Nicholas Alexander, Nicol Belci & Neža Kravos, Orfeo Studio, Particle, Pelin Alkan Studio, PFEIFFER STUDIO, Philipp Aduatz, Phèdre Barbas, Pulpas Studio, Riolab Ceramics, Ronja Reigstad and Rory Noble-Turner.
Sada Space, Salak, Sara Codarin, Shape & Shade, Shinjae Kim, Šimon Valovic, Spazio Project, Studio Francesca Müeller, Studio Kaja, Studio Jonathan Radetz, Šimon Valovic, Studio Kája, Studio Kallang, Studio Maria Yared, STUDIO SHOO, Studio Sphaer, Taftique, Tenam, Tom Schoonhoven Studio, Valentine Chauvet, Victoria Dabdoub, Vitalli, Wisse Trooster, Xiangzhi Zhao, Yingjun Ren, Zeoform, Zhihui Design Studio, Zihua Wang, Zuzana Zmatekova.
Openspace
Openspace is a dynamic hub for bespoke companies, brands, and startups across industries such as circular design, material research, and manufacturing with a focus on craft, in-house production, and digital hybridisation. Exhibitors present cutting-edge products and services, each reflecting a unique, forward-thinking approach.
The space also serves as a platform for visitors, design enthusiasts, and participating talents to connect with industry leaders, explore potential collaborations, and gain valuable insights into new materials and processes that can shape their design journey. A talk and workshop area is part of the show with designer seating by HeFlies srl, gravity-defying poufs that resemble floating balloons yet transform into comfortable seats.
Participating designers and design studios include the following:
Inci Mutlu Milano – Forge Mobili, Lux Temporis, MOSHdesign x CabinetOseo, Murals Wallcoverings, Rehemptation By Husarska, Studio Shablool, Thayra Correia, Youssef El Hadi Studios.
challenging the conventional boundaries of design
Within BasicVillage’s exhibitions, Isola introduces a unique olfactory identity with three exclusive fragrances by Narici, an Italian perfume startup by Alessandro Commisso. Each scent, crafted with Italian farms and distilleries, revolves around a rare natural ingredient.
Adding to the richness of the event, returning and new partners will come together at the BasicVillage, combining their diverse expertise:
The second edition of ENHANCE curated by Juan Torres for DesignWantedpresents design as a catalyst for change and aligns with the seven Sustainable Development Goals (SDGs) identified by World Design Organization members as particularly relevant to the industrial design community.The exhibition challenges the conventional boundaries of design, offering an experience that highlights design’s potential to reshape society. The showcase invites visitors into a curated exploration of projects that transform deep research into tangible, meaningful solutions.
Participants are:
Bundle studio, COMPOSITES, Debonademeo x CHROMA, Emeline, Joshua Klappe, Monostudio Associati, Ong, Shellf Life, Wah, Wilfried Becret, Zeoform.
Isola Design Awards
Following the Dubai ceremony in November 2024, Isola Design Awards Winners’ Showcase brings to Milan its outstanding 2024 winners. Isola is also gearing up to launch the open call for the 5th edition with an official kickoff event during Isola Design Festival.
The digital contest continues to inspire and encourage designers to push the boundaries of their craft. 10 are the categories: Furniture, Seating, Lighting, Tableware, Textile, Product, Material, Sustainability, Outdoor, and Innovation.
Participants are:
Alonso Hernández, House of Piranesi, Jehnna Yang, Luca Maibach / Izy Munuera Gomez, Manuela Bucci / Missbucci, Moritz Scheffer / Luis Somasundaram, Nella Figueroa, Parali By Aarushi, Rosana Sousa.
IAAD., Accademia Italiana, and SAE Institute present Bravery Bar, an in-depth cultural and educational event designed through a joint project by 21 design schools. This new chapter BE AWARE is an initiative in inclusive design that pushes the boundaries of creativity. Sponsored by the Italian Paralympic Committee and curated by Danilo Ragona, the event features workshops set against the backdrop of the Truly Design exhibition, bringing together emerging designers and companies to develop innovative solutions in design and sports.
Within its showroom inside BasicVillage, Very Simple: Kitchen presents the collaboration with Studio Proba: an unprecedented reinterpretation of the iconic modular steel kitchens signed by designer and artist Alex Proba. An explosion of creativity and a symphony of colours come together to create sculptural elements that complement and envelop the brand’s distinctive lines.
In the courtyard of BasicVillage, SuperForma’s additive manufacturing customizes the bar counter with 3D-printed elements made from recycled PLA. Collected since 2020 through a network of partners, the material will be reclaimed at the end of the event and reintegrated into the production cycle.
This modular installation showcases how design can truly achieve zero impact. Moreover Studio X collaborates with Isola Radio for the design of the DJ booth, a custom, handmade and colorful resin sculptural piece. The BasicVillage courtyard will be the setting for events, parties and Isola’s community point of reference during Milan Design Week.
THE DISTRICT VENUES ON FOOT
Showcasing how design is deeply rooted in human stories, heritage, and hands-on creativity, Isola Design Festival will transform the entire Isola neighborhood during Milan Design Week 2025 into the epicenter of exhibitions, installations, lively events, workshops, live demonstrations, and design talks. The focus shifts back to the humans, including those of the neighborhoodwhose identity and craftsmanship not only shaped the festival’s early editions but also keeps the district’s creative spirit alive throughout the year.
Starting from Via Farini, Isola Studio presents Rasa – The Indian Collective at VIAFARINI (Via Carlo Farini 35), curated by Nidhi Chandak and Varun E S, part of Isola Studio’s team based in India. The exhibition celebrates India’s rich craftsmanship, reinterpreted through the lens of contemporary design. Rasa (रस), a Sanskrit word, refers to the emotional experience evoked by creative expression.True to its name, the exhibition is an invitation to discover how design goes beyond mere aesthetics, becoming an emotional journey through artisans’ narratives, cultural continuity, and innovation. Featuring hand-blown glass, marble, textiles, terrazzo made from construction waste, sandstone, woven bamboo, and woodwork, the exhibition presents pieces by 21 Indian designers and design studios that bridge tradition and modernity, celebrating the artistry and skill of Indian makers.
Nouz3D, a large-format 3D printing company from India, manufactured the plinths and pedestals. In VIAFARINI’s courtyard, Arjun Rathi Design presents The Wishing Tree; the installation, inspired by the sacred trees found in Indian temple complexes, invites viewers to experience a sacred space of contemplation, connecting tradition and modernity through glass. The show has been organized in collaboration with VIAFARINI.
Participating designers and design studios include the following:
A&f Design, Andblack Design Studio, Antara Decor, Arjun Rathi Design, Beyond Dreams, Dhaaga.designs, Hsc Designs, Intent Made, Kaarbhaar, Motionworks, Nimrat Narang, Oom Furniture & Living, Orikrit, Ozar Objects, Pramāna Design, Pravi, Rural Modern Glass Studio, Studio Cumulus, Sutary, Umeni, Vakr Studio.
Strolling through Isola’s neighborhood, from Via Luigi Porro Lambertenghi to Via Confalonieri and Via Cola Montano, visitors will encounter guest exhibitions and interactive venues throughout its main streets:
Blurry Memories by Oculta Studio and Roman Vases by Federico Fiermonte at Bota Fogo (Via Carlo Farini 36). Oculta Studio explores fragility and transformation, revealing that even the most solid can crumble. Inspired by historical vases preserved behind glass in museums, this project challenges their static existence by reimagining them as dynamic vessels.Federico Fiermonte reinterprets the decorative elements of ancient Roman art in a contemporary style. Mosaic patterns and geometric motifs inspired by monuments are integrated adorning the center of their body. The space that serves as Bota Fogo’s showroom year-round, during the Design Week will host wheel-throwing lessons and interactive workshops.
CONNECTED BY DESIGN, INSPIRED BY BEAUTY – La Vie En Gloss at BAM – Biblioteca degli Alberi Milano
(Via Gaetano de Castilla 28).
Kérastase, with Gloss Absolu, presents an iconic installation that combines beauty, innovation, and sustainability. A contemporary greenhouse will serve as the backdrop for events, talks, and performances. Created by the agency LiveZone, the installation La Vie en Gloss comes to life through augmented reality: a digital filter transforms the floral setting into an immersive experience of lights and colors, blending the physical and virtual worlds.
Cross pollination by Pforzheim University: BA and MA Jewellery, MA Design & Future Making
(via Cola Montano 1).
An exhibition exploring diversity as a catalyst for evolution in nature. It examines the interplay of memories and materiality, cultures and form, glass and other materials, as well as the fusion of technologies. A dialogue between past and future, tradition and innovation, shaping a new perspective on design and transformation.
Design Thinking in the Ethereum Age at Stecca 3.0
(Via Gaetano de Castillia 26).
An immersive exhibition by Appcon exploring design, self-discovery, and blockchain technology within the Ethereum ecosystem. Visitors can reflect on their role as creators and their connection to the community while uncovering Ethereum’s potential for designers. Structured as a guided journey, each stage reveals new layers of artistic and technological interaction.
Participating designers and design studios include the following:
Alessandro Rigamonti, Bouillon, Cronchidesign, Drag And Drop, Elia Maniscalco, marn, Simon Schuler, Wiepke Wolfsbergen.
Deus Ex Machina: an ode to MDF by Arno Hoogland
(via Luigi Porro Lambertenghi 3).
MDF is often dismissed as one of the least sustainable and least attractive materials in interior design. Arno discovered a unique software that allows his CNC milling machine to “dance” with the material, creating unpredictable, organic forms through an interactive dialogue between designer and machine. Moreover the immersive installation Temple of the Future, built on-site from CNC-milled components, blurs the boundaries between craftsmanship, technology, and speculative design.
Fibre Fever! by Jack Brandsma and Rollo Stars by Lambert Kamps at WAO Isola
(Via Luigi Porro Lambertenghi 7).
Jack Brandsma explores material innovation by replacing conventional materials in existing designs with biobased alternatives. Using natural fibers like hemp and miscanthus, combined with potato starch as a binder or an additive to new bioplastics, the project pushes sustainable design forward. Lambert Kamps presents Rollo, a dynamic light installation, and Fat Furniture, a series of interior objects inspired by rising obesity in Western consumer society. Rollo changes in size, volume, and light intensity as it rolls in or out.
NEW NORMAL 5 – Japanese Maison at Zetalab
(Via Cola Montano 2).
NEW NORMAL is a Japanese design project focused on “Designs for the new normal in family businesses.” By collaborating with company managers who are taking over family businesses and working alongside designers, they are developing products that will inspire new initiatives.
SEKISUI
Beyond Smart Life & Mobility (Via Luigi Porro Lambertenghi 6 – Galleria Bonelli & Candy Snake Gallery). Manufacturing brand SEKISUI introduces a vision where intelligent design seamlessly integrates into everyday life, creating adaptive spaces that respond intuitively to human needs. At the core of this experience is the fusion of living and mobility spaces, a concept inspired by innovations in the automotive sector. By transferring advanced mobility technologies into architectural and interior design, SEKISUI crafts dynamic spaces that transform fluidly, enhancing both productivity and relaxation.
The Hunt by Architecture Hunter at Spaces Isola
(Via Pola 11).
Renowned design creatives from ten different countries (3XN, Fran Silvestre, JFormento + AH, Kengo Kuma, Luciano Kruk, Rojkind, SAOTA, Studio MK27, Woha, Yodezeen) developed exclusive projects for this exhibition. Architecture Hunter’s virtual reality experience allows you to immerse yourself in their unique visions of the “architect’s shelter.”
THE PINK CLOUD: Coffee, Cookies & Debate by Social Label
(Via Confalonieri 11).
Pink walls and an installation designed by Studio Boot in collaboration with Isola Studio serves as a space for informal gatherings to discuss collaborations with companies, governments, and designers in the field of applied arts across Europe.
WORTH
WORTH at ZonaK (Via Spalato 11) showcases projects developed within its incubator programme dedicated to promoting transnational collaborations between designers, creatives, manufacturing companies (SMEs) and technology companies.
Moreover several studios, workshops and galleries located in the district will open their doors to visitors:
[1+2=8]
(Via Thaon de Revel 10).
Designer Andrea Barra presents Basi, a refined collection of materials and colors for a wireless QI charging base. Made from ceramic, marble, quartz, cement, wood, and Corian, each piece blends functionality with a rich tactile and visual experience.
Algranti Lab
(Via Pastrengo 23).
Craftsman Pietro Algranti invites visitors to explore material reuse with Piantar Chiodini – Crafting Show between wood, iron, salvaged copper, tools and handswork.
Angelo della Pergola1
(Via Angelo della Pergola 1).
The exhibition Hommage marks the 8th participation in Isola Design Festival. Artist Myriam Kuehne Rauner showcases sculptural pieces at the intersection of art and design.
artetica
(Via Guglielmo Pepe 20).
A creative space promoting sustainable and artistic approaches to design will host an installation Concept for colorful sustainable textiles by Michael Rechberger, founder of a textile factory. With a strong focus on quality and local production, Rechberger creates a wide range of fabrics, from mattress covers to home textiles.
Boiserie Riva – RivaViva
(Via Luigi Porro Lambertenghi 18).
All the Lives of Wood showcases the results of a design contest in collaboration with Legambiente, featuring works by second-year students from IED Rome. The exhibition reaffirms a commitment to nurturing young talent and fostering a responsible approach to contemporary design.
Brussels House
(Via Gaetano de Castillia 23).
MAD Brussels and hub.brussels present (UN)WRAPPED, an exhibition exploring the act of unveiling. Draped fabric creates an atmospheric backdrop that enhances the structure and craftsmanship of contemporary design pieces.
Ceramica Ostile
(Via Borsieri 41).
The space showcases works by ceramic artists such as Caterina Maria Amato and Carlotta Nebuloni, offering visitors the chance to witness live craftsmanship throughout the day. On select evenings, themed workshops will invite participants to create their own pieces.
ErnestoShop
(Via Antonio Pollaiuolo 3).
Tucked inside Frida bar’s courtyard, this concept store, founded in 2017, offers a curated selection of contemporary craftsmanship, blending Italian quality with European innovation and sustainability-driven design.
Fondazione TOG
(Via Livigno 1)
TOG Foundation transforms its Center into a hub for inclusive design, hosting exhibitions, workshops, and discussions that highlight co-design as a driver of innovation and beauty, with a focus on improving life for children and young people with disabilities.
Green Island 2025
Fly Garden (Flying Tiger, Stazione di Porta Garibaldi, Piazza Freud 1).
A botanical and sensory eco-design journey that turns into a colorful pollinator garden, curated by Claudia Zanfi/Atelier del Paesaggio.
Moon Rabbit Lab
(Piazza Tito Minniti 1)
In collaboration with Framas and Balena, FootLoop explores the future of sustainable, circular footwear. Two immersive pathways illustrate a shoe’s lifecycle, culminating in a modular, evolving installation.
Quadruslight
(Via Angelo della Pergola 11).
Queenlight presents backlit artworks where painting, photography, and digital art merge with interior spaces, transforming walls and ceilings into dynamic, atmospheric installations.
EVENTS & OPENINGS HIGHLIGHTS
A rich series of guided tours, workshops, openings, talks with design professionals, and parties will animate BasicVillage and Isola’s neighborhood through the whole week. Below some highlights and at the following link the complete agenda.
OUTSIDE THE NEIGHBORHOOD
PLAY3D: The Future of Design Through Technology, Forms, and Immersive Experiences by DesignTech at CoFactory (Certosa District). An immersive and multisensory experience transforms CoFactory into a laboratory for experimentation at the intersection of design, technology, and new expressive forms. Sound, shape, and surprise become the three key elements of a dynamic and interactive journey where art and innovation redefine the boundaries of creativity.
Another Fountain by Swedish Girls at ViaFarini.work (Via Marco D’Agrate 33). Another Fountain explores the bond between cultures and public spaces, honoring fountains’ original purpose. Stockholm-based duo Swedish Girls crafts draped steel rods, inviting visitors to explore, gather, and interact, recalling fountains as places of play and rest.CREDITS
Dates:
7—13 April 2025Opening Hours:
Monday 7 April: 2 p.m. — 7 p.m.
Tuesday 8 – Saturday 12 April: 10 a.m. — 7 p.m.
Sunday 13 April: 10 a.m. — 3 p.m.Location:
Isola Design District
OFFICIAL EVENT OF MILAN DESIGN WEEK ORGANIZED BY ISOLA STUDIOAbout the Isola Design
Isola Design Group provides visibility and opportunities to independent designers, design studios, and brands worldwide. The venture runs both Isola Design, the community platform featuring profiles, project portfolios, and direct messaging for the exchange of ideas, and the recently launched Isola Studio, a consultancy studio for future-thinking design brands and organizations.
Isola Design (www.isola.design) is the world’s first digital and physical platform connecting independent designers and studios with industry professionals, brands, curators, journalists, and clients. Its dedicated curatorial team selects projects with a focus on sustainability, innovation, and handcraft.Copyright © 2025, MINT LIST, All rights reserved
Taged as/in; »Design is Human«, Architecture, design, Isola Design District, Isola Design Festival, Isola Design Group, Milan Design Week#writtenby
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Paul Pretzer: “Zwischen Forelle, Farbe und feinem Nebel”
Ein Interview über die Kunst, die Malerei, den Menschen und seine Befindlichkeiten sowie über die Doppeldeutigkeiten von Humor und Tragik.
Im Vorfeld der Ausstellung trafen wir den Künstler Paul Pretzer mehrmals in seinem Atelier. Was ihn für seine neuen Malereien inspiriert, warum er sich neuerdings ans große Leinwandformat wagt und Wald- und Landschaftsmotive in sein Repertoire aufnimmt – das alles erzählt uns Paul an einem milden, nebligen Frühjahresmittag in seinem Kreuzberger Studio.
Dabei reicht uns der begeisterte Natur- und Angelliebhaber gebeizte Forelle mit Dill gerollt in Crepeteig. Wir genießen gemeinsam und teilen seine Gedanken über die Kunst, die Malerei, den Menschen und seine Befindlichkeiten sowie über die Doppeldeutigkeiten von Humor und Tragik.
Stefanie, Jette & Andreas
Ausstellung: „Don’t be afraid of love“
Apr 08 – May 17, 2025
Interview mit paul Pretzer
Aktuell schlagen sich die Menschen nicht nur in Berlin und Deutschland sondern rund um den Globus durch turbulente Zeiten. Da trifft dein Ausstellungstitel „Don’t be afraid of love“ mitten ins Herz. Wie kamst du auf diesen Titel? ”
Der Ausstellungstitel ist einem Songtitel von Otis Redding entlehnt und ist programmatisch und aufrichtig optimistisch gemeint. Wir müssen gerade alle sehr viel mehr Liebe und Zusammengehörigkeit wagen, um nicht irgendwohin in eine sehr schlechte Richtung abzubiegen und dann womöglich abzustürzen.
Der Titel der Ausstellung ist ja auch der Titel eines Bildes, auf dem ein Esel zögerlich über eine Felsklippe blickt. Sich ’’Fallen lassen“ kommt einem dann in den Sinn und auch Überwindung spielt eine Rolle dabei. Also Liebe als rettendes Resultat einer schwierig erscheinenden Handlung.
Ein bisschen wie in einem Song bei Whitney Houston:
When you're feeling full of doubt
And fear has got you in a bind
Love will save the day
When your world's falling apart
All you have to do is say a prayer
And love will save the day 
Nirvana, 2025
oil on wood
60 x 40 cmFür die Ausstellung hast du beeindruckende und für dich ungewöhnlich großformatige Malereien auf Leinwand geschaffen. Diese vier Tableaus sind allesamt von einem bühnenartigen Setting aus dunkelgrünem dichten Baumbestand geprägt. Mal formen sich die belaubten Stämme zu einem Arkadengang, mal bilden sie von einem nebligen Dunst verhangene Lichtung.
Die Bilder basieren zum Großteil auf Landschaften und Orten, an denen ich selbst gewesen bin. Im Urlaub in Schweden, beim Pilze sammeln mit den Malerfreunden Bornstück und Grözinger in Brandenburg oder beim Waldspaziergang mit meinem Cousin und seinem Hund Locke in Ostwestfalen.
Für mich ist der Wald ein „Happy Place“, also ein Ort mit dem ich hauptsächlich sehr positive oder intensive Erlebnisse verbinde. Während einer Artist in Residence in Kanada habe ich eine Grizzly Mutter mit ihren Kleinen beim Wandern getroffen. Da habe ich mal am eigenen Leib erlebt, was es heißt vor Angst zu zittern…
Oder sie umrahmen als Hintergrund das Ufer eines Sees oder Teichs. Beruhen deine Waldmotive auf realen Vorlage deiner zahlreichen Artist-in- Residencies oder sind es völlig frei erfundene Settings? Was verbindest du persönlich mit dem Motiv des Waldes und der traditionellen Gattung der Landschaft?
Wenn man es dann hinter sich hat, fühlt man sich sehr lebendig. Und du hast ja vorhin die turbulenten Zeiten angesprochen, die wir gerade durchmachen. Das Arbeiten an den Bildern war sehr beruhigend… eine Art mentales Refugium.
Der russische Wandermaler Ivan Shishkin hat mich immer sehr fasziniert und der stand jetzt ein bisschen Pate bei diesen Bildern. Meine Tante hatte einen Katalog von der Ermitage zu Hause und das waren die ersten Abbildungen von Kunst, die ich gesehen habe. Das hat mich maßgeblich beeinflußt. Und als ich dann in der Kunsthalle in Kiel, wo ich anfing Kunst zu studieren, Bilder von Shishkin sah, hab ich das als Zeichen gesehen, dass ich auf dem richtigen Weg bin. Das schwingt bei diesen neuen Bildern alles ein bisschen mit.
Man kennt dich vor allem als Meister des Klein- und Mittelformats. Hierin spielst du mit den tradierten Gattungen des Porträts und Stilllebens. Eine beinahe zeichnerischen Detailverliebtheit ist darin zu entdecken. Bitte beschreib doch einmal die besondere Challenge für dich bei deiner künstlerischen Arbeit am Großformat im Vergleich zum vertrauten Kleinformat! Welche Unterschiede ergeben sich daraus für dich, angefangen beim motivischen Entwurf bis hin zur malerischen Ausführung?
Bei den großen Bildern muss man ganz neue Formeln, Mittel und Wege finden. Man muss zum Beispiel eine Art und Weise finden “Baum” zu sagen ohne sich zu sehr in Details zu verlieren. Das war eine neue Herausforderung und auch willkommene Abwechslung zur Arbeit an den Stillleben und Portraits. Man muss dann auch plötzlich an die Fern’- und die Nahwirkung nachdenken. Beim kleinen Format gibt es ja eigentlich nur einen Betrachtungsabstand.
Als Betrachter deiner Malereien empfindet man eine Mischung aus Sehnsucht, Schönheit und Befremden. Das liegt daran, dass du Figuren, Tiere, Objekte und Settings in deinen Tableaus miteinander zusammenbringst, die nach einem logischen Verständnis heraus, einander im Alltag oder in der Natur so nie begegnen würden. Ein Tiger im Laubwald, ein Esel, der eine Klippe hinabblickt statt davor zurückzuscheuen, ein Männchen mit Pelzchen stehend in einem nussschalenartig kleinen Boot … Ist dein Ansinnen, mit diesen surrealen Szenerien psychologisch Unbewusstes heraufzubeschwören?
Dieser psychologische Moment ist mir sehr wichtig. Dieses Nicht Wissen, was da genau vor sich geht, ging oder gehen könnte. Die Wirkung der Bilder wird erst durch die Betrachter:in komplettiert. Das ist ein essenzieller Bestandteil meiner Arbeit. Jeder muss seinen oder ihren Teil „hineinfühlen“. Und um solch einen Resonanzraum zu schaffen, muss man die Gegenstände, Charaktere und Situationen sehr vorsichtig und gewissenhaft entwickeln.
Was und welche Künstler inspirieren dich für deine Malerei?
Der vollkommenste aller Maler ist für mich Félix Vallotton. Die Bilder sind perfekt komponiert und absolut jedes Detail hat seine formale Bewandtnis. Er hat ein großartiges Gefühl für Farbklang und Texturen und auch seine Holzschnitte gehören zum Besten, was in dem Bereich gemacht wurde. Er brilliert im Stillleben, dem Porträt und vor allen Dingen auch in der Landschaft.
Dann möchte ich noch unbedingt den japansichen Landschaftsmaler Higashiyama Kaii erwähnen. Ich hatte mal das große Glück, zufällig in seine Ausstellung zu stolpern und bin seitdem total angetan von seinen duftigen Pinselstrichen.
Und vor kurzem habe ich August Kopisch neu für mich entdeckt. Es hängen ein paar großartige Bilder in der alten Nationalgalerie und ich bin da jahrelang immer dran vorbeigelaufen und habe dem nie so richtig Beachtung geschenkt. Und plötzlich hat es Zoom gemacht. Und jetzt bin ich ganz hin und weg von den Pontinischen Sümpfen und der Delfinchoreografie…
Irgendetwas in mir hat sich scheinbar geändert, sodass ich plötzlich empfänglich dafür war.
FeldbuschWiesnerRudolph Galerie
Jägerstraße 5 | 10117, Berlin
+49 30 69504142
galerie@feldbuschwiesnerrudolph.de#writtenby
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Musikfestival crescendo2025: 23. Mai bis 6. Juni 2025
Mit „crescendo – dem Musikfestival der UdK Berlin wird in über 20 Veranstaltungen die Seele musikalisch in Schwingung versetzt.
Mit den Konzerten und Perfomances ehrt die UDK Berlin bedeutende Jubilare wie Louise Farrenc, Maurice Ravel, Erik Satie und Pierre Boulez.“ Die Universität der Künste Berlin präsentiert vom 23. Mai bis zum 6. Juni ihr Musikfestival crescendo2025.
Unter dem Motto „InnenSaiten“ haben die beiden künstlerischen Leiter Prof. Markus Groh (Klavier) und Prof. Konstantin Heidrich (Violoncello) ein Programm zusammengestellt, das in mehr als 20 Konzerten und Veranstaltungen die Wirkung von Musik auf das Innerste des Menschen, die Seele, in den Fokus nimmt.
„Wir laden Sie ein, sich bei crescendo2025 gemeinsam diesem Inneren zuzuwenden und dabei ein Zeichen zu setzen für die immense Bedeutung von Musik und Kultur, gerade in krisenreichen Zeiten.“
Im Jahr ihres 50-jährigen Bestehens sieht sich die UdK Berlin angesichts der Kürzungen des Kulturetats in ihrer Existenz bedroht. crescendo2025 unterstreicht deshalb einmal mehr: „Musik ist kein Luxusgut, sondern trägt ihren unverzichtbaren Beitrag zum Fortbestehen und zur Weiterentwicklung der Gesellschaft auf wissenschaftlicher, psychologischer und zwischenmenschlicher Ebene bei.“
Studierende und Lehrende gestalten bei crescendo gemeinsam die Konzerte, ein Markenzeichen des Festivals, was wie jedes Jahr hochkarätige musikalische Erlebnisse verspricht.
Giovanni Antonini und das Symphonieorchester der UdK Berlin zur Eröffnung
Vogler Soujon Im Eröffnungskonzert steht Giovanni Antonini als Gast am Pult des Symphonieorchesters der UdK Berlin mit Werken von Ludwig van Beethoven, Joseph Haydn und Fanny Hensel. Im weiteren Verlauf des Festivals finden wir uns unter anderem im „Maison Ravel“ und bei „Vergessene Heldinnen“ wieder. Dann sind Werke französischer Jubilar*innen wie Louise Farrenc, Maurice Ravel, Erik Satie und Pierre Boulez zu hören. Auch selten gespielte Komponistinnen wie Lili Boulanger oder Mélanie Bonis werden gewürdigt.
Eröffnungskonzert
Fr 23. Mai 2025
20:00 UhrFanny Hensel: Ouvertüre C-Dur
Joseph Haydn: Sinfonie Nr. 105 B-Dur „Sinfonia concertante für Oboe, Fagott, Violine und Violoncello“
Ludwig van Beethoven: Sinfonie Nr. 3 Es-Dur op. 55 „Eroica“Ein „Fantasien-Abend“ kombiniert Werke von Clara und Robert Schumann und Franz Schubert. In einer öffentlichen Masterclass erkundet Marco Tamayo, Professor für Gitarre, die unglaubliche Bandbreite dieses Saiteninstruments.
Im Abschlusskonzert wird die wechselhafte Geschichte der UdK Berlin aus Anlass ihres Jubiläums musikalisch beleuchtet, ergänzt um Gespräche mit Persönlichkeiten aus Kunst und Kultur zur gesellschaftlichen Verantwortung der UdK Berlin als Kunsthochschule.
Exzellente Ausbildung, vielseitig und auf höchstem Niveau
Bei crescendo2025 zeigt sich, wie äußerst vielseitig und auf höchstem Niveau die exzellente Ausbildung an der UdK Berlin stattfindet. Das JIB Large Ensemble vom Jazz Institut Berlin ist ebenso zu erleben. Der Professor für historische Tasteninstrumente, Avinoam Shalev, führt einen „Tastentriathlon“ vor. Studierende im Fach Musical/Show präsentieren Ausschnitte aus ihrem neuesten Projekt.
Mit dabei sind zudem Jungstudierende des Julius-Stern-Instituts und Stipendiat*innen der Paul-Hindemith-Gesellschaft in Berlin e. V. und viele andere. Unter dem Titel „Displaced and Disremembered?“ sind in Kooperation mit der University of Oxford wenig bekannte Werke von Julia Kerr, Absolventin des Stern’schen Konservatoriums und Ehefrau von Alfred Kerr, und des Schreker-Schülers Wilhelm Grosz zu entdecken.
Für die jüngsten Gäste gibt es bei crescendino unter dem Titel „Sing mit uns!“ die Vorstellung des Mädchen- und Knabenchors sowie verschiedene Mitmachkonzerte mit und für Berliner Grundschulklassen.
Bis auf wenige Ausnahmen finden die Konzerte im Konzertsaal der UdK Berlin und im Joseph-Joachim-Konzertsaal der UdK Berlin statt, bei freiem Eintritt mit reservierbaren Einlasstickets.
Das vollständige Programm ist ab sofort online: www.udk-berlin.de/crescendo.
crescendo – das Musikfestival der UdK Berlin
„InnenSaiten“
23. Mai bis 6. Juni 2025
Künstlerische Leitung: Prof. Markus Groh und Prof. Konstantin Heidrich
Eintritt frei, wir freuen uns über Spenden.
Über die UDK Berlin
Die Universität der Künste Berlin ist eine der wenigen künstlerischen Hochschulen Europas, die alle künstlerischen Disziplinen und die auf sie bezogenen Wissenschaften in sich vereint. An den Fakultäten Bildende Kunst, Gestaltung, Musik und Darstellende Kunst werden über 70 künstlerische Studiengänge angeboten. Auch die hochschulübergreifenden Zentren Tanz (HZT) und Jazz (JIB Berlin) bieten künstlerische Studiengänge an. Das Zentralinstitut für Weiterbildung und Transfer (ZIWT) bietet ebenfalls künstlerisch-wissenschaftliche und künstlerisch-pädagogische Studiengänge an.
Von rund 4.000 Studierenden hat etwa ein Drittel einen internationalen Hintergrund. Die Geschichte der Hochschule reicht zurück bis zur Gründung der brandenburgisch-preußischen Akademie der Künste im Jahr 1696.
Ihre heutige Form erhielt die UdK Berlin 1975 durch den Zusammenschluss der Hochschule für bildende Künste und der Hochschule für Musik und darstellende Kunst zur Hochschule der Künste (HdK), seit 2001 trägt die Universität der Künste Berlin ihren heutigen Namen.
Im Jahr 2025 feiert sie ihr 50-jähriges Jubiläum. Mit mehr als 700 Veranstaltungen im Jahr trägt die UdK Berlin maßgeblich zum kulturellen Leben der Stadt bei. Präsident der Universität der Künste Berlin ist seit dem 1. April 2025 Prof. Dr. Markus Hilgert.
Taged as/in; »Displaced and Disremembered«, »InnenSaiten«, »Maison Ravel«, »Vergessene Heldinnen«, 2025, Alfred Kerr, Avinoam Shalev, crescendino, crescendo, Erik Satie, Jazz Institut Berlin, JIB Large Ensemble, Julia Kerr, Julius-Stern-Institut, Klavier, Kunsthochschule, Louise Farrenc, Marco Tamayo, MAURICE RAVEL, Paul-Hindemith-Gesellschaft in Berlin e. V., Pierre Boulez, Prof. Konstantin Heidrich, Prof. Markus Groh, programm, Saiteninstrumente, Stern’sches Konservatorium, Tasteninstrumente, UdK Berlin, University of Oxford, Violoncello, Wilhelm Grosz#writtenby
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RomaTrial: Advocating for Roma Rights with Art And Activism
RomaTrial fuses art and activism to fight discrimination and amplify Roma voices. Discover their impact on cultural and social change.
Summary
RomaTrial fights for Roma rights using art, film, and education. Roma people still face discrimination in housing, jobs, and police treatment.
Their AKE DIKHEA? Film Festival and workshops challenge stereotypes and promote real Roma stories. They also teach people about antigypsyism and push for fair treatment.
Even though the EU has plans to help, real change comes from groups like RomaTrial that give Roma people a voice.
Support them by watching their films, attending events, and learning more about Roma culture!
The Political Context of Roma Rights in Europe
The Roma community, Europe’s largest ethnic minority, continues to face systemic discrimination, social exclusion, and economic marginalization. Despite EU policies aimed at fostering inclusion, anti-Roma sentiments persist across many European nations. This sentiments are manifesting in police violence, housing segregation, and limited access to education and employment.1
In recent years, the rise of right-wing populism has exacerbated antigypsyism, with political leaders scapegoating Roma communities for social and economic issues.2 Hate crimes, forced evictions, and discriminatory policies remain pressing concerns, highlighting the urgent need for advocacy and activism.3
The European Commission’s EU Roma Strategic Framework for Equality, Inclusion, and Participation (2020–2030) aims to address these challenges by improving Roma access to education, employment, healthcare, and housing.4 However, the effectiveness of these policies heavily depends on grassroots movements. Cultural initiatives also play a crucial role. The movement helps challenging stereotypes and empowering Roma voices.
Against this backdrop, RomaTrial emerges as a crucial force in the fight for Roma rights, using art, film, and political education to reshape narratives, promote social justice, and combat discrimination. Through its initiatives, RomaTrial not only highlights the struggles faced by Roma communities but also celebrates their rich cultural heritage, fostering dialogue and solidarity in an increasingly polarized society.
Challenging Stereotypes Through Art
One of RomaTrial’s flagship projects is the AKE DIKHEA? Festival of Romani Film, which translates to “Do you see?” in Romani.5 This self-organized international festival showcases films that critically reflect on the realities of Roma people, aiming to deconstruct anti-Romani clichés and present authentic narratives. Since its inception, the festival has featured a diverse range of films, providing a space for Roma filmmakers and stories to gain visibility.6
Educational Initiatives and Political Engagement
Beyond the arts, RomaTrial is committed to cultural and political education. The organization conducts seminars, summer schools, and workshops aimed at educating both Roma and non-Roma individuals about the impacts of antigypsyism.7 These programs foster dialogue, enhance mutual understanding, and equip participants with the knowledge to combat discrimination in their communities.
Advocacy and Social Justice
RomaTrial actively engages in advocacy to address injustices faced by Roma communities. Following the death of Stanislav Tomáš in 2021—an incident widely compared to George Floyd’s case—RomaTrial organized commemorations in Berlin to raise awareness about police brutality against Roma individuals.8 Such actions demonstrate the organization’s commitment to social justice and its role in mobilizing support for Roma rights across Europe.
Collaborations and Community Building
Collaboration is central to RomaTrial’s approach. The organization partners with various cultural institutions, educational bodies, and activist groups to broaden its impact. By working together with cinemas like Moviemento and clubs like SO36, RomaTrial bridges communities and fosters a transcultural dialogue that enriches the social fabric of Berlin and beyond.9
Get Involved!
Supporting RomaTrial can take many forms: attending their events, participating in educational programs, or contributing to their initiatives. By engaging with RomaTrial’s work, individuals can play a part in challenging discrimination and promoting a more inclusive society.
Footnotes:
- European Union Agency for Fundamental Rights (FRA), “Second European Union Minorities and Discrimination Survey” (EU-MIDIS II), 2017. https://fra.europa.eu/en/publication/2017/eumidis-ii-roma-selected-findings ↩︎
- Council of Europe, “Annual Report on Human Rights Violations Against Roma Communities,” 2021. https://rm.coe.int ↩︎
- Amnesty International, “Pushed to the Margins: Roma Rights Violations in Europe,” 2022. https://www.amnesty.org/en/latest/research/ ↩︎
- European Commission, “EU Roma Strategic Framework for Equality, Inclusion, and Participation (2020–2030),” 2020. https://ec.europa.eu/social/main.jsp?catId=1484 ↩︎
- RomaTrial – AKE DIKHEA? Festival of Romani Film. https://romatrial.org
↩︎ - AKE DIKHEA? Archive (2020). https://romatrial.org/AKE-DIKHEA-ARCHIVE/2020_Ake-Dikhea_ARCHIVE_web.pdf
↩︎ - RomaTrial Educational Programs. https://romatrial.org/home
↩︎ - Death of Stanislav Tomáš – RomaTrial Advocacy. https://en.wikipedia.org/wiki/Death_of_Stanislav_Tom%C3%A1%C5%A1
↩︎ - RomaTrial’s Community Collaborations. https://romatrial.org/AKE-DIKHEA-ARCHIVE/2017_Ake-Dikhea_ARCHIVE_web.pdf ↩︎
Taged as/in; art, culture of remembrance, discrimination, easy language, Equality, ethnic minority, Europe, Festival, Film, History, inclusion, marginalization, Participation, political education, roma, RomaTrial e.V.#writtenby
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Nur zwei Vorstellungen: Rued Langgaards – Antikrist
Der ANTIKRIST – ein visionäres Endzeit-Mysterium, zwischen spätromantischem Klangrausch und karger Symbolkraft. Nur zweimal an der Deutschen Oper in Berlin!
Langgaards Anfang der 1920er Jahre komponierte und bis 1930 grundlegend überarbeitete „Kirchenoper“ ANTIKRIST entwirft ein endzeitlich geprägtes Mysterienspiel, das den Zeitgeist der Jahrhundertwende nicht verhehlen kann. Dementsprechend geschichtspessimistisch lässt sich sein hochsymbolistischer, voller Assoziationen steckender Text lesen.
Doch die schillernde, einerseits vom spätromantischen, großen Orchesterklang geprägte, andererseits auch karg-nüchterne und immer detailreiche Musik bringt Hoffnung in die dunkle Welt.
Für Ersan Mondtag ist Langgaards von funkensprühendem Untergangstaumel kündende Oper eine Parabel auf unsere Zeit. In seiner Inszenierung scheinen gesellschaftspolitische Themen wie die Zersplitterung der Gesellschaft, die Verhärtung des öffentlichen Diskurses und die sich verschärfende Klimadebatte durch.Seine expressionistische Bühnenästhetik zitiert die bildende Kunst der Entstehungszeit von ANTIKRIST und erschafft zugleich eine surreale Welt, in der physikalische Gesetze außer Kraft gesetzt zu sein scheinen. Erleben Sie die einzigen beiden Vorstellungen der Spielzeit – Karten gibt es ab 24€.
Wir freuen uns auf Ihren Besuch!
Ihre Deutsche Oper BerlinHandlung:
Luzifer beschwört den Antichrist aus dem Untergrund herauf und gewährt ihm in Gestalt verschiedener Allegorien eine befristete Zeit auf Erden: Durch Hoffart, Missmut, Begierde, Lüge und Hass wird die Menschheit im „Streit aller gegen alle“ geprüft und versucht. Langgaards ANTIKRIST atmet den Geist des Fin de Siècle, voller Pessimismus warnt er vor dem Untergang und prangert die Laster der Moderne an: Eigennutz, Hochmut, Frivolität.
Der »Hass«
Philipp Jekal singt den »Hass«. Er zieht das Kostüm Stunden vor dem Auftritt an, schreitet in den Stiefeln backstage umher, um sich an die Plateausohlen zu gewöhnen. In einem Beitrag in unserem Libretto #7 erzählt er mehr über die Verwandlung in seine Rolle. [Der rote Herzballon ist nicht Teil der Inszenierung.]
Es macht richtig Laune, im ANTIKRIST mitzuspielen. Die Bude ist rappelvoll, um es salopp zu sagen, die Kostüme sind völlig irre, die ganze Oper ist der reine Wahnsinn. Ich spiele den »Hass«, dafür stecke ich in einem Ganzkörperanzug, die Verwandlung schlechthin. Ich schlüpfe von oben rein, vorsichtig, denn am Bauch, wo ein Sixpack aufgemalt ist, stecken Blutpacks. […]
Überhaupt muss ich die ganze Zeit irre aufpassen, ich gucke halb durch den Mund, wenn ich singe, muss ich darauf achten, dass meine Stimme durch den Netzstoff dringt, irgendwann steige ich mit den Megaplateausohlen sogar auf den Souffleurkasten.
Die Termine im Überblick
24.04. Do19.30
Antikrist | Deutsche Oper Berlin
02.05. Fr19.30
Antikrist | Deutsche Oper Berlin | Zum letzten Mal in dieser Spielzeit
Karten und Service:
Tageskasse: Do. – Sa. (außer feiertags), 12.00 – 19.00 Uhr
Abendkasse: 1 Stunde vor Vorstellungsbeginn.
Keine Abendkasse bei Vorstellungen in der Tischlerei.
Tel.: +49 (30) 343 84 343
info@deutscheoperberlin.de
WebshopDeutsche Oper Berlin
Bismarckstraße 35
10627 Berlin-Charlottenburg
AnfahrtTaged as/in; »Antikrist«, 1920, Deutsche Oper Berlin, Ersan Mondtag, Fin de siècle, Mysterienspiel, Oper, Philipp Jekal, Rued Langgaard#writtenby
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SENSES by IAMMI and materia-studio at Milan Design Week
Discover a dynamic hub in the heart of the Porta Venezia Design District during Milan Design Week, from April 8–13, 2025.
An immersive journey through Design
MDW 2025, April 8—13
On the occasion of Milan Design Week 2025, IAMMI and the materia-studio are presenting SENSES, a multisensory installation at the MelzoDodici auditorium. Discover a dynamic hub in the heart of the Porta Venezia Design District from April 8–13, 2025.
This immersive experience turns visitors into protagonists of an unprecedented narrative, where the senses are heightened by a journey designed to expand our perceptual boundaries.
SENSES reinterprets the concept of the wunderkammer through a curated path where IAMMI’s irreverent furnishings come to life. An interplay of light and shadow—an “invisible direction”—strategically illuminates their most iconic designs at set intervals.
Tactile contrasts, olfactory stimuli, and a carefully crafted soundscape elevate the experience, guiding visitors on a journey through personality archetypes that pulsate in the darkness and reveal themselves in the light.
Our sight is captivated by pieces strategically placed along the path, while, as the journey unfolds, our sense is awakened by unpredictable aromas and touch ignited through the discovery of interactive surfaces and unusual textures. Our hearing is submerged in the sound design by ISLA (Adriano Trentacosti, multi-instrumentalist and Art Director for Toiletpaper magazine), whose compositions contribute to the sensory contamination; meanwhile, the visual identity, curated by Post Action, plays with the icons of IAMMI’s designs, bringing them to life with genuine graphic symbols.
Provocative icons at the Porta Venezia Design District
IAMMI showcases several unique products. Brrrick is a seating element that reinterprets a brick extrusion using recycled materials. The Frankenstein collection consists of objects made from reclaimed foam and leather patchwork. The Friendly Monster Cabinet transforms the concept of the “monster in the closet” into a modern, reassuring piece of furniture. Clouds sofas are covered in semi-bouclé fabric, evoking the softness of clouds.
Heidi is a bag inspired by the imagery of a cowbell with a contemporary twist. The Un pesce fuor d’acqua pouf is covered in lamb leather, blending animal worlds. The Tofu collection features upcycled foam and polyurethane simulating natural stone through textured play. Toast is a travertine coffee table with a silhouette resembling toasted bread. Lastly, the Su e Giù collection of polycarbonate side tables is inspired by the movement of water and the fluidity of waves.
The leitmotif of the project is upcycling, with most of the displayed pieces, crafted from reclaimed materials or remnants from discontinued production processes. Bold, symbolic, and often unexpected, these furnishings interact to challenge the boundary between waste and value.
Sustainability extends to the setting as well: the concrete steps surrounding the auditorium will be covered in black Eco Foam by Re Mat, a recycled material made from post-consumer polyurethane foam. Custom-made seating highlights the contrast between the coldness of concrete and the welcoming softness of the innovative material, creating a perceptual short circuit that invites visitors to pause, reflect, and be surprised by the transformative potential of reuse.
SENSES unfolds as a sensory meditation in which light, sound, touch, and taste intertwine to reveal hidden stories, giving life to an overwhelming synesthetic experience that guides visitors beyond the surface of design icons.
CREDITS
Project
SENSES
Curators
IAMMI (Stephanie Blanchard, Nicolau dos Santos)
materia-studio (Davide Madaschi, Stefano Manzini)
Design
IAMMI
Location
MelzoDodici (auditorium)
Via Melzo, 12, 20129 Milan
Opening hours
8 – 13 April 2025, 10.00 a.m. – 7.00 p.m.
Sound experience
ISLAVisual identity
Post Action (Federico Paviani, Joshua Althaus)Main partner
Re Mat (Alessandro Lodo, Francesco Perazzini)Partners
Barbara Ricchi, Cave Lazzareschi, Elastopol, L&L Luce&Light, Navoni Marmi, POLIART, PulveraMINTLIST.INFO — IG — FB
Copyright © 2025, MINT LIST, Giulia Milza, Maria Azzurra. All rights reserved
Taged as/in; 2025, Alessandro Lodo, Barbara Ricchi, Cave Lazzareschi, Davide Madaschi, Elastopol, Federico Paviani, Francesco Perazzini, ISLA, Joshua Althaus, L&L Luce&Light, materia-studio, MelzoDodici, Milan Design Week, MINT LIST, Navoni Marmi, Nicolau dos Santos, POLIART, Post Action, Pulvera, Re Mat, SENSES, Stefano Manzini, Stephanie Blanchard#writtenby
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