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New Album by pdqb – 8 1/2 Bit Via Synaptic Cliffs
🎮 “I live in the arcades. Reality was never an option!” — 85-year-old video game queen & film composer pdqb returns with 8½ Bit, a love letter to retro joy.
“I live in the arcades. Reality was never an option!”
The 85-year-old video game queen and film composer pdqb (born on November 14, 1939) delivers a beautiful love letter to your boomer childhood, a wild ride through the golden age of video gaming. Hear how she dodges bullets, jumps over cosmic chasms, beats bosses, reaches bonus stages, uses cheat codes and even her last continue…just to stay in a world of pixels and vectors forever.
pdqb will bring you back all those fond memories of unburdened joy that you might have lost while growing up. She could be your savior. Synaptic Cliffs is filled with otherworldly pride to present these 14 timeless masterpieces to its beloved listeners.
Tracks:
A Side
- A1 Sixfold Radianz (3:45)
- A2 Boktay (2:10)
- A3 4d-TögTägTüu (1:23)
- A4 Exosphear (4:07)
- A5 Maurodius-Papeda (1:11)
- A6 Dondoli (the NPC) (3:20)
- A7 …LeftRightBA (0:56)
B Side
- B1 Lygöphobiä (1:49)
- B2 Flossbite (1:36)
- B3 Chipppps (3:32)
- B4 DodgedoG (2:33)
- B5 Bogeygirl (2:16)
- B6 Laserzimmer 1, Raum 3.16 (1:54)
- B7 Binäry Gatoraders On Acid (2:06)
Taged as/in; 2025, 8andahalfbit, arcadel ife, boomer beats, chip tune, film composer, music release, new music, nostalgia, OCTOBER, pdqb, release, retro aesthetic, retro wave, Synaptic Cliffs, video game music#writtenby:
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New EP: The MFA – The Difference it Makes Remixes
A timeless classic reborn — The Difference It Makes returns with remixes by Joe Goddard, Nathan Fake & The MFA, out Oct 28 on Deskbound Complex.
Original MFA Mix:
One of Pitchfork’s top 50 tracks of 2004, Resident Advisor described it at the time as, “Beautiful slices of dubby-tech house with compressed guitars and abstract sliced vocals. From start to finish, the track is minimal in nature. I like it, and I think you will too… The MFA has created something of a hidden gem.”
The record went on to receive support from Gerd Janson, Carl Cox, BLOND:ISH, Sven Väth, James Holden, Michael Mayer, Tim Sweeney, Dusky, Ata, Joseph Capriati, Robag Wruhme, Henry Saiz, Nick Warren, Hernan Cattaneo, Jody Wisternoff, James Grant, Joe Goddard, and more.
Joe Goddard Remix:
With plenty of plays from Grammy-nominated Joe Goddard of Hot Chip, it seemed only right to ask him to remix the track. The result is an electro-dance number with a big breakdown and main room appeal.
Nathan Fake Remix:
Originally released on James Holden’s Border Community, The MFA pay homage with a remix by former labelmate, Nathan Fake – who the duo first met on an internet chat room at the turn of the millennium.
The MFA’s #23 Remix:
Reimagined 23 years after it was first written (with a nod to The KLF), the remix pushes the track deeper onto the dancefloor, with a fresh take on the original.
About Deskbound Complex and The MFA:
Deskbound Complex was launched in 2025 by The MFA’s Alastair Douglas and Rhys Evans, with Euge Rasini joining as label manager, and Amilcar Torija as creative director.
The long-term vision is for Deskbound Complex to provide a platform for new and established artists to share, collaborate, and release records through.
Following their debut release on Border Community in 2004, The MFA went on to release tracks on Bpitch Control, Kompakt, Boxer, EQ, and Precinct records. After a break, the pair returned in 2021 with a release on Traum, and fresh material planned for release in 2026.
- Artist: The MFA
- Release: The Difference it Makes Remixes
- Label: Deskbound Complex
- Release Date: October 28, 2025
© FATdrop 2025
Taged as/in; 2025, Border Community, Clubculture, Dance Music, Deskbound Complex, electronic music, Hot Chip, House music, Joe Goddard, Nathan Fake, new release, News, release, Remix, Tech House, The MFA, vinyl#writtenby:
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CHRYSALIS. ARTISTS IN LABS @ The Art Laboratory Berlin
Join the Art Lab Berlin for the CHRYSALIS panel at Berlin Science Week — exploring art, AI, ecology & neuroscience with artists and scientists from Berlin!
Panel Discussion | With Helena Nikonole, Álvaro Rodríguez, Julius Holtz, Ludmila Litvin, Margherita Pevere, Germán Joosten, Regine Rapp, and Christian de Lutz
Berlin Science Week
Sat, 8 November 2024, 13:00 – 14:30
BSW / Säälchen, Holzmarkt 25, 10243 BerlinJoin the presentation of our current research project CHRYSALIS. ARTISTS IN LABS at the Berlin Science Week 2025 on 8 November 2025. We will give an insight into Berlin-based artists researching in Berlin science labs – with topics on neuroscience, artificial intelligence, biodiversity, and ecology!
During 2025 and 2026, Art Laboratory Berlin is unfolding the new innovative project CHRYSALIS. ARTISTS IN LABS with an interdisciplinary exchange between art and science in Berlin science laboratories. Building on Berlin’s unique status as a global centre for arts and sciences, we aim to create new synergies based on topics of current research.
Art Laboratory Berlin is working with a consortium of scientists from all three Berlin universities, the Charité, and the University of the Arts Berlin. They are initiating artist-in-lab residencies for four internationally recognized, Berlin-based artists: Helena Nikonole, Julius Holtz, Sybille Neumeyer, and Margherita Pevere.
We expect strong outcomes in transdisciplinary knowledge transfer, artistic research, art science communication, and some new artworks highlighting 21st-century innovations. In this year’s BSW panel discussion we present three artists of the project CHRYSALIS together with their scientific partners of the respective Berlin science laboratories.
A Conversation with
- Helena Nikonole, new media artist, independent curator, Berlin/ Istanbul
- Álvaro Rodríguez, biologist, Rillig Lab | Ecology of Plants, Institute of Biology, FU Berlin
- Julius Holtz, composer and sound researcher, Berlin
- Ludmila Litvin, Research Associate, Sleep Research & Clinical Chronobiology, Institute of Physiology, Charité-Universitätsmedizin Berlin
- Margherita Pevere, artist and researcher, Berlin
- Germán Joosten, Environmental researcher, Jeschke Lab | Ecological Novelty, Institute of Biology, FU Berlin
- Regine Rapp, art historian and curator, Art Laboratory Berlin
- Christian de Lutz, curator and researcher, Art Laboratory Berlin
Helena Nikonole
For the CHRYSALIS project, Helena Nikonole will continue her work at the intersection of machine learning and biosemiotics. During her residency at the Rillig Lab, Institute of Biology, FU Berlin, she will incorporate her machine-learning–related practice into metagenomic soil-ecology research. This will align with the lab’s ongoing Global Change project.
Álvaro Rodríguez
Post-doc researcher Álvaro Rodríguez from the Global Change research project at the Rillig Lab studies global change. His research focuses on understanding how microbial populations respond to many global change factors. These populations range from viruses to fungi. He will elaborate on his current research, especially the field of metagenomics.
At its starting point, Helena’s project poses a central research question: In what alternative forms might life emerge and develop under different conditions? The collaboration invites a dialogue where speculation meets observation. It approaches evolution not as a fixed trajectory but as a continuous unfolding. This unfolding is a field of potential transformations that may be real, imaginary, or both at once.
Julius Holtz
In context of the CHRYSALIS project, composer and sound researcher Julius Holtz is collaborating with scientists from the Bernstein Center for Computational Neuroscience, HU Berlin. He is also working with the Institute of Physiology about Sleep Research & Clinical Chronobiology, Charité-Universitätsmedizin Berlin. At the core of his investigations are the interactions between participants and sound environments. They include the formation of (self-)consciousness and the creation of spaces that invite active listening. Mindfulness and the practice of active listening are closely connected: What new perspectives emerge from the act of listening to oneself as well as listening to others?
How can new technologies be used sustainably in this context? What role does conscious and mindful action play for our society and environment? How can technological innovations contribute to fostering or transforming these qualities?
Ludmila Litvin
Ludmila Litvin is a research associate on Sleep Research & Clinical Chronobiology at the Institute of Physiology, Charité-Universitätsmedizin Berlin. In the panel discussion she will elaborate on her research field and come into dialogue with Julius’ artistic research.
Margherita Pevere
Artist and researcher Margherita Pevere’s project (untitled) in context of the CHRYSALIS project will look at death as an ecological driver in ponds of the Berlin urban area. Her artistic research is looking at what chemicals (nicotine, drugs, among others) enter ponds, and how they affect biotic activity.
Germán Joosten
Environmental researcher Germán Joosten from the Jeschke Group for Ecological Novelty, FU Berlin, will join the panel discussion. The event includes experts from the Leibniz Institute of Freshwater Ecology and Inland Fisheries (IGB). He will come into dialog with Margherita at this year’s BSW panel discussion. (untitled) belongs to Margherita’s current art series untaming death, which understands death as an ecological process rather than the end of life.
Previous projects in the series engaged with complex phenomena inside the human body. These included autoimmune conditions in Hlymia, 2024. They also engaged with damaged ecosystems like wildfires and soil in Lament, 2024. This project was awarded the COAL Transformative Territories Mention 2024.
The series reflect on death as a constitutive part of life processes, but frames in it a time of anthropogenic disruption of ecologies and species extinction. How to (not) come to terms with this?
About Art Laboratory Berlin
The Art Laboratory Berlin is a multiple award-winning art and research platform. It has over 15 years’ experience in art-science research. The platform is known for its curatorial expertise, mediating talents, and discursive portfolio. It benefits from longstanding collaborations with numerous Berlin university research institutes and a strong network in the “art-science” field.
In the CHRYSALIS project, the role of Regine Rapp and Christian de Lutz is to closely mentor, creatively mediate, and constantly foster the chrysalis – the transitional state – of these critical transdisciplinary research paths.
More information about the speakers & the research project CHRYSALIS:
https://berlinscienceweek.com/de/programme/chrysalis-artists-labs
https://artlaboratory-berlin.org/research/chrysalis-artists-in-labs/
Cooperation Partners:
- Sleep Research & Clinical Chronobiology, Institute of Physiology, Charité Berlin
- Rillig Lab | Ecology of Plants, Institute of Biology, FU Berlin
Jeschke Lab | Ecological Novelty, Institute of Biology, FU Berlin - The Leibniz Institute of Freshwater Ecology and Inland Fisheries (IGB)
ARL – Akademie für Raumentwicklung in der Leibniz-Gemeinschaft, Hannover
other Chrysalis partners:
- Weizenbaum Institute, UdK Berlin
Einstein Center Digital Future, TU Berlin - Berlin Open Lab, TU Berlin, UdK Berlin
- Bernstein Center for Computational Neuroscience, HU Berlin
CLOT Magazine London
Taged as/in; AI, Álvaro Rodríguez, art, Art Laboratory Berlin, Artists, berlin, biodiversity, Christian de Lutz, chrysalis, collaboration, contemporary, creativity, ecology, event, exhibition, Germán Joosten, Helena Nikonole, innovation, Julius Holtz, labs, Ludmila Litvin, Margherita Pevere, Neuroscience, Regine Rapp, research, Säälchen, Science, Sustainability, transdisciplinary#writtenby:
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FRESH A.I.R. #10 – Abschlussausstellung & Open House
„I AM FLUX“ zeigt neue Werke internationaler Künstler:innen über Identität, Wandel & Technologie – vom 7.11.25 bis 29.3.26 im URBAN NATION Berlin.
Vernissage: Donnerstag, 6. November 2025, 19–22 Uhr
Ausstellungsdauer: 7. November 2025–29. März 2026
Öffnungszeiten: Dienstag/Mittwoch: 10–18 Uhr, Donnerstag bis Sonntag: 12–20 Uhr
Ort: Projektraum des URBAN NATION Museums, Bülowstraße 97, 10783 BerlinOpen House: Samstag, 8. November 2025, 14–20 Uhr, Bülowstraße 7, 10783 Berlin
„I AM FLUX: The Freedom of Being and the Possibilities of Becoming“
Im Rahmen der FRESH A.I.R. #10
Unter dem Titel „I AM FLUX: The Freedom of Being and the Possibilities of Becoming“ zeigt das Artist-in-Residence-Programm Fresh A.I.R. und das Martha Cooper Scholarship der Stiftung Berliner Leben die Abschlussausstellung.
Seit Januar 2025 beschäftigen sich die teilnehmenden Stipendiatinnen und Stipendiaten des zehnten Fresh A.I.R.-Jahrgangs mit der transformativen Natur von Identität und Existenz im Spannungsfeld zwischen Kunst und Technologie. Mit ihren Werken hinterfragen sie, was es bedeutet, in einer Welt des ständigen Wandels zu leben, sich selbst zu verändern und weiterzuentwickeln.
Im Rahmen des elfmonatigen Stipendiums entstanden neue Werke von zwölf internationalen Künstlerinnen und Künstlern:
Lena Becerra (ITA/ARG), Lena Biresch (DEU), Mariana Carranza (URY/DEU), Jivan van der Ende (NLD), Julla Kroner (DEU), Linda Marwan (DEU), Agata Mendziuk (POL), Dylan Mitro (CAN), Hugo Pétigny (FRA), Monika Popiel & Paweł Świerczek (POL) sowie Mátyás Tóth (HUN).
Die Arbeiten gruppieren sich um drei thematische Felder:
HORIZONS OF BEING
Identität als dynamischer, fluider Prozess. Die künstlerischen Beiträge hinterfragen normative Geschlechterrollen und untersuchen Verkörperung sowie performative Selbstentwürfe jenseits festgelegter Zuschreibungen.
WHISPERS OF EXISTENCE
Die metaphysische Dimension des Seins: Fragen nach Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit, Präsenz und Abwesenheit, poetisch und transzendierend wurden bearbeitet.
BEYOND LIMITS
Überschreitungen klassischer Grenzziehungen: Mensch-Technologie-Interfaces, Erweiterungen des Körpers, Dialoge zwischen Natur und Maschine sowie historische Rekonfigurationen wurden künstlerisch erforscht.
Die Ausstellung spiegelt die große Bandbreite zeitgenössischer Ausdrucksformen wider: Installationen, Skulpturen, Videoarbeiten, Fotografie sowie digitale Medien, XR-Technologien und immersive Formate. Ergänzt werden diese durch Malerei, hybride Medien, Performance, Sound Art und interaktive Raumkonzepte.
Die Ausstellung ist nur ein Teil des vielfältigen Kosmos unserer Stipendiatinnen und Stipendiaten. Eine besondere Gelegenheit mehr über die künstlerischen Ansätze zu erfahren, bietet sich beim Open House am 8. November 2025. Hier erhalten Besucherinnen und Besucher exklusive Einblicke in die Projekte und Arbeitsweisen.
Weitere Informationen zu Fresh A.I.R.:
Taged as/in; Agata Mendziuk (POL), Artists In Residence, Berlin Art Scene, berlin events, contemporary art, Dylan Mitro (CAN), exhibition, Fresh AIR 10, Hugo Pétigny (FRA), I AM FLUX, Identity, Installation, Jivan van der Ende (NLD), Julla Kroner (DEU), Lena Becerra (ITA/ARG), Lena Biresch (DEU), Linda Marwan (DEU), Mariana Carranza (URY/DEU), Martha Cooper Scholarship, Mátyás Tóth (HUN), Monika Popiel & Paweł Świerczek (POL), New Media, performance, Photography, sculpture, Sound Art, technology, transformation, Urban Nation Berlin, XR#writtenby:
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Uraufführung: Androgynous. Portrait Of a Naked Dancer.
ANDROGYNOUS erforscht das Vermächtnis von Anita Berber & Co – ein sinnliches Revival der 1920er Berliner Avantgarde zwischen Provokation und Erinnerung.
ANDROGYNOUS ist ein Projekt von Lola Arias in Zusammenarbeit mit River Roux, einer Performerin und Pole-Tänzerin. Zusammen mit Bishop Black und Dieter Rita Scholl tritt Roux in die Fußstapfen von Anita Berber und anderen legendären Figuren des Berlins der 1920er Jahre.
„Ich tanze, weil ich sonst verrückt würde.“
Anita BerberObwohl Berbers Leben kurz war, ist ihr Vermächtnis unvergessen: Mit ihren Performances, die von Geschlechterambiguität, Erotik, Horror und Ekstase geprägt waren, überschritt sie Normen. Dennoch wird ihr Wirken in der Berliner Gegenkultur oft auf Skandale reduziert.
In einem Raum, der an einen Nachtclub und ein Kabaretttheater erinnert, verkörpern die Darsteller*innen ihre Alter Egos von vor hundert Jahren. Auf der Bühne rekonstruieren sie – mit Hilfe von Kritiken, Fotos, Stummfilmen und Polizeiberichten – Tänze und Performances, die für eine Gesellschaft, die gerade den Ersten Weltkrieg hinter sich hatte, radikal und provokativ waren.
Was bleibt von diesen legendären Performances, die durch den aufkommenden Konservatismus am Ende der Weimarer Republik zensiert und verboten wurden? Wie können wir eine Kunst rekonstruieren, wenn wir nur wissen, was in Polizeiberichten steht? Wie viel von der Kunst, die wir heute schaffen, wird morgen zensiert und verschwunden sein?
Weitere Infos & Tickets
- Maxim Gorki Theater
- Am Festungsgraben 2
- 10117 Berlin
- TAGESKASSE
- Am Festungsgraben 2 (im Foyer)
- Mo–Sa: 12–18:30 Uhr
- So/Feiertag: 16–18:30 Uhr
- ABENDKASSE
- Am Festungsgraben 2 (im Foyer)
- Eine Stunde vor Vorstellungsbeginn
- Telefon: 030 20221-115
- (Fax -128)
- E-Mail: ticket@gorki.de
- Besucherservice
- Markus Bäuerle / Laura Landsberger (Leitung Kasse/Vertrieb)
- besucherservice@gorki.de
Historische Figur: Anita Berber
Anita Berber (1899–1928) war eine der schillerndsten und radikalsten Künstlerinnen der Weimarer Zeit – Tänzerin, Schauspielerin, Dichterin, Provokateurin und Symbol einer ganzen Ära.
Sie wurde in Leipzig geboren und wuchs in Berlin auf. Schon früh suchte sie die Bühne: erst als Ausdruckstänzerin, bald als Schauspielerin im Stummfilm. Doch berühmt – und berüchtigt – wurde sie vor allem für ihre ekstatischen, erotisch aufgeladenen Tanzperformances, die Tabus brachen und die Grenzen zwischen Kunst, Körper und Rausch ausloteten.
Ihre Auftritte – oft nackt oder in transparenten Stoffen, begleitet von düsteren Themen wie Tod, Drogen, Sexualität und Dekadenz – waren Ausdruck einer Generation, die nach dem Ersten Weltkrieg nach neuen Formen des Lebens und Fühlens suchte. Sie verkörperte eine androgyne Sinnlichkeit, die bis heute fasziniert.
Berber lebte exzessiv: Sie tanzte in Clubs und Kabaretts, schrieb Gedichte („Tanz des Lasters, des Grauens und der Ekstase“), bewegte sich zwischen Drogenexzessen, Skandalen und intensiven Liebesbeziehungen – mit Männern und Frauen.
Ihr Leben endete früh: Mit nur 29 Jahren starb sie an Tuberkulose, ausgelaugt vom Rausch, der sie berühmt gemacht hatte. Doch ihr Einfluss blieb – sie wurde zur Ikone des Expressionismus und der queeren Subkultur.
Taged as/in; androgynous, Anita Berber, avantgarde, berlin, Bishop Black, Cabaret, Dieter Rita Scholl, Erinnerung, gender, Kunst, Lola Arias, performance, queer, River Roux, Theater#writtenby:
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Das Mörtal – Remixes I’MMORTAL’s ‘Uncanny Valley’
Darksynth icon Das Mörtal remixes I’MMORTAL’s glitchy anthem ‘Uncanny Valley’ into a sinister, cinematic masterpiece—dropping Oct 31 via Immortality.
Powerhouse producer Das Mörtal is gearing up to unveil a remix of alt-pop provocateur I’MMORTAL’s glitchy masterpiece ‘Uncanny Valley’ . The remix will be accompanied by a bewitching music video. It is supported by a grant from the New York Foundation for the Arts. The release is slated for the 31st of October, 2025, via IMMORTALITY.
- WATCH: I’MMORTAL – ‘Uncanny Valley’ (Das Mörtal mix): My Eyes Are Down Here Buddy
- Pre-save ‘Uncanny Valley’ (Das Mörtal Remix)
With over 28 million streams on Spotify alone and several EPs and albums under his belt, Das Mörtal has received media and radio support across the globe.
He has appeared at numerous major festivals such as Osheaga, Transmusicales de Rennes, FME, and Meg Festival, while opening on tours for the likes of Vitalic, Perturbator, and Carpenter Brut. The enigmatic producer focuses on a dark and nostalgic sound, skillfully blending genres from Techno to Occult Electro to horror and sci-fi film soundtracks – and so much more.
Das Mörtal’s music has been praised by heavyweight industry webzines. His music earned Most Added New Release on the American college radio chart Top 200 NACC. It also landed on several influential pages on YouTube such as NewRetroWave.
“Like most remixes I do, I was trying to make it sound as if this could be the original version of the track rather than have the vibe of a remix.”
Das MörtalNow based in Montréal, Das Mörtal began his journey in Berlin, inspired by artists such as Steve Moore and Aphex Twin. On stage, he has racked up nearly 100 shows since 2015, including more than 70 dates in the U.S. and Europe (UK, France, Scandinavia).
‘Versace Spaceship’
New York and London-based visual artist, producer, and creative director I’MMORTAL launched herself into the digital sphere in August 2023 with the release of her debut tech-house single, ‘Versace Spaceship’, and has since released a successful string of singles that have amassed nearly half a million streams on Spotify alone and praised by various tastemaker publications. Her single ‘KILLED U IN A DREAM’ has been remixed by both biskuwi and Droid Bishop.
Hailing from California, I’MMORTAL spent her childhood and teenage years playing violin in orchestras, unknowingly developing composition skills crucial for her current music production. I’MMORTAL’s audio-visual synesthesia fuses campy, otherworldly visuals to her imaginative beats.
Image credit: Ariana Molly ‘Uncanny Valley’
A sonic feast, the original version of ‘Uncanny Valley’ features spooky sound effects, glitchy autotuned vocals, a prickly trap beat, and vivid lyrics exploring the blurred line between human and machine, culminating in a clubby bridge of sawtooth synths and pulsing bass that dissolves into eerie, futuristic beeps.
Das Mörtal’s take on the track, sure to ensnare fans of Carpenter Brut, Dav Dralleon, and Perturbator, trades in the slinky creepiness of the original for a heavily industrial Darksynth counterpart that retains I’MMORTAL’s patent glitchiness but splinters it into something darker, deeper, and more dangerous – a befittingly bewitching fusion of the sound of the two ‘mortals’.
About the Video
The accompanying video is a masterfully-shot cinematic vision that blurs the line between seduction and surrealism. I’MMORTAL performs on a stage with a pole. She is bathed in cool blue light against a vivid red backdrop. Wearing towering pleasers and sleek visors, she exudes both power and mystery. A monstrous man watches her through flickering screens as a shadowy figure emerges: a male dancer whose movements mirror and distort hers.
The music grows glitchier. The visuals spiral into body-horror surrealism. The man’s face warps and stretches. His body melts into a monstrous fusion of mud and clay. This evokes a nightmarish bog creature. In the haunting final moment, I’MMORTAL removes her visors to reveal a face with no eyes. Her eyes instead gleam eerily from her chest. They appear mesmerizingly inhuman, perfectly uncanny valley.
Details:
- Daring Darksynth Producer
- Das Mörtal
- Remixes I’MMORTAL’s ‘Uncanny Valley’ Single & Video
- RELEASE DATE: 31st October, 2025
- LABEL: Immortality
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Glauco Di Mambro – Ipotetica Salsa, Ya Hala Ya Hala Records
Glauco Di Mambro drops “Ipotetica Salsa” on Ya Hala Ya Hala Records – a rebellious, high-energy track with an infectious groove and bold attitude.
Ya Hala Ya Hala Records is proud to present “Ipotetica Salsa”, the electrifying debut single from innovative artist Glauco Di Mambro. This track is a rebellious anthem that pushes boundaries with its rebellious attitude and infectious groove.
‘Ipotetica Salsa‘ features a super cool, catchy bassline that immediately captures listeners’ attention, setting the stage for a high-energy experience. Glauco’s signature Vocal improvisations add a raw, spontaneous vibe, making the song a true standout and a potential hit on dance floors everywhere.
With its rebellious character and magnetic sound, ‘Ipotetica Salsa’ promises to be a fresh, bold addition to the musical landscape. Keep an eye on Glauco Di Mambro as he redefines what it means to make a statement through music.
Details
Artist: Glauco Di Mambro
Title: Ipotetica Salsa
Label: Ya Hala Ya Hala RecordsAbout GLAUCO DI MAMBRO
Glauco Di Mambro is a genre-crossing force: he embodies the spirit of freedom and rebellion, blending indie dance, house and minimal sounds with his unmistakable acid touch. It started with ten years of studying classical piano. This foundation grew into a lifelong journey as a DJ, producer, and music curator. While staying true to his roots, Glauco’s sound is ever evolving. His music is euphoric, high-energy, and full of character. It creates an almost tangible sense of collectiveness and deep sense of connection on the dancefloor.
As a long-term resident and music curator at The Sanctuary in Rome, Glauco has built a reputation for curating nights with a bold, eclectic energy and distinctive sound. For his much-loved monthly State Of Flux night at The Sanctuary, he invites talent from around the world. This brings fresh perspectives and sounds to the city. His monthly radio (and video) show live on Rough Radio extends the energy to the airwaves and on YouTube, allowing him to connect with listeners globally. In each episode, Glauco and his guest explore music, ideas, and perspectives. They create a platform that promotes fresh collaboration among like-minded artists.
Glauco Di Mambro:
Ya Hala Ya Hala Records:
Text: © Sound Yeast Promotion
Taged as/in; bassline, Dance, DJ, energy, EP, Glauco Di Mambro, groove, melody, Music, Party, Rebellion, release, rhythm, track, vibe, Ya Hala Ya Hala Records#writtenby:
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Die performte Reality oder die Leere des modernen Marketings
Wir performen Echtheit, bis sie verschwindet: Warum das Lächeln der Marketingwelt so leer klingt – und was das über uns und unsere Zeit verrät.
Es ist ein vertrautes Schauspiel. Ein lächelndes Team beugt sich über Laptops, ein Flipchart mit aufsteigendem Graphen im Hintergrund. Darunter ein Text, der klingt wie eine Motivationsrede im PowerPoint-Format: „Wir performen Zukunft – holistisch, sustainable, emotional.“ Die Menschheit könnte an dieser Stelle lachen, wäre es nicht so symptomatisch asynchron zur Realität.
Diese Sprache – reich von Synergien, Stakeholdern, Purpose und Flexibilität – ist längst zur Kunstform des Inhaltslosen geworden. Sie tut so, als würde sie die Welt erklären, doch sie beschreibt nur den Spiegel ihrer eigenen Oberfläche.
Sie spricht von Werten, wo eigentlich nur Wertschöpfung gemeint ist. Oder von Menschen, wo es um Märkte geht, und von Emotionen, wo nur Strategie herrscht.
Die Poetik der Worthülse
Das Vokabular dieser Kommunikationswelt ist faszinierend in seiner Hohlheit. Jedes Wort – „Impact“, „Inspiration“, „Impulse“, „vertical“, „Lead“ – klingt nach Bewegung, nach Fortschritt, nach Zukunft. Doch die Worte laufen ins Leere, wie auf Hochglanz polierte Ballons, die langsam an der Zimmerdecke hängen bleiben.
Was hier geschieht, ist nicht Kommunikation, sondern Simulation von Bedeutung. Die Sprache des Marketings hat sich von ihrer ursprünglichen Aufgabe – etwas mitzuteilen – gelöst. Aktuell dient sie nur noch dem Zweck, eine Atmosphäre von Sinn zu erzeugen, wo keiner ist. Sie will das Gefühl von Tiefe vermitteln, während sie den Grund unter den Füßen abschafft.
Innerhalb kürzester Zeit erzielt ein solcher inhaltsloser Artikel mehr Impressionen, als ein mit Herzblut geschriebener Text einer realen Person. Schaffen wir uns dank KI und KPIs mit diesem sinnentleerten Bla-Bla selbst ab?
Das Lächeln der Effizienz
Das dazugehörige Stockfoto-Teamlachen ist dabei kein Zufall. Es ist der visuelle Ausdruck derselben Ideologie: Die Menschen lachen nicht, weil sie Freude empfinden. Sie lachen gezwungenermaßen, weil die Kamera läuft. Oder weil es die Stellenausschreibung vorgibt.
Es ist das institutionalisierteste aller Lächeln: das Lächeln der Corporate Happiness, die zum Standard geworden ist. Während Authentizität zur neuen Währung des Erfolgs erklärt wurde.
Dieses Lächeln sagt: „Wir lieben, was wir tun.“ Aber es bedeutet: „Wir müssen lieben, was wir tun – sonst performen wir nicht.“ Und so wird Emotion selbst zur Ressource, zur Pflicht, zur Messgröße.
Die Ideologie des „Purpose“
In diesem Kosmos darf nichts mehr einfach nur funktionieren – es muss sinnstiftend sein. In der Realität ist es weder das eine, noch das andere. Der „Purpose“ ist das neue Evangelium, die Missionserklärung die moderne Liturgie. Agenturen, Konzerne, Start-ups – alle sprechen davon, „Menschen zu inspirieren“ und „Zukunft zu gestalten“.
Doch selten wird gefragt, wer diese Zukunft eigentlich gestaltet, und für wen. In Wahrheit ist diese Sprache das ästhetische Feigenblatt eines Systems, das keine rhetorischen Pausen kennt. Ein System, das Selbstoptimierung predigt, während es Erschöpfung produziert; das Verbundenheit beschwört, während es Vereinzelung perfektioniert.
Die Krise der Bedeutung
Das Tragische – und zugleich Komische – daran ist: Diese Texte meinen es oft ehrlich. Sie sind Ausdruck eines kollektiven Versuchs, in einer fragmentierten Welt Bedeutung zu rekonstruieren. Doch der Versuch scheitert nicht nur an der Form, sondern vor allem am Inhalt.
Ich habe anderthalb Jahre lang mein Leben mit einer Person geteilt, deren Rhetorik genau diesen leeren Worthülsen bedient. “Immer schön bei sich bleiben,” gemeint ist damit, den ganzen Raum einzunehmen. “Perspektive ändern,” und dabei immer wieder dieselbe Platte laufen lassen. “Leadership, means fellowship.”
Nicht mehr als heiße Luft. Je aufgeblasener die Sprache, desto erfolgreicher der Mensch dahinter. Echter Inhalt bleibt dabei zweitrangig, kurzum auf der Strecke liegen.
Denn wo jedes Wort zur Marketingeinheit wird, verliert Sprache ihre Fähigkeit, Wirklichkeit zu beschreiben. So verwandelt sich Kommunikation in Selbstbespiegelung, Sinn in Stil, Authentizität in Pose. Das ist die eigentliche Ironie: Je mehr das Marketing „Echtheit“ beschwört, desto künstlicher wird sie. Dabei erzeugt sie eine Echtheit im synchronen Dauerzustand der Simulation.
Und was bleibt?
Vielleicht bleibt nur das Bedürfnis, endlich wieder ehrlich zu sprechen. Nicht von „Performance“ oder „Excellence“, sondern von Unsicherheit, Suche, Scheitern, Glück. Von dem, was nicht skaliert, nicht monetarisiert, nicht in KPIs messbar ist.
Denn erst, wenn wir aufhören, Inspiration zu performen, können wir wieder anfangen, Bedeutung zu empfinden. Bis dahin bleibt das Lachen der Stockfoto-Teams das stille Symbol einer Zeit, die alles sagen will. Dabei jedoch vergisst, warum überhaupt.
Das Beispiel meines persönlichen KI-arrhoe finden Sie hier.
Taged as/in; Authentizität, Contemporary Culture, Creative Thinkers, Design Of Meaning, Editorial, essay, Essayistik, Feuilleton, Inspiration Overload, Kultur, Leere, Marketingkritik, Performative Culture, Purpose Culture, Purpose Driven, Reflexion, Social Critique, Sprache, Zukunft#writtenby:
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Debut EP by Mathilde Tirard – Noro/Marco/Merco
Composer Mathilde Tirard blends Armenian field recordings with electronic textures to craft poetic soundscapes of everyday life.
Mathilde Tirard is a composer and sound engineer trained at the CNSMD in Paris. After accompanying artists such as Popimane, Dramane Dembélé, Dafné Kritharas, and CKRAFT on stage, she developed an intimate and sensory sound style combining field recordings, electronic textures, and real-life stories. Inspired by Nicolas Jaar, Pierre Henry, and Parajanov, Mathilde sculpts sound to express the world in a different way.
Her first EP combines field recordings made in Armenia with precisely sculpted electronic textures. Each track was born from an encounter or a moment captured in real life: a taxi driver, a mass, a conversation, a bath, a shared misunderstanding.
Through a sound collage approach and sensory writing, Mathilde stretches everyday life to create a space for listening and poetry. Conceived as an immersive journey in five stages, the EP also unfolds in the form of sound installations, inviting the audience to experience the music in a direct, collective, and multisensory way.
Artist: Mathilde Tirard
Release: Noro/Marco/Merco EP
Label: Tedri Records
Release Date: Oct 3. 20251. Au milieu des pierres
2. Noro/Marco/Merco
3. Shared pomegranates? Naive thing
4. Can I take a picture?
5. Fade in the rearviewTaged as/in; ambient, Armenia, composer, electroacoustic, Electronic, EP release, Experimental, Field Recording, Installation Art, Mathilde Tirard, new music, Sound Art, sound design, soundscape, Tedri Records#writtenby:
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