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Reeperbahn Festival 2025: A Stage for the Future of Music
Reeperbahn Festival’s 20th edition lit up St. Pauli with 43,000 visitors, 70 venues & pure unpredictability—music, ideas & togetherness collided.
On a late September evening, the streets of St. Pauli feel like they’re humming with their own frequency. Neon bleeds into cobblestones, queues curl around corners, and the air is heavy with bass lines leaking from club doors. For four days, Hamburg’s notorious entertainment district transforms into something far bigger than itself: a crossroads of music, ideas, and chance encounters. This year marked the 20th edition of Reeperbahn Festival, and the city wore its anniversary like a badge of honor.
43,000 visitors between 70 venues
With around 43,000 visitors spilling between 70 venues, Reeperbahn’s scope is impossible to take in fully. It’s messy, restless, and sprawling by design – part discovery marathon, part industry summit, part street party. You might wander from an intimate church concert to a panel on the rise of AI in music, then stumble into a guerrilla gig that wasn’t even on the schedule. It’s this unpredictability that makes the festival feel alive, a reminder that music thrives on friction and surprise.
Photo: Marvin Contessi “Imagine Togetherness!”
This year’s theme, “Imagine Togetherness!”, was more than a slogan. It seeped into conversations about fair pay for artists, the fragility of small venues, and the cultural stakes of streaming-era homogeny. Panels weren’t just token gestures; they carried the urgency of an industry at a crossroads. The founding of the Live Music Fund Germany felt like a rare, tangible outcome – a solidarity-driven safety net to keep independent live culture alive in uncertain times.
But it was the music – always the music – that brought the ideas to life. Friday belonged to Kraftklub, who hijacked the festival with their “Kiez Tour 2025”. The band played 15 surprise shows in the cramped clubs of St. Pauli, reviving the sweaty, chaotic intimacy that first made live music feel like rebellion. At the Festival Village, Nina Chuba drew thousands with an unannounced set, Zsá Zsá and Jolle turned Thursday night into an impromptu celebration, and across the city, we discovered countless new acts while seeing live artists we already loved – a reminder of Reeperbahn’s unique balance between discovery and affirmation.
Photo: Robin Schmiedebach Photography Anchor International Music Award
The Anchor International Music Award, now in its 10th year, once again pointed toward the future. Chosen by a jury of legends including Laurie Anderson, Suzi Quatro, and Tayla Parx, this year’s winner Mei Semones delivered the kind of unforced charisma that made her feel like an obvious choice. With her band’s hybrid of guitar-driven intimacy and emotional intensity, she represented what Reeperbahn does best: spotlighting artists on the cusp of something bigger, before the industry machine catches up.
Outside the venues, Reeperbahn was as much about atmosphere as programming. The district’s chaos – its street musicians, spontaneous parties, and endless conversations spilling from bars – gave the festival a texture no conference center could replicate. Between official sessions on sustainability and showcases of emerging acts from 30 countries, there was also the simple magic of strangers pressed shoulder to shoulder, hearing something new together for the first time.
Collide sessions
If past editions sometimes felt like a competition for attention, this 20th anniversary leaned into something subtler: collectivity. Whether through industry collaborations like the Collide sessions (soon to appear on YouTube and ARTE) or the festival’s commitment to gender balance in its curated line-up (56% FLINTA*), Reeperbahn reminded its community that progress in music doesn’t happen in isolation.
Photo: Dominik Friess Another highlight came from the country and city takeovers, which turned parts of St. Pauli into windows onto different musical worlds. We especially loved the Austria, Switzerland, Estonia, Korea and Berlin showcases, each bringing a distinct energy and aesthetic.
By the time the final notes faded on Saturday night, it was clear that the festival had accomplished something rare: it managed to be both a mirror of the industry’s anxieties and a celebration of music’s connective power. As Richard Burgess of A2IM put it, perhaps a little boldly, “Reeperbahn Festival has now grown to be the most important event for our industry worldwide.”
For now, the future is already calling – early bird tickets for 2026 are on sale at €139 – but the afterglow of 2025 lingers. What remains isn’t just the memory of the concerts or events we got to attend, but the sense of togetherness that pulsed through St. Pauli: a messy, unpredictable, deeply human celebration of why music still matters.
Taged as/in; 20th edition, Anchor International Music Award, anniversary, Artists, community, Concerts, creativity, culture, discovery, energy, Festival, future, gigs, Hamburg, Imagine Togetherness!, Industry, inspiration, live, Music, nightlife, Panels, reeperbahn festival, Reeperbahn Festival 2025, StPauli, togetherness#writtenby
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Activity FM AFM003: UK Techno Meets Spanish Electro Energy
Activity FM drop AFM003: UK techno meets Spanish electro in a raw 4-track VA with Jerome Hill, Luke’s Anger, Dark Vektor & Computer Madness.
Activity FM return with their 3rd release – bringing together the sounds of UK techno and Spanish electro on this next VA EP. AFM003 showcases the Bogotá-Berlin collective’s effort to present music from diverse corners of club music. This new release is a four-track display of raw, analog-driven electro and techno energy.
Jerome Hill
Jerome Hill is up first, long established DJ famed for his turntablism meets techno style since the 90’s and boss of Super Rhythm Trax and Don’t. ‘Baptised’ is tough from the off, launching in off classic rave stabs with an unforgiving, system punching kick drum.
Luke’s Anger
Next up is Luke’s Anger, the second UK artist repping here and one closely tied to Hill – launching his own releases off Don’t in 2008. Here he fuses his classic sound with Chicago House influences. The result is a sharp and punchy techno jacker titled ‘Babe You Don’t Have Time’.
Dark Vektor
The next half of the EP is turned over to two talents from the Spanish world of classic vocoder electro. Gente Seria Baila Chandal co-founder and Spanish Electro legend Dark Vektor’s offering ‘Recorreindo El Trayecto’ is the perfect example of dark electro funk. Laden with gliding synths and sci fi Spanish vocals it comes with a touch of pure class and bounce.
Computer Madness
Closing things out is elusive Madrid based producer Computer Madness with his hardware analogue sound. ‘We Orbit’ holds true to this with its tight drum programming, eerie synth stabs and a stripped-back electro groove.
- Releases on digital this October 2nd with its vinyl release to follow in early 2026.
- Release Date: October 2nd, 2025
- Catalog Number AFM003
About Activity FM:
Activity FM is a Bogotá-Berlin collective dedicated to showcasing diverse sounds from the global club scene. Fusing UK techno, Spanish electro, and analog-driven energy, they curate releases that celebrate raw, boundary-pushing electronic music. Each project highlights both established talents and emerging voices, bringing underground club culture to a wider audience.
Taged as/in; 2025, Activity FM, AFM003, berlin, Bogotá, club, Digital, Electro, Music, OCTOBER, release, Spain, techno, UK, VA, vinyl#writtenby
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Patrick Demarchelier exhibition at camera work Gallery
From Sep 27–Nov 15, CAMERA WORK Berlin presents a major solo show of Patrick Demarchelier’s iconic and unseen works. #PatrickDemarchelier
FROM SEP 27 TO NOV 15
Starting Saturday, September 27, 2025, CAMERA WORK Gallery will present a major solo exhibition of the work of Patrick Demarchelier, who passed away in 2022. Over 40 photographic works will expand the view of the artist’s extensive oeuvre. In addition to world-famous photographic icons such as Christy (with Rose) and Christy and Mouse, numerous works will be shown here for the first time.
The exhibition is accompanied by the publication of a major new book, Patrick Demarchelier – Fashion Photographs Seen and Unseen (Rizzoli).
ABOUT THE EXHIBITION
The exhibition is divided into two thematic areas: fashion photography and portraiture. In his fashion works, Patrick Demarchelier transformed fabrics and silhouettes into sculptural compositions of light and movement. His portraits, on the other hand, reveal a special closeness to his subjects. Glenn Close, Paul Newman, Julia Roberts, Angelina Jolie, and Demi Moore do not appear as staged figures.
Instead, they are depicted with an authenticity that makes his work timeless. Models such as Christy Turlington, Kate Moss, and Gisele Bündchen are also part of these multi-layered works, in which personality and elegance merge into artistic reality.
His collaborations with Christy Turlington defined a central chapter in his career. Their joint works are among the icons of fashion photography, combining timeless beauty, expressiveness, and subtle sensuality. Patrick Demarchelier knew how to combine technical precision with emotional depth. His works are visually powerful and sensitive in their expression, carried by a keen sense for the subtle nuances of personality.
ABOUT PATRICK DEMARCHELIER
Patrick Demarchelier (1943–2022) began his artistic career in Le Havre, France, and developed a keen understanding of light, composition, and visual language at an early age. After working in Paris and New York, he created works for international magazines such as Vogue, Elle, Glamour, and Rolling Stone, as well as for renowned fashion and jewelry houses such as Chanel, Dior, Armani, and Yves Saint Laurent.
With his ability to combine elegance and expressiveness, he had a lasting impact on fashion photography and made his visual language a reference point for subsequent generations of photographic artists. Through his sensitivity to detail, expression, and composition, he blurred the boundaries between fashion photography and artistic portraiture. His works are exhibited in museums worldwide and are found in important public and private collections.
SELECTED WORKS FROM THE EXHIBITION
1 PATRICK DEMARCHELIER
CHRISTY AND MOUSE 1999Toned Gelatin Silver Print
Signed by the artist60 x 50 cm (Ed. of 20)
134 x 114 cm (Ed. of 8)
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2 PATRICK DEMARCHELIER
BRAD PITT 2004Archival Pigment Print
Signed by the artist60 x 50 cm (Ed. of 20)
136 x 110 cm (Ed. of 8)
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3 PATRICK DEMARCHELIER
GISELE BÜNDCHEN 2003Archival Pigment Print
Signed by the artist60 x 50 cm (Ed. of 20)
136 x 110 cm (Ed. of 8)
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4 PATRICK DEMARCHELIER
ANTHONY HOPKINS 1998Toned Gelatin Silver Print
Signed by the artist60 x 50 cm (Ed. of 20)
120 x 120 cm (Ed. of 5)
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5 PATRICK DEMARCHELIER
ANGELINA JOLIE (TALK MAGAZINE) 1999Archival Pigment Print
Signed by the artist140 x 112 cm (Ed. of 8)
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CAMERA WORK Gallery
Kantstrasse 149
10623 Berlin
Tuesday to Saturday
11 a.m. to 6 p.m.Tel.: +49 (0)30 3100776
Email: sales@camerawork.de
www.camerawork.deTaged as/in; Angelina Jolie, Anthony Hopkins, art, berlin, Brad Pitt, CAMERA WORK Gallery, Christy Turlington, exhibition, fashion, Gisele Bündchen, iconic, Photography, portraits, Timeless#writtenby
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Yael Naim – Let It Transform You (OMP Soundtrack)
Yael Naim returns with Let It Transform You—a stripped-down, instinctive electronic mantra closing her Arte doc “Une nouvelle âme”.
This is Yael Naim‘s first track to see the light of day since the album “Night Songs” (2020). “Let It Transform You,” which closes the documentary “Yael Naim, Une nouvelle âme” directed by Jill Coulon (broadcast on September 23, 2025, on Arte), marks a shift. That of an artist in full mutation, who is taking a radical turn towards a more stripped-down, electronic and instinctive writing style.
Built around a heady loop, a heartbeat, over which a suspended melody rests, the piece whispers more than it sings. Like a melancholic mantra, a gentle incantation to transformation. “One evening, I started composing around matriarchy. I fumbled around, then this rhythm was born and the text came out in one go,” says Yael. “The next day, I called Jill and said, ‘Here we are, we have found the perfect ending for the documentary.’”
Yael Naim, Une nouvelle âme
In the film’s final sequence, as Yael strides toward a still-unclear elsewhere, symbolically leaving behind a piece of her past, the images and the music become one. With this piece, Yael Naim marks both an end and a beginning. She now composes alone, venturing into a more electronic sound, but still permeated by a profoundly human vibration.
“Let It Transform You” thus becomes a vibrant manifesto. The soundtrack of a body moving forward, a mind letting go, a soul learning to welcome rather than control.
- Video: https://www.youtube.com/watch?v=7r4avS7IAjY&feature=youtu.be
- The film is now available on ARTE all over Europe: https://www.arte.tv/fr/videos/120518-000-A/yael-naim/
https://www.yaelnaim.fr/
https://www.instagram.com/yael_naim_/Let It Transform You, offers more than just a new release—she shares a living mantra, a piece of music that becomes both soundtrack and soul. As Jill Coulon’s documentary finds its ending, the song embodies change, bridging tradition and electronic instinct.
Rooted in France, carried by image and film, its resonance stretches beyond borders. A video of quiet power, a hymn to transformation, and a reminder that at the heart of it all, there is Yael Naim. #arte
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khisdapaze e.V. übernimmt die Modellfläche TXL
Auftakt ausverkauft: Am 27.09. feiert khisdapaze e.V. die Eröffnung der Modellfläche TXL – ein neuer Ort für Musik, Kunst, Kultur & Begegnung in Berlin.
Auftaktveranstaltung am 27. September bereits ausverkauft
Berlin bekommt einen neuen Ort für Musik, Kunst und Begegnung: Am Samstag, den 27. September 2025, startet der Berliner khisdapaze e.V. offiziell auf der Modellfläche TXL. Die Eröffnung bildet den Auftakt für die Entwicklung eines spartenoffenen Kulturzentrums, das Raum für Konzerte, Performances, Lesungen, Workshops sowie Club-Veranstaltungen auf Außen- und ab 2026 auch Innenflächen bietet.
Neustart für TXL
Foto: © Malcom SaidouVon links nach rechts: Dirk Förster (Kulturraum Berlin gGmbH), Florian Stiehler (Vorstand der Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung/Berliner Projektfonds Urbane Praxis), Corinna Huge (Tegel Projekt GmbH), Lyn Reiners (khisdapaze e.V.), Cerstin Richter-Kotowski, (Staatssekretärin für Kultur der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt), Jan Saade (khisdapaze e.V.), Marcel Weber (1. Vorsitzender, Clubcommission Berlin e.V.) Am Samstag, den 27. September 2025, feiert die Modellfläche TXL ihren Neustart: Der Berliner khisdapaze e.V. lädt als neues Betreiber:innenkollektiv zur ersten großen Veranstaltung ein – mit DJ-Sets, Live-Musik, Performances, Lesungen, Workshops und kulinarischen Angeboten. Auch wichtige Projektpartner:innen mit Fokus auf Solidarität und Gemeinschaft werden mit Ständen vor Ort sein.
„Der Stellenwert eines Projekts wie die Modellfläche Tegel ist für die Berliner Kulturlandschaft sehr hoch. Die Vielfalt, die sich zunächst über Subkultur herausbildet, muss weiter unterstützt werden, um Sichtbarkeit zu erreichen. Denn genau diese kulturelle Vielfalt macht Berlin aus.”
Cerstin Richter-Kotowski, Staatssekretärin für Kultur der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhaltoffenes Kulturzentrum TXL
Besucher:innen erhalten so einen ersten Eindruck davon, wie die Fläche künftig zu einem Ort für Kunst, Kultur und Begegnung wird. Mit einem klaren Fokus auf künstlerische Vielfalt, Inklusion und Community-Building möchte khisdapaze e.V. die Modellfläche zu einem offenen Kulturzentrum weiterentwickeln. Hier entstehen Räume für Musik, Performance, Begegnung und soziale Innovation – getragen von gemeinschaftlichen Strukturen, Diversität und barrierearmen Zugängen.
„Mit khisdapaze e.V. erhält die Modellfläche TXL ein engagiertes und kreatives Kollektiv, das nicht nur künstlerische Vielfalt, sondern auch gesellschaftliche Teilhabe, Community-Building und Nachwuchsförderung in den Mittelpunkt stellt. Wir freuen uns, gemeinsam einen neuen offenen Raum für Clubkultur und alternative Kunst zu schaffen, der die Berliner Kulturlandschaft nachhaltig bereichert.”
Marcel Weber, 1. Vorsitzender Clubcommission Berlin e.V.Der 2017 in Berlin gegründete Verein zählt rund 50 aktive Mitglieder. Bekannt ist das Kollektiv vor allem für das Sägewerk Festival, das seit 2022 jährlich mehrere tausend Gäste anzieht. Neben der Förderung junger Künstler:innen arbeitet khisdapaze e.V. eng mit lokalen Akteur:innen zusammen und entwickelt partizipative Formate, die künstlerisches Schaffen und gesellschaftliche Teilhabe verbinden.
Vision des neuen Zentrums für Clubkultur
Bereits am Freitag, den 26. September 2025, stellten Vertreter:innen des khisdapaze e.V. die Staatssekretärin Cerstin Richter-Kotowski (Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt) sowie die Kooperationspartnerinnen des Gemeinschaftsprojekts vor. Dazu gehören die Clubcommission Berlin, die Kulturraum Berlin gGmbH, der Berliner Projektfonds Urbane Praxis, die Tegel Projekt GmbH sowie Mitglieder der Jury. Dies geschah im Rahmen einer Pressekonferenz, um die Vision des neuen Zentrums für Clubkultur vorzustellen.
„Wir wollen die Modellfläche TXL zu einem offenen Kulturzentrum entwickeln, das nicht nur unser Zuhause ist, sondern auch ein Raum für andere Kollektive und die Nachbarschaft. Ein Ort, an dem Vielfalt selbstverständlich ist und Begegnung auf Augenhöhe stattfindet. Das erfordert Multiperspektivität, Community Outreach und den Abbau von Barrieren.”
Lyn Cleo Reiners, khisdapaze e.V.Dabei gaben sie Einblicke in die Entstehung des Projekts und betonten ihren Enthusiasmus über die künftige Nutzung der Fläche. Die Vorfreude könnte nicht größer sein. So war die erste Veranstaltung mit knapp 1.000 Tickets innerhalb von 24 Stunden ausverkauft.
Hintergrund zur Modellfläche TXL
Die Fläche umfasst 3.700 m² rund um das ehemalige Cateringgebäude des Flughafens Tegel, ein markantes Bauwerk aus den 1970er Jahren. Ziel des Modellprojekts ist es, neue Räume für alternative Kultur in Berlin zu schaffen. Die Inbetriebnahme eines Teils der Innenräume ist für Anfang 2026 geplant, was ganzjährige Nutzung unabhängig von Wetter ermöglicht.
Foto: © Malcom Saidou Das Projekt wird gefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt und umgesetzt von der Clubcommission Berlin e.V. in Kooperation mit der Kulturraum Berlin gGmbH und der Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung / Berliner Projektfonds Urbane Praxis.
Über die Modellfläche TXL
Die Entwicklung der Modellfläche TXL wird gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. Dieser Prozess wird umgesetzt von der Clubcommission Berlin e.V. in Kooperation mit der Kulturraum Berlin gGmbH und der Geschäftsstelle des Berliner Projektfonds Urbane Praxis der Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung.
Copyright © *2025 *CLUBCOMMISSION e.V.*, All rights reserved.
Die Entwicklung der Modellfläche TXL wird gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. Dieser Prozess wird umgesetzt von der Clubcommission Berlin e.V.in Kooperation mit der Kulturraum Berlin gGmbH und der Geschäftsstelle des Berliner Projektfonds Urbane Praxis der Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung.Taged as/in; berlin, berlin events, Building, club culture, Clubcommission Berlin, Clubkultur, community, khisdapaze, Kultur Modellfläche TXL, Kunst, Musik, Neustart#writtenby
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Mitten rein in die Kultur: 8. PANDAwomen Festival Programm
Vom polnischen Punk bis zum türkischen Schattentheater: Das 8. PANDAwomen Festival (7.11.–19.12.2025) feiert Kulturvielfalt in 7 Mini-Festivals.
Vom polnischen Punk bis zum türkischen Schattentheater: Das Programm des 8. PANDAwomen, das dieses Jahr vom 7.11. bis 19.12.2025 stattfindet, ist komplett. Die sieben PANDAwomen-Abende sind als vielgestaltige Mini-Festivals konzipiert. Sie feiern die kulturelle Vielfalt von Estland, Georgien, Iran, Jemen, Polen, Belarus und der Türkei. Expertinnen aus der jeweiligen Diaspora haben sie kuratiert.
Dabei reicht die Bandbreite von klassischen und experimentellen Klängen bis hin zu Lesungen, Workshops, Performances und Filmvorführungen. Unter den prominenten Künstler*innen befinden sich die renommierte und vielfach ausgezeichnete Autorin Nino Haratischwili, die belarussische Avantgarde-Musikerin und Dichterin Sveta Ben und der estnische Rising Star Mari Kalkun.
Zu allen “Mini-Festivals” gehören DJ-Sets, Essen aus der Region, passendes Ambiente – sowie natürlich der Austausch miteinander.
Izzy and The Black Trees spielen zum Auftakt des 8. PANDAwomen-Festivals
© Lukasz LukasiewiczNovember Programm
Für den 7.11. hat Edyta Rogowska-Żak, die auch das ROXSA-Festival leitet, einen spannenden Einblick in polnische Musik- und Tanzkultur kreiert. Izzy and the Black Trees spielen energetisch-feministischen Punkrock. Dieser wurde schon auf KEXP und BBC6 gefeiert. Die gerade in den Jazz-Himmel aufsteigenden Pianistinnen und Komponistinnen Hania Derej und Zuzanna Całka bringen neue Stücke mit. Die Tänzerin Anna Steller erschafft für das PANDA platforma eine raumgreifende Performance. Auch Edyta Rogowska-Żak selbst betritt als Teil des Polish-Future-Retro-Trios Duxius die Bühne.
links: Nini Nutsubidze © Tina Khuntsaria, rechts: Nino Haratischwili © Steffen Baraniak Nach Georgien geht es am 14.11., den die visuelle Dichterin und Lyrikerin Elza Javakhishvili kuratiert hat. Tatia Asatiani moderiert. Der Abend beginnt mit einer Rede von Nino Haratischwili. In den Lesungen der Dichterinnen Ana Tcheishvili, Eka Kevanishvili und Kato Javakhishvili wird die Schönheit und Relevanz der Worte thematisiert.
Es folgt ein filmisches Intermezzo mit Anka Gujabidzes BAKHMARO 2025 sowie SELF-PORTRAIT ALONG THE BORDERLINE von Anna Dziapshipa. Den Abend ausklingen lässt die georgische Musik: Es performen Nini Nutsubidze, die Soul und R&B mit georgischen Folk-Klängen kombiniert; Synth-Pop-Artist nana.ios sowie die klassische Pianistin Nestan Bagration-Davitashvili.
Anastasia Ryndlevskaya © Alina Masovets Novembermitte
Am 21.11. bringt die interdisziplinär arbeitende Avantgarde-Künstlerin, Regisseurin, Dichterin und Musikerin Sveta Ben die belarussische Vielfalt aufs Tableau. Los geht es mit der Filmvorführung von “Jugend auf Belarussisch” mit anschließendem Q&A mit der Regisseurin Ksenija Halubowitsch, gefolgt von einer Präsentation des Kunstprojektes “Vecha”, das sich anhand von persönlichen Familiengeschichten mit Belarus beschäftigt.
Der Abend geht mit der performativen Lesung “Krovazvarot” weiter. Julija Cimafiejeva ist Schriftstellerin. Sie schrieb unter anderem für das Maxim Gorki Theater das Stück “Extremist*innen”. Volha Padhaiskaya ist Komponistin und Organistin für zahlreiche Theaterstücke und Stummfilme. Intim und nachdenklich wird es dann mit KOOB S.
Das aus der belarussischen Sängerin KOOB und dem schwedischen Bassisten Seth Sjöström bestehende Duo bewegt sich zwischen Folk und Jazz. Den finalen Höhepunkt des Abends liefert die interdisziplinäre Künstlerin und Musikerin Anastasia Rydlevskaya.
Links Najla Alshami © Alaa Al Qaddah, rechts: Eman Ibrahim Am 28.11. erkundet die Kuratorin und Aktivistin Najla Alshami die Bandbreite der jemenitischen Musik – und gibt auch anhand des von ihr betriebenen Yemen Art Base (YAB) in Brüssel einen Einblick in Jemens Kunstszene. Eman Ibrahim bringt in ihrem Opener-Set klassische arabische Lyrik und zeitgenössische Arrangements zusammen.
Die in Saudi-Arabien lebende Hadeel Hussein lässt mit ihrem Sound arabischen Pop und jemenitische Klänge zusammenfließen. Noha aka Intibint aus Glasgow bewegt sich schließlich in die experimentelle Richtung. In dieser Richtung haben auch Field Recordings ihren Platz.
Behrooz Moosavi und Janna Maria Dezember Programm
Mit dem ersten Dezember-Event am 5.12. zieht das PANDAwomen in den Iran weiter. Das von der freischaffenden Künstlerin, Musikethnologin und Festivalkuratorin Dr. des. Yalda Yazdani kuratierte Event beginnt praktisch und hands-on mit einem Workshop zu Ableton und iranischer Musik von Cee, Parisa Saeednezhad und Yalda Yazdani. Anschließend changiert Sanam Maroufkhani zwischen Indie und Jazz.
Danach gibt es traditionelle Klänge von Parisa Saeednezhad, Roshanak Rafani, Sahar Zibaei und Pouyan Biglar. Und schließlich wird es elektronisch und tanzbar mit Musik und Visuals in zwei Sets von Mahtab Sabetara und Baharan Egh sowie Behrooz Moosavi und Janna Maria.
Tuulikki Bartosik und Sander Mölder Dezembermitte
Für die Dezembermitte am 12.12. hat die Musikagentin und JV-Promotion-Betreiberin Juliana Volož spannende Künstler*innen aus Estland eingeladen. Als filmischen Einstieg zum Festivalthema weibliche Solidarität zeigt Anna Hints ihren erfolgreichen Dokumentarfilm SMOKE SAUNA SISTERHOOD.
Die schwedisch-estnische Akkordeonistin, Komponistin, Produzentin und Multi-Instrumentalistin Tuulikki Bartosik arbeitet mit dem estnischen Komponisten Sander Mölder zusammen. Sie kreieren einen Sound. Nordische und baltische Einflüsse treffen auf moderne Innovation.
Für das Grand Finale kommt die in Estland vielfach ausgezeichnete und gefeierte Mari Kalkun ins PANDA platforma, die in ihrem neuen Album alte Mythen, Runengesänge und zeitgenössische Poesie – geschrieben in einer der ältesten Sprachen der Welt: Võro – aufs Berührendste zu vereinen weiß.
ILÆY © Sergey Lemon Am 19.12. geht das PANDAwomen mit einem Abend voller türkischer Highlights zu Ende. Die Musikerin, Sängerin und Konzertorganisatorin Güley Alagöz beginnt die Veranstaltung höchstselbst. Sie spielt einen Sound, der sich zwischen klassischer Gitarre, Swing, Jazz und Elektronik bewegt. Sie übergibt im Anschluss die Bühne an İrem Nalça, eine multidisziplinäre Künstlerin, die sich in ihrer Performance unter anderem dem Phänomen des Schattens widmet, inspiriert vom Karagöz-Schattentheater.
Pina Berlin fragt in ihrer Kunst “Was wäre, wenn Norah Jones und Led Zeppelin in Istanbul der 90er kollaborieren würden?” – und lässt im PANDA platforma eine Melange aus Musik und Bewegung entstehen.
Zum krönenden Abschluss des Festivals performt ILÆY, die derzeit als Maria Magdalena in der Komische-Oper-Inszenierung JESUS CHRIST SUPERSTAR zu sehen ist, ihren einzigartigen Avant-Pop.
Von PANDAwomen inspiriertes Begleitprogramm
PANDAwomen 2025 ist mehr als diese sieben Abende. Ein umfangreiches Begleitprogramm findet auch darüber hinaus im November und Dezember statt. Es erweitert den Festivalrahmen mit weiteren Formaten. Dazu gehören experimentelle Jazzkonzerte. Es gibt zwei Ausstellungen und das Diskussionsformat Meeting Without Translation. Zahlreiche Specials geben den Ländern und Künstler*innen zusätzliche Sichtbarkeit.
Das komplette PANDAwomen-Programm finden Sie ab Oktober auf der PANDA platforma-Website.
PANDA platforma wird gefördert durch das Land Berlin – Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt sowie durch die Stiftung Deutsche Klassenlotterie Berlin.Copyright © 2025 Marie Ketzscher, All rights reserved.
Taged as/in; art, berlin, Cultural Diversity, Diaspora Voices, Festival, Film, literature, Music, PANDAwomen, performance#writtenby
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TAG DER CLUBKULTUR 2025: Gemeinsam statt Gegeneinander
Über 100 Events vom 3.–12.10: Der TAG DER CLUBKULTUR zeigt Berlin als kreativen Motor – Clubbing, Kunst & Vielfalt für alle Communities.
Mehr als hundert (!) Veranstaltungen, so viele wie noch nie zuvor, laden zwischen dem 03. – 12. Oktober dazu ein, Berlin als pulsierenden Ort für Clubbing, Kunst und gesellschaftlichen Austausch neu zu erleben. Deutlich wird: Clubkultur ist in Berlin nicht nur Party, sondern kreativer Motor, öffentlicher Freiraum und gelebtes Kulturgut. Die Berliner Clubszene setzt auf Zusammenhalt statt Konkurrenz. Zum sechsten Mal findet der TAG DER CLUBKULTUR, der eigentlich ein Festival ist, in Berlin statt.
Von Techno, House, Disco und Soul über Jungle, Garage und experimentelle Elektronik bis hin zu Live-Bands und in vielfältigen Formaten – die Vielfalt des Festivalprogramms reicht weit über die klassische Clubnacht hinaus. Die Beiträge für die Festivalwoche hatten die Berliner Clubs und Kollektive zuvor konzipiert und bei der Clubcommission Berlin e.V. in einem Open Call eingereicht. Das Festivalthema “Bridging Realities – 35 Years of Movement” reflektiert die Bedeutung der Wiedervereinigung für die Berliner Clubkultur. Es lädt Akteur:innen verschiedener Clubbing-Generationen ein, miteinander in Austausch zu treten.
Mehr zum diesjährigen Festivalthema erfahren Sie hier.
Zahlreiche Events richten sich explizit an queere, BIPoC- und migrantische Communities und schaffen damit inklusive Clubräume für gesellschaftliche Transformation. Viele Formate kombinieren Workshops, Filmvorführungen, Talks, Ausstellungen und Performance-Kunst mit DJ-Sets und Live-Acts.
Programmhighlights
“Exponential Function” vom CTM-Festival
2.10.2025
Das “Haus der Visionäre” (HdV) ist ein Projekt des “Club der Visionäre” und soll als experimenteller Kulturraum der Berliner Clubszene eine Schnittstelle zwischen Performance, Technik und Bildung bieten. Das legendäre Berliner CTM-Festival kuratiert für den TAG DER CLUBKULTUR ein neues Programm: Für die “Exponential Function” werden im HdV einige der beliebtesten und zukunftsweisenden DJs und Produzenten für eine Nacht radikaler Klangexperimente vereinigt w/ ¥ØU$UK€ ¥UK1MAT$U, Sherelle, Minna-No-Kimochi, MI-EL, DJ Fuck Offf
“Bridging Walls: Stories in Sound” im kwia
3.10.2025
Für den TAG DER CLUBKULTUR reflektiert das kwia darüber. Es untersucht, wie der Eiserne Vorhang und der Fall der Mauer die Underground-Szenen der Stadt geprägt haben. Kuratiert von Mark Reeder, dem DJ und Produzenten, der den Wandel der Stadt wie kein anderer miterlebt und in der Dokumentation B-Movie einen hautnahen Einblick in diese aufregende und elektrisierende Zeit gegeben hat.
“Bridging Realities” – Berliner Clubkultur aus Ost und West durch afrodiasporische Perspektiven im Maaya
5.10.2025
Am Sonntag, den 5.Oktober, präsentiert das Maaya afrodiasporische Perspektiven auf die Wendezeit. Eine Fotoausstellung zeigt prägende Orte und Communities. Von Studierendenklubs im Osten über die ersten Hip-Hop- und Funkpartys im Westen bis hin zu afro-diasporischen Netzwerken seit den 80ern.
Nach Gesprächen folgen DJ-Sets, die eine musikalische Zeitreise durch die Dekaden beiten, von Funk und Hip-Hop der 80er über House und Techno der 90er bis hin zu heutigen globalen Club-Sounds. Vergangenheit und Gegenwart verschmelzen zu einem vibrierenden Abend.
THE CODE × Bringmann & Kopetzki: “31 Years Illustrating the Techno Scene”
Ab 3.10.2025
Der Fetish- und Clubbing-Ware-Shop “The Code” präsentiert eine Ausstellung des Duos Bringmann & Kopetzki. Diese legendären Comiczeichner begleiten die Rave- und Technoszene mit scharfem Humor, Satire und unvergesslichen Illustrationen.
Mit dabei sind außerdem renommierte Kollektive wie Trans Fag Dyke, LOVEDANCIN’, SUBVERTED, Iç Içe, THF Radio und Black S3x Worker Collective, die seit Jahren für progressive, interdisziplinäre Clubkultur stehen.
Gespielt wird in großen und etablierten Clubs wie KitKat Club, Fitzroy, LARK, Yaam, cassiopeia, Goldengate, OHM und Panke. Aber auch kleinere Off-Spaces und temporäre Locations aus Kreuzberg, Mitte, Neukölln und Wedding sind mit Atelierbühnen und Community-Zentren dabei. Dabei steht Zugänglichkeit im Vordergrund. Zahlreiche Events arbeiten mit moderaten Eintrittspreisen, Spenden- oder Pay-what-you-can-Modellen. Viele Programmpunkte legen Wert auf Barrierefreiheit und die Dokumentation für eine nachhaltige Sichtbarkeit.Der TAG DER CLUBKULTUR versteht sich als Plattform für gelebte Vielfalt, lokale und globale Solidarität und künstlerische Freiheit. Er zeigt, wie Clubkultur weit mehr ist als Nachtleben. Clubkultur ist ein Raum für politischen Diskurs, für kulturelle Brücken und für die kollektive Gestaltung urbaner Zukünfte.
Das vollständige Programm findet Ihr hier.
Über den TAG DER CLUBKULTUR
Der TAG DER CLUBKULTUR wird seit 2020 von der Clubcommission Berlin e.V. organisiert und durchgeführt. Das Projekt wird von der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt sowie dem Musicboard Berlin gefördert.
Ursprünglich als Lebenszeichen der Berliner Clubs in existenzbedrohenden Zeiten konzipiert, hat sich der TAG DER CLUBKULTUR inzwischen zu einem etablierten Kulturpreis und Festival entwickelt, mit dem jährlich das kulturelle und künstlerische Engagement der Berliner Clubs und Kollektive ausgezeichnet wird.
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Erwin Olaf – Freedom, a major retrospective at Stedelijk
Stedelijk Museum presents “Erwin Olaf – Freedom,” a posthumous retrospective celebrating the life and work of the multifaceted artist.
From October 11, 2025 until March 1, 2026, the Stedelijk Museum presents Erwin Olaf-Freedom, the first museum retrospective since the unexpected death of the artist two years ago. The exhibition pays tribute to the versatile and multifaceted artist that he was and illuminates his entire creative process.
Besides iconic artworks and series by Erwin Olaf, the presentation also features lesser-known work. This includes videos and sculptures, his commercial photography, and personal archive material. The exhibition culminates with his last work, an unfinished video.
FREE THINKER
Erwin Olaf Springveld (1959-2023) is internationally acclaimed as one of the most prominent Dutch photographic artists celebrated for his characteristic staging, unique lighting, perfectionism, and controversial subjects. He was a freethinker, and the pursuit of personal freedom drove everything he did.
“Erwin Olaf was more than a photographer: he was a versatile artist. The significance of his work is best understood by placing it within an art historical context. By offering a comprehensive overview of his oeuvre, this exhibition will, I believe, shed new light on his work. It is a great pity that he is no longer with us to see it. I am very thankful to Erwin Olaf’s studio, and in particular to Shirley den Hartog, for their intensive collaboration over the past period”.
Rein Wolfs, director of the Stedelijk Museum AmsterdamOlaf was a fervent champion of identity, sexuality, and gender, the human body in all its forms, nightlife, and equal rights for all. Throughout this thematically structured, yet loosely chronological exhibition, Olaf’s activism is a recurring motif.
THE EXHIBITION
The exhibition charts a course through Erwin Olaf’s rich body of work, starting with his journalistic, candid black-and-white reportages from the early 1980s. Focusing on subjects such as gay rights demonstrations, these highlight his commitment to social issues.
Olaf’s love of light and composition is evident. His pursuit of greater control over the composition prompted him to take the next step—staged studio photography. The exhibition features iconic and lesser-known examples. These come from series such as Ladies Hats (1985-2022), Chessmen (1987), Royal Blood (2000), Grief (2007), Fashion Victims (2000), Berlin (2012), and Skin Deep (2015). It also includes commissioned work such as SM in Holland (1989) and photography for the Dutch National Ballet.
His series all center on advocating diversity and the freedom to be yourself. The theme of party, for instance, expresses resistance to intolerance. He also explores the darker side of partying—in Paradise (2001) the men are often menacing, and women consistently come off worse. During the 1980s, Olaf also created several iconic campaigns for the Aidsfonds and the COC, the world’s first LGBTQ organization.
The final part of the exhibition brings together Olaf’s experience, mastery, and vision. Despite their compositional and technical perfection, these recent series continue to engage with topical social themes, such as our relationship with nature in Wald (2020) and the isolation and fragility of man in April Fool (made during the pandemic in 2020).
This is the first time either series has been shown in a museum. In Palm Springs (2018), he explored the waning of the American Dream. In Shanghai (2017), he shone a light on the role of women in different cultures. The series Muses (2023), which looks at the transience of human life and the acceptance of our own mortality, will be on public display for the first time.
THE FINAL, UNFINISHED WORK
Vases with flowers appear with remarkable frequency in Erwin Olaf’s work. He turned to this subject during photo shoots, to clear his head and to help him refocus. In art history, a vase of flowers in various stages of life, from bloom to decay, is a familiar symbol for the transience of life. In the last year of his life,
Erwin Olaf created a series for his mother, based on this theme. He began working on a sequel for himself shortly after his lung transplant, a process that was cut short by his unexpected death. The exhibition concludes with this unfinished video work, posthumously titled For Life.
“We show Erwin as a human being with context, not just the stunning and often iconic images, but what drove him, where did it all come from? It is alluring to see his style evolve, in the end distilled to its essence, but unmistakably Olaf, and Olaf at his best: stylized, minimal, contemplative, and referencing major themes in art history. Together with Studio Erwin Olaf and exhibition designer Marcel Schmalgemeijer, we present Erwin Olaf as the multifaceted artist he was”.
Charl Landvreugd, Head of Research and Curatorial Practice at the Stedelijk and curator of the exhibitionShirley den Hartog is the manager and director of the Studio Erwin Olaf. She is also the founder of the Foundation Erwin Olaf and was his right hand for many years. She states it was Erwin’s last wish to have an exhibition in the Stedelijk. This was a museum for which he had mixed feelings. As he neared the end of his life and saw the Stedelijk’s change of direction, his opinion of the museum softened. This special moment will be Erwin’s last major show in a Dutch museum for the foreseeable future.
TICKET SALES
Tickets are now on sale, available via www.stedelijk.nl.
PUBLICATION
The exhibition is accompanied by a comprehensive publication that places the artist in an art historical and social context. The publication includes contributions from Rein Wolfs, Paco Barragán, and Charlotte Cotton. Jonathan Turner and Francis Hodgson also contribute their insights. Tahrim Ramdjan and Gemma Rolls-Bently provide their expertise. There is a conversation with Taco Dibbits and Hans van Manen. Additionally, Lars Been, Shirley den Hartog, and Charl Landvreugd have a conversation. In collaboration with Hannibal Books, it is approximately 384 pages, €69.95, and available in Dutch and English editions.
FREE LECTURES
During the exhibition, there will be free short introductory lectures on Saturdays and Sundays. The Blikopeners, the Stedelijk’s young peer educators, will give free speed tours in their own unique style during the fall, winter, and February vacations.
FOR STUDENTS
Erwin Olaf was deeply committed to students in vocational education. To celebrate this, a special teaching program has been developed for vocational education (MBO) in collaboration with the Foundation Erwin Olaf. A Creative Industry Day will also be held on October 16 to help vocational students deepen their artistic and entrepreneurial skills.
MUSEUM NIGHT
At the Stedelijk, Museum Night on Saturday, November 1, 2025 will be dedicated in part to Erwin Olaf, focusing on the themes of night culture and self-expression. The program will be announced at a later date.
PARTY AT PARADISO
Get ready for the party of the year at the Amsterdam club Paradiso, on Sunday, February 1, 2026, inspired by the popular ‘the dansants’ that Erwin Olaf organized there. More events will be announced in September. Please visit www.stedelijk.nl for the latest information.
The exhibition Erwin Olaf Freedom is organized by the Stedelijk Museum Amsterdam. It is curated by Charl Landvreugd in collaboration with Studio Erwin Olaf. The exhibition has been made possible thanks to a contribution from the VandenEnde Foundation.
Taged as/in; Amsterdam, art, Artist, culture, Erwin Olaf, exhibition, freedom, Museum, Photography, Stedelijk#writtenby
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New LP: “Alles” by Kalipo Via Iptamenos Discos
Kalipo’s 5th solo album Alles blends dark disco, indie grit & raw emotion—music between light & gravity, a new beginning. Out Now!
For over 20 years, Kalipo has operated in the dynamic space between electronics and emotion, club culture and songwriting, politics and poetry. As a producer and co-founder, he created projects like the legendary electro-punk band Frittenbude. With them, he won the 1LIVE Krone, Germany’s most prestigious radio award. He is also part of the dark-disco trio Dina Summer. He is one of the key figures of the German electropunk scene.
With “Alles”, Kalipo releases his fifth solo album – and perhaps his most personal to date. Blending dark club energy, playful indie songwriting, and analog DIY production, the album boldly continues his artistic journey: rougher, edgier, yet always heartfelt. The warm melancholy of earlier works meets cool beats, analog grit, inner turmoil, and a significantly increased vocal presence. It sounds like a new beginning.
Psychedelic Disco Punk
Here, Kalipo emerges as songwriter, producer, and performer all in one. His sound – which he describes as Psychedelic Disco Punk – merges punk’s attitude with the club music’s force. It also incorporates the emotional depth of classic song structures. Stylistically, he moves between dark disco, post-punk, EBM, indie sleaze, techno, electroclash, and songwriting. Again and again, he combines synth arpeggios, pounding four-on-the-floor drums, and shimmering guitars with catchy vocal hooks, distilling the essence of a sound deeply rooted in Berlin.
The title track “Alles” captures this tension right from the start: a dark disco track that begins with typical heaviness and gradually dissolves into lightness. Driven by a propulsive beat echoing retro textures, deep electronic basslines and dragging synth sequences unfold, while the guitar glimmers intermittently – like a light showing the way out.
A farewell to hegemonic masculinity
At the core: “And the fear you carry in your heart – have you lost it today? Anything can happen.” This play between lightness and gravity runs throughout the entire album. “Alles” tells of departure and new beginnings, of inner conflict, depression, desire, and love – while also bidding farewell to hegemonic masculinity. Despite the weight of its themes, the album radiates strength and confidence.
“History doesn’t repeat itself, but it often rhymes,” wrote Mark Twain. Kalipo makes that rhyme audible. Just as the songs of the 1980s offered counter-narratives to the leaden heaviness of their time, “Alles” seeks expression in today’s hazy present. Music as attitude, as movement, as an invitation to surrender control. Not just nostalgic, but firmly anchored in the now.
The intersection between club and indie
Vintage drum machines meet modern, punchy snares on tracks like “Crimson Rain.” Raw synth basslines and floating chorus guitars shape songs like “Geister” and “All Things Must Come to an End.” The often laconic vocals add a depth usually found in classic songwriting.
“Sparkling Tears,” “Deine Worte,” and “My Laboratory” hit hard, pulling us back onto the dance floors of Berlin’s dark, smoky clubs. It’s precisely this intersection between club and indie where Kalipo feels most at home – moving freely between genres while always retaining his signature style.
“Alles” will be released on September 19, 2025, via Iptamenos Discos, the Berlin-based label founded by Local Suicide, which has long been established as one of the central platforms of the international dark disco scene.
Get it here!
Tour Dates:
04.10.2025 Katowice, Sixa
17.10.2025 Köln, Yuca
23.10.2025 Wien, Flucc Deck
24.10.2025 Prague, Café V Lese
25.10.2025 Zürich, Exil
26.10.2025 München, Live Evil
31.10.2025 Hamburg, Bahnhof Pauli
28.11.2025 Lübeck, TreibsandRelease Date: September 19th, 2025
Catalog Number IDI023Taged as/in; Album, berlin, club, Dark Disco, darkdisco, EBM, electroclash, Indie Dance, indiedance, Kalipo, localsuicide, Music, postpunk, psychedelicrock, release, tour#writtenby
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