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Spreepark Art Space | Ausstellung: WANDEL LANDSCHAFTEN
Vier internationale Kollektive erkunden den Spreepark im Wandel. Installationen, Sound und Video verbinden Vergangenheit, Gegenwart und mögliche Zukünfte.
mit Disruptive Nostalgia, Flower Foundry, Memoria und Rent Collective, 15. März – 14. Juni 2026
Vom 15. März bis 14. Juni 2026 zeigt der Spreepark Art Space die Ausstellung Wandel Landschaften. Präsentiert werden die vier künstlerischen Positionen des Residenzjahrgangs 2025: Disruptive Nostalgia, Flower Foundry, Memoria und Rent Collective. Die international und interdisziplinär arbeitenden Kollektive lebten und arbeiteten während ihrer dreimonatigen Aufenthalte vor Ort im Eierhäuschen. Im Fokus ihrer Recherche steht der Spreepark als Ort im Wandel.
Eröffnung: Sonntag, 15. März 2026, 11-18 Uhr
Suche nach der geheimen Ausstellung,
Rundgang über die Baustelle des Spreeparks, 12-13:30 UhrKuratorische Führung durch die Ausstellung,
mit Katja Aßmann, 14-15 UhrSpreepark Art Space (Eierhäuschen / Spreepark)
Zum vollständigen Eröffnungsprogramm
Die Ausstellung zeigt begehbare Installationen, Sound- und Videoarbeiten sowie partizipative Formate, die sich zu einem immersiven und begehbaren Erlebnisraum verdichten. Wandel Landschaften fragt danach, wie sich ein Ort neu formt, was ihn prägt und welche Geschichten bleiben. Welche möglichen Zukünfte zeichnen sich ab? Zwischen Vergangenem und Neubeginn entsteht ein vielschichtiges Bild des Spreeparks als Gelände mit Geschichte und als Ort der Transformation.
V.l.n.r.: © Disruptive Nostalgia & © MEMORIA Die vier Kollektive Disruptive Nostalgia, Flower Foundry, Memoria und Rent Collective arbeiten interdisziplinär. Sie sind in den Bereichen Bildende Kunst, Musik, Architektur, Ökologie, Choreografie, Performance und Design tätig. Für die Ausstellung erkundeten die Künstler:innen Wege, Räume, Materialien und Relikte des Spreeparks. Sie setzten sich mit den unterschiedlichen Zeitspuren des ehemaligen Vergnügungsparks auseinander. In den Werken verbinden sich historische Spuren, Gegenwart und mögliche Zukunftsbilder.
Image: © Rent Collective https://www.spreepark-artspace.de/programm/ausstellungen/wandel-landschaften
Residenzprogramm wird 2026 neu ausgerichtet
Seit 2024 bietet der Spreepark mit dem Art Space-Residenzprogramm Künstler:innen aus dem In- und Ausland Raum für Forschung zwischen Kunst, Landschaft und öffentlichem Raum im ehemaligen Vergnügungspark Spreepark als einzigartigem Ort der Transformation.
2026 wird das internationale Residenzprogramm grundlegend neu ausgerichtet. Gemeinsam mit verschiedenen internationalen Partner:innen werden neue relevante Themenfelder bearbeitet. So startet u.a. im März eine zweijährige Partnerschaft im Rahmen des Projekts E cological Futures, einer gemeinsamen Initiative des Goethe-Instituts und ARCH+.
AUSBLICK SPREEPARK ART SPACE 2026
Vom 5. Juli bis 1. November 2026 präsentiert der Spreepark Art Space eine Einzelausstellung mit Iván Argote, im Kontext seiner Arbeiten B ridges Spreepark , die als permanente Werke ab 2027 im Spreepark zu sehen sind.
Über den SPREEPARK ART SPACE
Der Spreepark wurde 1969 als “Kulturpark Plänterwald” eröffnet und war der einzige ständige Vergnügungspark in der DDR. Der Spreepark Art Space zeigt heute in Erwartung des neuen öffentlichen Parks zeitgenössische Kunst, die sich mit Landschaft, Natur und Architektur auseinandersetzt.
Zwischen Plänterwald und Spree kommen Akteur:innen aus verschiedenen Bereichen zusammen. Sie beschäftigen sich mit dem öffentlichen Raum. Zudem erkunden sie die Rolle der Kunst darin und gestalten sie mit. DAS EIERHÄUSCHEN Einst ein beliebtes Ausflugslokal bietet das Haus heute dem Spreepark Art Space einen festen Anlaufpunkt und vereint einen kostenfreien Ausstellungsbereich und Residenzräume für Künstler:innen mit einem gastronomischen Angebot.
Taged as/in; art, artistresidency, artspace, berlin, contemporaryart, Eierhäuschen, Erinnerung, exhibition, Gruppenausstellung, immersiveart, installationart, Kollektiv, Kunst, kunstberlin, Landschaft, soundart, Spreepark, transformation, videoart, Zukunft#writtenby:
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Haus am Waldsee Berlin – März / March Programme
Drei Ausstellungen im Haus am Waldsee: Gianna Surangkanjanajai, Rey Akdogan und Luciano Pecoits. Führungen und Events begleiten das Programm bis Mai 2026.
Ausstellungen / Exhibitions
Gianna Surangkanjanajai. Open
20.2. – 25.5.2026
Rey Akdogan. Carousels
20.2. – 25.5.2026
Im Café (ehemalige Garage) / In the café (former garage)
Luciano Pecoits. Leidenschaftslose Mechaniken
20.2. – 25.5.2026
im Rahmen von / as part of
Seit… / Since…
20.2.26 – 17.1.27
Öffnungszeiten / opening hours
Di – So, 11 – 18 Uhr / Tue – Sun, 11 am – 6 pm
Montags geschlossen / Closed on MondaysProgramm / Programme
Donnerstag, 19.3.2026, 17 Uhr
Kuratorinnenführung durch die Ausstellungen
mit Jo Pistorius
(auf Deutsch)
Jo Pistorius, Kuratorische Assistenz, führt durch die aktuellen Ausstellungen Gianna Surangkanjanajai. Open und Rey Akdogan. Carousels. Die Teilnahme ist im Ausstellungticket enthalten.
Thursday, 19.3.2026, 5 pm
Curator’s tour through the exhibitions
with Jo Pistorius
(in German)
Jo Pistorius, Curatorial Assistant, guides you through the current exhibitions Gianna Surangkanjanajai. Open and Rey Akdogan. Carousels. Participation is included in the exhibition ticket.
Donnerstag, 26.3.2026, 17 Uhr
Führung zu Seit…
mit Anna Gritz
(auf Deutsch)
Anna Gritz, Direktorin, führt durch Seit… mit Luciano Pecoits Beitrag Leidenschaftslose Mechaniken, im Café (ehemals Garage) des Haus am Waldsee. Die Teilnahme ist kostenfrei.
Thursday, 26.3.2026, 5 pm
Tour to Since…
with Anna Gritz
(in German)
Anna Gritz, Director, guides visitors through Since… with Luciano Pecoits’ contribution Leidenschaftslose Mechaniken in the café (former garage) of Haus am Waldsee. Participation is free of charge.Vorschau / Preview
Donnerstag, 16.4.2026, 19 Uhr
Konzertabend Kantione: Giannis Arapis & Among Echoes
Organisiert von Eleni Poulou
Samstag, 18.4.2026, 12 Uhr
Dialogführung mit Luciano Pecoits und Pia-Marie Remmers
Sonntag, 19.4.2026, 11 Uhr
Workshop mit der Fotorestauratorin Marjen Schmidt im Bildarchiv des Haus am Waldsee
Thursday, 16.4.2026, 7 pm
Kantione concert night: Giannis Arapis & Among Echoes
Organised by Eleni Poulou
Saturday, 18.4.2026, 12 noon
Dialogue tour with Luciano Pecoits and Pia-Marie Remmers
Sunday, 19.4.2026, 11 am
Workshop with photo restorer Marjen Schmidt in the image archive of Haus am Waldseewww.hausamwaldsee.de
Argentinische Allee 30
14163 BerlinAbbildungen / Image credits:
5. Gianna Surangkanjanajai, Push, 2026, Installationsansicht / installation view Gianna Surangkanjanajai. Open, Haus am Waldsee, 2026, Foto / photo: Julian Blum
6. Foto / Photo: Haus am Waldsee
7. Installationsansicht / Installation view Rey Akdogan. Carousels, Haus am
Waldsee, 2026, Foto / photo: Julian Blum
© 2026 Haus am Waldsee e. V., All rights reserved.Taged as/in; ausstellung, berlin, berlinart, contemporaryart, Galerie, giannasurangkanjanajai, hausamwaldsee, Kultur, Kunst, Kunstszene, kuratorenführung, lucianopecoits, Museum, reyakdogan, zehlendorf#writtenby:
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Schellmann Art: Small Sculptures, Big Statements
Editioned objects bring sculptural presence into any space — in formats that remain effortless, compact, and highly collectible.
From refined metal works to conceptual pieces anchored in everyday forms, small-scale multiples have long been central to Schellmann Art’s programme. These objects offer the impact of sculpture while remaining easy to place, easy to live with, and often surprisingly accessible in price. Below, we highlight the ideas and histories that make these works such compelling additions to a collection.
A spotlight on editioned objects (multiples) in small formats
A Short History of the Artist’s Multiple
Emerging from the experimental climate of Fluxus and early Conceptual Art, multiples proposed a radical idea: that sculptural thinking could circulate widely, beyond the singular object.
Over the decades, artists have embraced editioned objects as a platform for material experimentation and conceptual clarity. From the 1960s onward, multiples have expanded the possibilities of sculpture by using industrial materials, serial production, and accessible formats. Within this broader trajectory, Schellmann has collaborated with artists who explore these ideas in diverse ways — publishing small-scale objects that reflect the inventive spirit of the multiple while remaining closely tied to each artist’s individual practice. Today, these works continue this dialogue between concept, material, and form in compact, concentrated formats.
Duality Table Tableau Exhibition
Why Leading Artists Turn to Multiples
For many artists, small sculptural editions serve as a laboratory — a place to distil ideas with immediacy and precision. Multiples allow them to: Test materials such as polished steel, painted wood, HPL, acrylic, or industrial laminates Isolate signature motifs — a colour system, a stripe, a mirrored surface, a conceptual phrase Translate large-scale sculptural concepts into intimate, collectible forms Extend their work into everyday contexts, where objects can be lived with, handled, and viewed up close.
The result is a category of works that feels both concentrated and expansive. These are portable articulations of an artist’s vision. They are reduced to their most essential form. Whether reflective, graphic, minimalist, or conceptual, these objects invite the collector into the artist’s process at close range.
Taged as/in; Art Editions, Collectible Design, Conceptual Art, Fluxus, Schellmann Art, sculpture, Small Sculpture#writtenby:
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Marina Abramović: Balkan Erotic Epic. The Exhibition
Es ist ihre erste große Einzelausstellung in Berlin seit den 1990er Jahren und versammelt Arbeiten aus den 1970er Jahren bis in die Gegenwart.
Im Frühjahr 2026 präsentiert der Gropius Bau mit Balkan Erotic Epic. The Exhibition ein groß angelegtes Projekt der Performance- und Konzeptkünstlerin Marina Abramović. Die Ausstellung erstreckt sich über zehn Räume im Erdgeschoss sowie den frei zugänglichen Lichthof und das Restaurant Beba. Abramović bezeichnet das Vorhaben als „das ambitionierteste Werk meiner Karriere“.
Eröffnung:
14. April 2026, 19:00 Uhr
Gropius Bau, mit Eröffnungsperformance und freiem Eintritt.15. April bis 23. August 2026
Gropius Bauberlinerfestspiele.de/gropius-bau
Ein Projekt zum Jubiläum der Berliner Festspiele
Anlässlich des 75-jährigen Jubiläums der Berliner Festspiele entsteht ein zweiteiliges, genreübergreifendes Projekt. Es besteht aus der Ausstellung im Gropius Bau und einer vierstündigen Bühnenproduktion. Diese wird im Oktober 2026 im Haus der Berliner Festspiele die Performing Arts Season eröffnen. Beide Formate greifen den Werkkomplex Balkan Erotic Epic auf, an dem Abramović seit 2005 arbeitet.
Körper, Ritual und Mythos
Die Ausstellung untersucht, wie Abramović den Körper als wirkmächtige Ressource einsetzt, um politische Strukturen, historische Narrative und die Mythologien des Balkans zu reflektieren. Zentrale Themen ihres Œuvres – Rituale, historische Erzählungen, Erotik und Tod – werden neu kontextualisiert.
Seit Beginn ihrer künstlerischen Laufbahn beschäftigt sich Abramović mit naturreligiösen Ritualen und der Vorstellung des Körpers als kollektiver Kraft: als Medium, um Fruchtbarkeit zu sichern, Naturzyklen zu beeinflussen und dem Tod gemeinschaftlich zu begegnen.
Die Ausstellung gliedert sich in drei Kapitel: Der politische Körper, Erotik der Erde, sowie Erotik und Tod.
Neue Arbeiten im Lichthof
Den Auftakt bildet die neue Videoarbeit Tito’s Funeral (2025) im frei zugänglichen Lichthof. Sie greift die Beerdigung von Josip Broz Tito im Jahr 1980 auf – eine der größten öffentlichen Trauerfeiern des 20. Jahrhunderts.
Tito’s Funeral aus der Serie Balkan Erotic Epic, Peformance Dokumentation, Factory International, 2025, Manchester, UK © Marina Abramović, Courtesy der Marina Abramović Archives / VG Bild-Kunst, Bonn 2026, Foto: Marco Anelli Abramović verbindet ikonische Aufnahmen der Massen in Belgrad mit südosteuropäischen Trauerritualen, bei denen Frauen durch rhythmisches Klagen und körperliche Bewegungen kollektive Trauer ausdrücken. Der Körper wird hier zum Ort sozialer und politischer Ekstase – erotische Energie erscheint als Mittel der Transformation von Verlust.
Ebenfalls im Lichthof entsteht mit Kafana (2025) eine Installation in Anlehnung an die traditionelle Balkan-Kneipe, die insbesondere im jugoslawischen Sozialismus als sozialer Freiraum fungierte. Besucher*innen sind eingeladen, Platz zu nehmen – unter dem Porträt Titos.
Archaische Rituale und westlicher Blick
Eine archäologische Keramikfigur aus dem 6. Jahrtausend v. u. Z., die einen vulvaähnlichen Unterleib darstellt, eröffnet den Rundgang. Sie verweist auf polytheistische Praktiken, in denen Sexualorgane als kosmologische Zentren verstanden wurden.
In der Videoarbeit Magic Potions (2025) inszeniert Abramović eine vermeintliche Wissenschaftlerin, die Rituale rund um Fruchtbarkeit, Naturzyklen und Körperflüssigkeiten erläutert. Animierte Sequenzen visualisieren Praktiken wie das Beschwören von Regen oder Ernte durch sexuelle Gesten.
„Rituals help you to get access to a certain kind of energy. Some of them go on for days and hours on end, so you get into a state of trance. The moment your brain stops thinking, the body can have its own wisdom.”
— Marina AbramovićZugleich hinterfragt die Künstlerin ironisch den ethnografischen, westlichen Blick auf den Balkan und eignet sich spirituelle sowie ökologische Wissensformen neu an.
Live-Performances
Mehrere Live-Performances begleiten die Ausstellung, darunter eine Neuinszenierung von Nude with Skeleton (2002/2026). In dieser Arbeit bringt der atmende nackte Körper der Performer*innen ein aufliegendes Skelett in Bewegung – eine eindringliche Metapher für die physische Nähe von Leben und Tod.
Marina Abramović, Nude with Skeleton, Performance für Video, Belgrade, 2002-2005 © Marina Abramović, Courtesy der Marina Abramović Archives / VG Bild-Kunst, Bonn 2026, Foto: Attilio Maranzano Zur Eröffnung aktiviert ein Klagelied der serbischen Sängerin Svetlana Spajić die Installation Tito’s Funeral.
Dialog mit früheren Werken
Aktuelle Arbeiten treten in Dialog mit historischen Schlüsselwerken wie Rhythm 5 (1974), Lips of Thomas (1975/2005) und Spirit Cooking (1996).
So wird Abramovićs kontinuierliche Auseinandersetzung mit Erotik als spiritueller, gesellschaftskritischer und gemeinschaftlicher Kraft sichtbar – ebenso wie ihre Reflexion über Sozialgeschichte, Folklore und Mythologie des Balkans.
„Auch wenn es düster ist und sich mit dem Tod befasst, ist das neue Werk sehr lebensbejahend“, sagt Jenny Schlenzka, Direktorin des Gropius Bau. „Humor war schon immer Teil ihrer Arbeit – jetzt ist er ausgeprägter.“
Über die Künstlerin
Marina Abramović, 2025, Foto: Marco Anelli, 2025 Marina Abramović zählt zu den Pionierinnen der Performancekunst. Seit den frühen 1970er Jahren entwickelte sie die Performance als eigenständige visuelle Kunstform entscheidend weiter. 2012 gründete sie das Marina Abramović Institute (MAI), eine Plattform für immaterielle und langfristige Performanceprojekte sowie die Weiterentwicklung der „Abramović-Methode“.
2025 wurde sie von der Japan Art Association mit dem Praemium Imperiale für Skulptur ausgezeichnet.
Publikation
Begleitend erscheint die Publikation On the Erotic mit einem Interview mit der Künstlerin sowie Beiträgen von u. a. Agnes Gryczkowska, Audre Lorde, Svetlana Racanović, Silvia Federici, Mithu M. Sanyal, Elizabeth M. Stephens und Annie M. Sprinkle.
Der Band ist Teil der Reihe Die Praxis – Was Künstler*innen bewegt*, herausgegeben von Jenny Schlenzka und Julia Grosse. Auf 128 Seiten reflektiert Abramović über weibliche Sexualität nach den Wechseljahren, die Erotik der Massen und ihre Beziehung zum Planeten – ergänzt durch Beiträge zu Politiken der Erotik, Öko-Sex und der Symbolik der Vulva.
Taged as/in; Art Berlin, Balkan, Balkan Erotic Epic, Berlin Art, contemporary art, culture, exhibition, Gropius Bau, Installation, live, Marina Abramovic, Museum, mythology, performance, ritual, video#writtenby:
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Kasia Kucharska Autumn/Winter 2026: Latex and Motherhood
Kasia Kucharska returns to Berlin Fashion Week with a personal collection, transforming latex into delicate forms exploring motherhood, care and resilience.
Designer Kasia Kucharska made a comeback at Berlin Fashion Week after a season off. The Fashion Fund winner returned to the runway with a deeply personal collection.
Through exploring the lived experiences of women through themes of care, motherhood, vulnerability and resilience Kucharska showcased a collection that felt universally resonant. Fragility becomes a strength as told by the designer whose reputation to utilise latex continues to be showcased post-comeback.
Fetishwear recontextualised
Through using liquid latex applied layer by layer to create garments directly onto mesh or fabric structures she challenges the traditional logic of fashion design, allowing garments to emerge gradually. Latex, historically associated with fetishwear or subcultural fashion, is completely recontextualised within Kucharska’s work. Instead of skin-tight pieces, the material appears as intricate patterns, lace-like structures that feel almost organic.
This technical experimentation also aligns with the brand’s broader commitment to sustainability and conscious production. By focusing on new manufacturing techniques and thoughtful material use, Kucharska positions her work to rethink fashion production.
vulnerability, responsibility and resilience
Having graduated from Berlin University of the Arts (UdK), Kucharska established her brand in 2021 and has cemented herself in Berlin Fashion Week.
For Autumn/Winter 2026, Kucharska drew inspiration from the everyday experiences of women, particularly the emotional realities of care and motherhood. The collection explores how vulnerability, responsibility and resilience coexist within modern femininity.
Fragility in her work is seen as power as the garments become visual metaphors for emotional strength. This duality of delicacy and resilience is expressed throughout the collection’s design. Silhouettes move between enveloping shapes that appear to protect the body and second-skin pieces that emphasise intimacy and closeness. Sculptural volumes emerge unexpectedly from otherwise minimal forms, creating garments that feel simultaneously soft and structural.
a sense of gravity and contrast
The palette reinforces this conceptual narrative. Soft milky whites, beige tones and pastel hues evoke the familiarity of domestic interiors, while deep black introduces a sense of gravity and contrast. By keeping the colour palette restrained, Kucharska allows the material itself to become the central visual focus.
Some looks resembled armour, while others felt almost like delicate second skins. Contrasts played a key role in communicating this tension. Structured pinstripe shirting collided with fluid materials, while glossy black latex appeared alongside plush textures in soft pinks and blues. These oppositions mirrored the emotional contradictions that the collection sought to express. The emotional extremes of motherhood were a prevalent theme in this collection.
Deconstructed and reconstructed
Garments often appeared adaptable, reflecting the realities of contemporary life. Shirts were deconstructed and reconstructed, clothing designed for women constantly navigating multiple roles and responsibilities.
The collection catered to those on the constant move. Many garments appeared designed for women constantly navigating between different roles. Motherhood, care work and emotional labour often involve constant activity, yet these experiences remain largely invisible within cultural narratives. Through her collection, Kucharska makes these hidden forms of labour visible.
Kasia Kucharska’s show was a lesson in movement and the different roles motherhood plays. Her intricate work on latex remains her signature appeal and is a lesson on the intricacy of modern craftsmanship.
Erfahre mehr über Kasia Kucharska: kasiakucharska.com
Taged as/in; avantgarde, berlin, Berlin Fashion Week, craftsmanship, design, fashion, Kasia Kucharska, latex, motherhood, resilience, Runway, Sustainability#writtenby:
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„Pelze Multimedia: Legendärer FrauenLesben-Ort in Berlin“
„Pelze Multimedia“ (1981–1996) – legendärer FrauenLesben-Kulturort in Berlin. Erinnerung, Kunst & Archiv im Schwulen Museum Berlin.
Abschiedsgruß an „Pelze Multimedia“
Zum 8. März, dem Internationalen Frauentag, erinnert das Schwule Museum Berlin mit einem Archiv-Fundstück an den legendären FrauenLesben-Ort „Pelze Multimedia“ (1981–1996) in Berlin-Schöneberg. Minimalistisch eingerichtet in Metall und Leder, mit Linoleumboden und Strandsand, war der Raum Treffpunkt für feministische und lesbische Künstler*innen: für Musik, Filmabende, Lesungen, Performances und avantgardistische Modenschauen.
1996 strich der Senat die Förderung, der Hausverein kündigte, die letzten Betreiberinnen räumten das „Pelze“ leer und warfen den Schlüssel in den Gully. Der Abschiedsgruß lautete: „It was nice, but it’s over“. Die Kopiervorlage wanderte ins Archiv des SMU.
Erinnerung und Referenzen
Die Erinnerung an das „Pelze“ wird unter anderem durch Fotografien von Petra Gall, den Dokumentarfilm Subjekträume (2020) von Katharina Voß und Janin Afken sowie die Neonarbeit Pelze (2015) von Lena Rosa Händle lebendig gehalten. Diese Referenzstücke sind in der Ausstellung Feuer + Flamme für das Patriarchat zu sehen. Kurator Heiko Pollmeier ergänzte die Präsentation mit Szenenfotografien von Heike Overberg.
Frauenrechte im internationalen Kontext
Frauen-Räume und -Rechte werden auch international diskutiert, z. B. beim diesjährigen Human Rights Forum am 14. März in Sofia. Dort wird Luan Pertl über das sichere Sammeln und Archivieren von Geschichten für Minderheitengruppen sprechen. Der Besuch dient außerdem der Vernetzung des Museums mit europäischen Initiativen und Expert*innen.
Neue Schenkungen in der Sammlung
Die SMU-Kunstsammlung erhielt kürzlich zwei besondere Schenkungen:
- Jiří Kolář (1914–2002), tschechischer Nachkriegskünstler, Collage Lesbisches Auto, zeigt oberflächlich Auto- und Schuldschein-Motive; bei genauerem Hinsehen eine erotische Szene mit zwei Frauen (Postkarte zu Courbet, Le Sommeil, 1866).
- Hormazd Narielwalla, in Indien geboren, in London lebend, übermalte ein Schnittmusterbuch des 19. Jh. mit körperlichen Motiven und Blumenbildern à la Giorgia O’Keeffe (Fear of the Flower).
Beide Werke illustrieren internationale Vernetzung, Collagetechniken und die Auseinandersetzung mit Minderheitenidentitäten.
Ausblick auf Ausstellungen
Cruising the Countryside eröffnet am 30. April.
A Heart That Beats – queere ukrainische Kunst, bis 6. April 2026.
Feuer + Flamme dem Patriarchat, bis 25. Mai 2026.
Love at First Fight, bis 29. Juni 2026.
Außerdem laufen Kooperationen mit KVOST, Mitte Museum, Werkbundarchiv und der Bonner Bundeskunsthalle.
Engagement und Bildungsangebote
Das SMU sucht weiterhin Ehrenamtliche für Café, Empfang und Veranstaltungsbetreuung – jeden zweiten Dienstag, nächste Info am 10. März. Für Jugendliche zwischen 14–22 Jahren startet das Ferienprogramm Queere Kiezgeschichten vom 30. März bis 2. April. Anmeldung: fuehrungen@schwulesmuseum.de.
Führungen zu den Ausstellungen sind kostenlos; Museumseintritt separat. Mehr Infos: hier.
Taged as/in; Aktivismus, Archiv, ausstellung, berlin, Collage, community, Feminismus, Foto, Frauen, gender, Geschichte, Human Rights, Kultur, Kunst, Lesben, LGBT, Musik, performance, queer, Schwule Museum Berlin, Schwules, social#writtenby:
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Boy Deluxe Releases New EP: Anti Social via Dark Roast Rec.
Boy Deluxe drops “Anti Social,” an electro-punk anthem of isolation vs. connection. Written in LA, Berlin-born vibes, out March 6, 2026.
“Anti-Social” is the lead single from the upcoming Boy Deluxe EP, Trespasser. The track was written in Los Angeles and released while the duo is spending a year in Berlin writing their next record.
Artist: Boy Deluxe
Release: Anti Social
Label: Dark Roast Rec.
Release Date: March 6, 2026The song explores the internal conflict of wanting to be part of the noise while needing to remain isolated. It’s about the specific tension of showing up to the party, but staying locked in your own head, a track for those who want to be in the room as long as they can keep their distance.
Taged as/in; Anti Social, berlin, Dark Roast Rec, darkwave, Electronic, electronic music, LA, release, single, Tags: Boy Deluxe#writtenby:
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Matias Aguayo – Sentimientos Encontraos via Platoon
Matías Aguayo returns with a playful, radical dance single introducing Anenoa — a joyful, rhythmic invitation to move, laugh, and connect.
A Joyful First Taste of Anenoa
Matías Aguayo returns with “Sentimientos Encontraos,” the first single from his upcoming album Anenoa, out May 29. Out March 6, the track offers an immediate, joyful entry point into a record. This record celebrates movement, humor, contradiction, and community. These elements are all central to Aguayo’s ever-evolving artistic language.
“Sentimientos Encontraos” is sung in Spanish. It is a playful, irresistibly rhythmic dance song. The song is built around repetition, call-and-response energy, and a light-hearted sense of chaos. Catchy and radical in equal measure, it’s a track that thrives on dance floors. It remains disarmingly simple. It’s the kind of song people can sing, move, and laugh along to without thinking twice.
Playful Chaos on the Dancefloor
“I think ‘Sentimientos Encontraos’ is a good intro to the album as it is catchy and radical and silly,” says Aguayo. “It works perfectly on dance floors. People can easily follow the lyrics, sing along, and dance along. I hope it becomes a classic at wedding parties or anywhere people want to move — you can’t really listen to it without moving at least a little.”
The single also introduces a physical dimension central to Anenoa: easy-to-learn dance steps designed to be shared, repeated, and embodied — a communal gesture that is reflected in the official video.
Mexico’s Influence on a New Chapter
In recent years, Aguayo’s move to Mexico has had a profound influence on his music and outlook. Immersed in local scenes and community-driven dance culture, he draws energy from the openness, humor, and collectivity of his surroundings — elements that pulse through “Sentimientos Encontraos” and the wider album. Performing regularly in Mexico has reinforced his instinctive, human approach to electronic music: direct, physical, and alive.
Over the course of his career, Matias Aguayo has continuously reshaped the possibilities of electronic and dance music. From his early work with Closer Musik and his long-standing relationship with Kompakt, to the creation of Cómeme — a label synonymous with playful experimentation and genre-defying releases — Aguayo has remained committed to reinvention rather than retrospection.
His solo albums and collaborative projects have earned international acclaim, while his live performances and DJ sets have taken him to clubs and festivals across Europe, Latin America, Asia, and beyond.
A Career Built on Reinvention
Rather than resting on legacy, Aguayo’s work has consistently pushed forward — embracing humor, vulnerability, and risk as creative tools. Anenoa continues this trajectory: a record rooted in rhythm, language, and shared experience, shaped by the places and people that surround him now.
Details
- “Sentimientos Encontraos” — out now:
- https://platoon.lnk.to/anenoaaguayo
- Anenoa — out May 29 — Presave/ Preorder:
- https://platoon.lnk.to/aguayoanenoa
With “Sentimientos Encontraos,” Matías Aguayo sets the tone for an album that is joyous, contradictory, and deeply physical — music that invites participation as much as it rewards listening.
Taged as/in; Anenoa, club, comeme, Dance, Electronic, groove, komapkt, Latin, Matias Aguayo, Mexico, Music, release, rhythm, Sentimientos Encontraos, single#writtenby:
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Loock Gallery: Renate Zeun | betroffen, März bis 25. April
Renate Zeun richtet nach eigener Krebsdiagnose die Kamera auf sich und ihr Umfeld. Die Serie „betroffen“ (1983–84) macht Krankheit sichtbar – kühl und direkt.
Die Arbeit betroffen zeigt Vintage-Abzüge aus Renate Zeuns gleichnamiger Fotoserie, die 1983-1984 aufgenommen wurden. Betroffen von einer Krebserkrankung richtet die Künstlerin die Kamera auf sich selbst und ihr nächstes Umfeld. Entstanden in einer Bildkultur, die sich lange gegen die Zirkulation von gealterten, kranken oder geschädigten Körpern gewehrt hatte, besteht das Werk auf Sichtbarkeit in einer Zeit, in der solche Bilder in der DDR gerade erst zulässig wurden.
Auch international nutzen Künstler wie Jo Spence und Robert Mapplethorpe fotografische Mittel um Krankheit und körperliche Veränderungen anhand ihrer eigenen Körper nachzuzeichnen. Zeuns Fotografien sind weder bekennend noch allegorisch; stattdessen bewahren sie eine kühle, analytische Intensität, die die Distanz zwischen Betrachter und Betrachtetem aufhebt. Sie können auch als ein Akt des Widerstands gegen Schweigen, Auslöschung und sanktionierte Sichtbarkeit in Ihrer Zeit gesehen werden.
Renate Zeun | betroffen
Eröffnung | 6. März | 15 – 20 Uhr
6. März – 25. April, 2026
Mi – Sa | 12 – 18 UhrDie 35 Tafeln der Serie betroffen, die zuerst 1987 auf der X. Kunstausstellung der DDR gezeigt wurden, sind vom 6. März bis 25. April 2026 in der LOOCK Galerie zu sehen.
Renate Zeun (*1946 in Radebeul) lebt in Berlin.Renate Zeun | betroffen, März bis 25. April at Loock Gallery
Renate Zeun, 10. Dezember 1983 © Renate Zeun, Courtesy LOOCK, Berlin The exhibition betroffen brings together vintage prints from Renate Zeun’s eponymous photographic series, produced in the first half of the 1980s, in which the East German artist turns the camera on herself. Created within a visual culture that long resisted the circulation of aged, ill, or damaged bodies, the work insists on visibility at a moment when such images were only just becoming permissible in the GDR.
Zeun’s self-imaging resonates transnationally with artists such as Jo Spence and Robert Mapplethorpe, who similarly traced illness and corporeal change through their own bodies. Yet these photographs are neither confessional nor allegorical; instead, they sustain a cool, analytic intensity that collapses the distance between observer and observed.
Renate Zeun | betroffen
6. März – 25. April 2026 | Mi – Sa | 12 – 18 Uhr
On view at LOOCK Galerie from 6 March to 25 April 2026, betroffen frames the body as a political and affective site, where self-representation becomes an act of resistance against silence, erasure, and sanctioned regimes of visibility.
Renate Zeun (*1946 in Radebeul) lives in Berlin.LOOCK Galerie
Ackerstr. 171, 10115 BerlinTaged as/in; ausstellung, berlin, DDR, Fotografie, Galerie, krankheit, Kunst, loock, LOOCK Galerie, renatezeun, selbstporträt#writtenby:
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