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Das Programm des Ukrainian Film Festival Berlin steht fest
Das Ukrainian Film Festival Berlin (22.–26.10.2025) zeigt unter dem Motto „Time We Have Left“ aktuelle ukrainische Filme, Kurzfilme & Retrospektiven.
22.–26. Oktober 2025
Das Ukrainian Film Festival Berlin (UFFB) lädt vom 22. bis 26. Oktober 2025 zu seiner sechsten Ausgabe unter dem Motto „Time We Have Left / Die Zeit, die uns bleibt“ ein. Das Festival präsentiert aktuelle Dokumentar- und Spielfilme aus der Ukraine, einen Kurzfilmwettbewerb sowie ein umfangreiches Spezialprogramm, das dem ukrainischen Film- und Kulturerbe gewidmet ist und filmische Stimmen aus Georgien und Zentralasien einbezieht.
“Das Motto der diesjährigen Ausgabe richtet den Blick auf die Zeit, die uns bleibt – jedoch nicht als eine apokalyptische Geste, sondern als eine Einladung zur Klarheit. Was machen wir mit dieser Zeit? Inmitten eines andauernden Krieges in der Ukraine, der täglich Leben kostet – von Soldat:innen wie Zivilist:innen – und einer Welt im Umbruch, geht es bei diesem Festival nicht um Resignation, sondern um Haltung.
Die ausgewählten Filme verkörpern diese Haltung. Sie stellen sich der Endlichkeit, nicht mit Dramatik, sondern mit Tiefe. Das UFFB 2025 will kein Ort der Verzweiflung sein, sondern ein Raum bewusster Gegenwart.“
Daria Buteiko, Ivanna Kozak und Valentyna Zalevska, die Kuratorinnen des Festivals.zehn aktuelle ukrainische Autorenfilme
Das Hauptprogramm zeigt zehn aktuelle ukrainische Autorenfilme. Darunter sind Werke renommierter Filmemacher:innen. Dazu zählen Mstyslav Chernov, der ein Oscar-Preisträger für 20 Days in Mariupol ist, und Kateryna Gornostai, deren neuer Film Timestamp dieses Jahr im Hauptwettbewerb der Berlinale Premiere feierte.
Die Filme widmen sich den Realitäten eines Landes im Krieg. Sie erzählen von den Soldaten an vorderster Front in 2000 Meters to Andriivka von Mstyslav Chernov. Sie umfassen Frauengeschichten im Krieg wie Cuba & Alaska von Yegor Troyanovsky und My Dear Theo von Alisa Kovalenko. Auch Familienbeziehungen werden gezeigt, wie in Under the Volcano von Damian Kocur und Honeymoon (Gewinner des Albert Widerspiel Preises, Filmfest Hamburg 2025) von Regisseurin Zhanna Ozirna.
Der Eröffnungsfilm Songs of Slow Burning Earth von Olha Zhurba und Werke wie Militantropos oder der überraschend humorvolle Sanatorium aus Odessa zeigen poetische und intime Bilder eines Landes im Ausnahmezustand. Auch die gefeierte Sci-Fi-Geschichte U Are the Universe von Pavlo Ostrikov wird gezeigt.
Kurzfilmwettbewerb und Jury
Nach seiner erfolgreichen Premiere beim UFFB 2024 wird der Kurzfilmwettbewerb mit zwei Programmen fortgesetzt.
Die Jury des Kurzfilmwettbewerbs besteht aus Darya Bassel (Produzentin, Songs of Slow Burning Earth), Nir Ferber (Jüdisches Filmfestival Berlin Brandenburg) und Konstanty Kuzma (East European Film Bulletin).
Retrospektive und Filmreihen
Ein besonderes Programm-Highlight ist die Retrospektive ukrainischer Filme der 1990er Jahre mit Shamara von Nataliia Andrieichenko und The Seventh Route von Mykhaylo Illenko. Die jeweiligen Vorführungen werden von einer Einführung des Filmwissenschaftlers Oleksiy Isakov (Europa-Universität Viadrina) begleitet.
Shamara von Nataliia Andrieichenko Die Reihe „Ukraine: Known Unknown“, die 2023 eingeführt wurde, setzt sich mit vergessenen oder verdrängten Persönlichkeiten der ukrainischen Kultur auseinander. Sie präsentiert Filme wie Yaremchuk: The Incomparable World of Beauty über den legendären Musiker Volodymyr Yaremchuk und Oxygen Station über den krimtatarischen Menschenrechtsaktivisten Mustafa Jemilev.
Stimmen aus Georgien und Zentralasien
Der georgische Filmfokus „Protest(s) Continue“ zeigt Dokumentarfilme über Aktivismus und Widerstand gegen das autoritäre Regime in Georgien. Dieser wurde von Irine Beridze kuratiert. Sie arbeitet am Lehrstuhl für Ostslavische Literaturen und Kulturen der Universität Potsdam. Die Filme werden von einer Diskussion mit den Filmemacher:innen begleitet.
Das Programm „Land, Labor & Legacy: Short Films on (Soviet) Extractivism in Central Asia“ wird von Azem Bekturova kuratiert. Sie ist Kunsthistorikerin und Filmkuratorin. Das Programm untersucht die ökologischen und sozialen Folgen sowjetischer Rohstoffausbeutung in Zentralasien.
Kooperation mit der Bundeszentrale für politische Bildung
In Zusammenarbeit mit der Bundeszentrale für politische Bildung (bpb) präsentiert das Festival das Programm „Dekoloniale Perspektiven“. Es beinhaltet den Film When the Lightning Flashes Over the Sea von Eva Neymann. Außerdem gibt es eine begleitende Podiumsdiskussion.
Darüber hinaus organisiert das Festival in Partnerschaft mit der BpB die Diskussion “Creative Loop and War Documentaries: How Can We Move Beyond the Expected?”, die die Vorstellung von Film Militantropos von Yelizaveta Smith, Alina Gorlova und Simon Mozgovyi am 25.10. begleiten wird. Die Teilnehmer:innen der Diskussionen werden noch bekanntgegeben.
Spielorte und Tickets
Die Filme werden in verschiedenen Berliner Kinos gezeigt. Dazu gehören das Silent Green Kulturquartier, ACUD Kino, Sputnik Kino, Il Kino und Kino in der Königstadt. Auch das Kino im Planetarium, City Kino Wedding, Filmkunst 66 und CineStar Kulturbrauerei zählen dazu.
Tickets sind auf der Festivalwebsite sowie über die Webseiten der teilnehmenden Kinos erhältlich: uffberlin.de
Links:
uffberlin.de
info@uffberlin.de
Instagram: @uff_berlin
Linkedin: Ukrainian Film Festival BerlinTaged as/in; 2025, berlin events, bpb, Documentary Film, Eastern Europe, film festival, UFFB, Ukrainian Cinema, Ukrainian Culture, Ukrainian Film Festival Berlin#writtenby:
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Alvisi Kirimoto reimagines the Basilica di Massenzio in Rome
Alvisi Kirimoto reimagines Rome’s Basilica di Massenzio—blending history and modernity with a new stage, pathways, and renewed cultural vitality.
Architect and Designer Alvisi Kirimoto reimagines the identity of the Basilica di Massenzio, within the Archaeological Park of the Colosseum, Rome. The international architecture firm Alvisi Kirimoto has designed the new exhibition pathway for the Basilica di Massenzio, commissioned by the Colosseum Archaeological Park. Respecting the site’s immense historical and cultural significance, the project integrates seamlessly and purposefully into one of the world’s most extraordinary contexts.
Though distinctly contemporary, the intervention establishes a meaningful dialogue with the site, redefining its identity and introducing new functions. It strikes a careful balance between memory and modernity, offering a thoughtful reinterpretation of the space.
Following the restoration of the central nave, the project revolves around three key elements: the introduction of a new multifunctional structure designed as a stage, the complete refurbishment of the flooring, and the installation of two informational totems.The stage is the focal point of the intervention
A work that goes beyond a simple installation to become a true cultural instrument. It activates a system of relationships between the monument, its visitors, and the events that bring the space to life.
Positioned in the central hall, the stage reestablishes the transversal connection between the three aisles of the nave, no longer interrupted by steel structures. More than an architectural backdrop, it becomes a dynamic platform. It will host theatrical performances, film screenings, and conferences. This offers a unique and evocative perspective on the Basilica’s monumental remains. It also provides a privileged vantage point from which to admire the site’s magnificent architectural details.
“The new stage is a multifunctional intervention designed for major cultural events, while rigorously respecting the historical and cultural value of the Basilica. It is a contemporary element—clearly legible yet discreetly embedded in its essence and offering a solution that combines functionality with the enhancement of the monument.”
– says Massimo Alvisi, co-founder of the Alvisi Kirimoto architecture studio.Observe the architectural remains
Accessible from all sides, the stage is versatile and inclusive. A stepped seating area at the front offers an open view toward the Horti Farnesiani, while side ramps and staircases facilitate circulation between the aisles. On the north side, a second staircase leads to the apse, allowing visitors to closely observe the architectural remains. Integrated lighting and painted steel railings ensure safety and comfort. Two benches are positioned at the sides of the stage. They offer moments of pause and reflection during guided tours.
Its proximity to a space temporarily designated as dressing rooms, along with new stage access points, facilitates backstage operations, allowing for set design and technical preparations without disrupting the visitor experience.
Constructed using a modular system, the stage combines a steel frame with a Keller grating platform. Its birch plywood paneled surface is rhythmically marked by wooden slats that become denser toward the center—drawing the eye inward, subtly guiding the visitor’s gaze to the heart of the composition, and from there, anchoring attention on the monumental presence of the Basilica.
Understanding the monument
The intervention extends to the forecourt of the Basilica, which has been resurfaced with natural earth and lime flooring, and to the installation of metal informational totems equipped with audiovisual systems to enhance visitors’ understanding of the monument.
Alvisi Kirimoto goes beyond a mere conservation effort to breathe new life into the Basilica di Massenzio. Every element—from the stage to the seating—enhances the site. The flooring and signage transform it into a living, inclusive environment. The intervention preserves historical memory while expanding the possibilities of experiencing the space, reconnecting the monument to the visitor flow of the Roman Forum and offering the public a contemporary reinterpretation of one of Italy’s most iconic cultural heritage sites.
CREDITS
- Project Name: Redevelopment of the visitor route through the Basilica di Massenzio with a new stage that can be transformed into an event space.
Address: Parco archeologico del Colosseo – Clivio di Venere Felice, Rome
Architecture: Alvisi Kirimoto (www.alvisikirimoto.it )
Massimo Alvisi, Junko Kirimoto
Project Team: Massimo Alvisi, Junko Kirimoto
Sara Ciarimboli, Roberto Fioretti
Contractor: Tecnorestauri s.r.l. del Geom. Luigi Vargas - Client: Ministero della Cultura – Parco archeologico del Colosseo
Director: Dr. Alfonsina Russo
RUP: Dr. Francesca Boldrighini
Project Coordinator: Landscape Architect Gabriella Strano
Works Supervisor: Arch. Debora Bravi
Restoration Project: Architects Laura Romagnoli and Guido Batocchioni Associates
Structures: Engineer Marco Peroni
Systems: Engineer Gianpiero Favuzzi
Lighting Design: Architect Carolina De Camillis
Audio-Video: Mediacare Audiovisuals
Design Phase Safety: Architect Paola D’Arcangelo - Dates: Commissioned 2019
Design phase: 2019/2023
Completion: 2025
GFA: Basilica di Massenzio: 5000 sqm
Stage: 500 sqm
Photographer: © Giuseppe Miotto / Marco Cappelletti Studio
MINTLIST.INFO — IG — FB
Copyright © 2025, MINT LIST, All rights reserved
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- Project Name: Redevelopment of the visitor route through the Basilica di Massenzio with a new stage that can be transformed into an event space.
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The Flow of Being – Sumit Mehndiratta @ Galerie-P6-Berlin
Experience The Flow of Being by Sumit Mehndiratta — a vibrant exploration of energy, motion, and creation at Galerie P6 Berlin, Oct 11–Nov 20.
The Galerie-P6-Berlin is pleased to present The Flow of Being, a solo exhibition of works by New Delhi–based artist Sumit Mehndiratta. The exhibition will be on view from October 11 – November 20, 2025, in the gallery and online via Artsy.
The show will open with a Vernissage on October 10, 18:00–21:00 at Gossowstrasse 6, 10777 Berlin.
About The exhibition
Mehndiratta’s practice is inspired by the ever-present flow of energy—the vital force that animates existence. In his work, potential transforms into kinetic energy, movement into creation.
Everything in existence is in flux, constantly shifting and reshaping, and his paintings seize this rhythm through dynamic gestures and evolving techniques. From dripping, dragging, spreading, and pulling paint across the surface, Mehndiratta mirrors the fluidity of energy itself—playful yet profound. His process begins in the subconscious, gathers strength in thought, and pours outward through his body like a waterfall, materializing in movement.
Describing himself as an action painter, he develops patterns through the very energy of his gestures. When tools do not exist to realize his vision, he invents new ones—extending the flow of creativity into the act of making itself.The resulting works pulse with vitality – their large, sweeping strokes echoing a dance between artist and surface.
His vibrant palette, deeply rooted in the colors of his Indian heritage, resonates with cultural symbolism as well as personal meaning. For Mehndiratta, color serves as both language and lifeline. It expresses movement, existential inquiry, and resilience. These are shaped in part by childhood experiences.
Elastic Thoughts, acrylic on canvas, 79 cm x 135 cm, 2025 Underlying the artist’s practice is the principle that energy cannot be created or destroyed. It can only be transferred—from force to force and from vessel to vessel. This universal rhythm, from the swing of a pendulum to the orbit of planets, is given visual form in The Flow of Being. Through each gesture, Mehndiratta captures not only the materiality of paint but also the cosmic continuity of energy itself.
Sumit Mehndiratta – The Flow of Being
10.10 – 20.11.25
Galerie-P6-Berlin
Location
Gossowstraße 6 / Motzstraße
10777 BerlinHours
Wed – Saturday, 12-18h
or by appointmentContact
Copyright (C) 2025 Galerie P6. All rights reserved.
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Reeperbahn Festival 2025: A Stage for the Future of Music
Reeperbahn Festival’s 20th edition lit up St. Pauli with 43,000 visitors, 70 venues & pure unpredictability—music, ideas & togetherness collided.
On a late September evening, the streets of St. Pauli feel like they’re humming with their own frequency. Neon bleeds into cobblestones, queues curl around corners, and the air is heavy with bass lines leaking from club doors. For four days, Hamburg’s notorious entertainment district transforms into something far bigger than itself: a crossroads of music, ideas, and chance encounters. This year marked the 20th edition of Reeperbahn Festival, and the city wore its anniversary like a badge of honor.
43,000 visitors between 70 venues
With around 43,000 visitors spilling between 70 venues, Reeperbahn’s scope is impossible to take in fully. It’s messy, restless, and sprawling by design – part discovery marathon, part industry summit, part street party. You might wander from an intimate church concert to a panel on the rise of AI in music, then stumble into a guerrilla gig that wasn’t even on the schedule. It’s this unpredictability that makes the festival feel alive, a reminder that music thrives on friction and surprise.
Photo: Marvin Contessi “Imagine Togetherness!”
This year’s theme, “Imagine Togetherness!”, was more than a slogan. It seeped into conversations about fair pay for artists, the fragility of small venues, and the cultural stakes of streaming-era homogeny. Panels weren’t just token gestures; they carried the urgency of an industry at a crossroads. The founding of the Live Music Fund Germany felt like a rare, tangible outcome – a solidarity-driven safety net to keep independent live culture alive in uncertain times.
But it was the music – always the music – that brought the ideas to life. Friday belonged to Kraftklub, who hijacked the festival with their “Kiez Tour 2025”. The band played 15 surprise shows in the cramped clubs of St. Pauli, reviving the sweaty, chaotic intimacy that first made live music feel like rebellion. At the Festival Village, Nina Chuba drew thousands with an unannounced set, Zsá Zsá and Jolle turned Thursday night into an impromptu celebration, and across the city, we discovered countless new acts while seeing live artists we already loved – a reminder of Reeperbahn’s unique balance between discovery and affirmation.
Photo: Robin Schmiedebach Photography Anchor International Music Award
The Anchor International Music Award, now in its 10th year, once again pointed toward the future. Chosen by a jury of legends including Laurie Anderson, Suzi Quatro, and Tayla Parx, this year’s winner Mei Semones delivered the kind of unforced charisma that made her feel like an obvious choice. With her band’s hybrid of guitar-driven intimacy and emotional intensity, she represented what Reeperbahn does best: spotlighting artists on the cusp of something bigger, before the industry machine catches up.
Outside the venues, Reeperbahn was as much about atmosphere as programming. The district’s chaos – its street musicians, spontaneous parties, and endless conversations spilling from bars – gave the festival a texture no conference center could replicate. Between official sessions on sustainability and showcases of emerging acts from 30 countries, there was also the simple magic of strangers pressed shoulder to shoulder, hearing something new together for the first time.
Collide sessions
If past editions sometimes felt like a competition for attention, this 20th anniversary leaned into something subtler: collectivity. Whether through industry collaborations like the Collide sessions (soon to appear on YouTube and ARTE) or the festival’s commitment to gender balance in its curated line-up (56% FLINTA*), Reeperbahn reminded its community that progress in music doesn’t happen in isolation.
Photo: Dominik Friess Another highlight came from the country and city takeovers, which turned parts of St. Pauli into windows onto different musical worlds. We especially loved the Austria, Switzerland, Estonia, Korea and Berlin showcases, each bringing a distinct energy and aesthetic.
By the time the final notes faded on Saturday night, it was clear that the festival had accomplished something rare: it managed to be both a mirror of the industry’s anxieties and a celebration of music’s connective power. As Richard Burgess of A2IM put it, perhaps a little boldly, “Reeperbahn Festival has now grown to be the most important event for our industry worldwide.”
For now, the future is already calling – early bird tickets for 2026 are on sale at €139 – but the afterglow of 2025 lingers. What remains isn’t just the memory of the concerts or events we got to attend, but the sense of togetherness that pulsed through St. Pauli: a messy, unpredictable, deeply human celebration of why music still matters.
Taged as/in; 20th edition, Anchor International Music Award, anniversary, Artists, community, Concerts, creativity, culture, discovery, energy, Festival, future, gigs, Hamburg, Imagine Togetherness!, Industry, inspiration, live, Music, nightlife, Panels, reeperbahn festival, Reeperbahn Festival 2025, StPauli, togetherness#writtenby:
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Activity FM AFM003: UK Techno Meets Spanish Electro Energy
Activity FM drop AFM003: UK techno meets Spanish electro in a raw 4-track VA with Jerome Hill, Luke’s Anger, Dark Vektor & Computer Madness.
Activity FM return with their 3rd release – bringing together the sounds of UK techno and Spanish electro on this next VA EP. AFM003 showcases the Bogotá-Berlin collective’s effort to present music from diverse corners of club music. This new release is a four-track display of raw, analog-driven electro and techno energy.
Jerome Hill
Jerome Hill is up first, long established DJ famed for his turntablism meets techno style since the 90’s and boss of Super Rhythm Trax and Don’t. ‘Baptised’ is tough from the off, launching in off classic rave stabs with an unforgiving, system punching kick drum.
Luke’s Anger
Next up is Luke’s Anger, the second UK artist repping here and one closely tied to Hill – launching his own releases off Don’t in 2008. Here he fuses his classic sound with Chicago House influences. The result is a sharp and punchy techno jacker titled ‘Babe You Don’t Have Time’.
Dark Vektor
The next half of the EP is turned over to two talents from the Spanish world of classic vocoder electro. Gente Seria Baila Chandal co-founder and Spanish Electro legend Dark Vektor’s offering ‘Recorreindo El Trayecto’ is the perfect example of dark electro funk. Laden with gliding synths and sci fi Spanish vocals it comes with a touch of pure class and bounce.
Computer Madness
Closing things out is elusive Madrid based producer Computer Madness with his hardware analogue sound. ‘We Orbit’ holds true to this with its tight drum programming, eerie synth stabs and a stripped-back electro groove.
- Releases on digital this October 2nd with its vinyl release to follow in early 2026.
- Release Date: October 2nd, 2025
- Catalog Number AFM003
About Activity FM:
Activity FM is a Bogotá-Berlin collective dedicated to showcasing diverse sounds from the global club scene. Fusing UK techno, Spanish electro, and analog-driven energy, they curate releases that celebrate raw, boundary-pushing electronic music. Each project highlights both established talents and emerging voices, bringing underground club culture to a wider audience.
Taged as/in; 2025, Activity FM, AFM003, berlin, Bogotá, club, Digital, Electro, Music, OCTOBER, release, Spain, techno, UK, VA, vinyl#writtenby:
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Patrick Demarchelier exhibition at camera work Gallery
From Sep 27–Nov 15, CAMERA WORK Berlin presents a major solo show of Patrick Demarchelier’s iconic and unseen works. #PatrickDemarchelier
FROM SEP 27 TO NOV 15
Starting Saturday, September 27, 2025, CAMERA WORK Gallery will present a major solo exhibition of the work of Patrick Demarchelier, who passed away in 2022. Over 40 photographic works will expand the view of the artist’s extensive oeuvre. In addition to world-famous photographic icons such as Christy (with Rose) and Christy and Mouse, numerous works will be shown here for the first time.
The exhibition is accompanied by the publication of a major new book, Patrick Demarchelier – Fashion Photographs Seen and Unseen (Rizzoli).
ABOUT THE EXHIBITION
The exhibition is divided into two thematic areas: fashion photography and portraiture. In his fashion works, Patrick Demarchelier transformed fabrics and silhouettes into sculptural compositions of light and movement. His portraits, on the other hand, reveal a special closeness to his subjects. Glenn Close, Paul Newman, Julia Roberts, Angelina Jolie, and Demi Moore do not appear as staged figures.
Instead, they are depicted with an authenticity that makes his work timeless. Models such as Christy Turlington, Kate Moss, and Gisele Bündchen are also part of these multi-layered works, in which personality and elegance merge into artistic reality.
His collaborations with Christy Turlington defined a central chapter in his career. Their joint works are among the icons of fashion photography, combining timeless beauty, expressiveness, and subtle sensuality. Patrick Demarchelier knew how to combine technical precision with emotional depth. His works are visually powerful and sensitive in their expression, carried by a keen sense for the subtle nuances of personality.
ABOUT PATRICK DEMARCHELIER
Patrick Demarchelier (1943–2022) began his artistic career in Le Havre, France, and developed a keen understanding of light, composition, and visual language at an early age. After working in Paris and New York, he created works for international magazines such as Vogue, Elle, Glamour, and Rolling Stone, as well as for renowned fashion and jewelry houses such as Chanel, Dior, Armani, and Yves Saint Laurent.
With his ability to combine elegance and expressiveness, he had a lasting impact on fashion photography and made his visual language a reference point for subsequent generations of photographic artists. Through his sensitivity to detail, expression, and composition, he blurred the boundaries between fashion photography and artistic portraiture. His works are exhibited in museums worldwide and are found in important public and private collections.
SELECTED WORKS FROM THE EXHIBITION
1 PATRICK DEMARCHELIER
CHRISTY AND MOUSE 1999Toned Gelatin Silver Print
Signed by the artist60 x 50 cm (Ed. of 20)
134 x 114 cm (Ed. of 8)
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2 PATRICK DEMARCHELIER
BRAD PITT 2004Archival Pigment Print
Signed by the artist60 x 50 cm (Ed. of 20)
136 x 110 cm (Ed. of 8)
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3 PATRICK DEMARCHELIER
GISELE BÜNDCHEN 2003Archival Pigment Print
Signed by the artist60 x 50 cm (Ed. of 20)
136 x 110 cm (Ed. of 8)
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4 PATRICK DEMARCHELIER
ANTHONY HOPKINS 1998Toned Gelatin Silver Print
Signed by the artist60 x 50 cm (Ed. of 20)
120 x 120 cm (Ed. of 5)
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5 PATRICK DEMARCHELIER
ANGELINA JOLIE (TALK MAGAZINE) 1999Archival Pigment Print
Signed by the artist140 x 112 cm (Ed. of 8)
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CAMERA WORK Gallery
Kantstrasse 149
10623 Berlin
Tuesday to Saturday
11 a.m. to 6 p.m.Tel.: +49 (0)30 3100776
Email: sales@camerawork.de
www.camerawork.deTaged as/in; Angelina Jolie, Anthony Hopkins, art, berlin, Brad Pitt, CAMERA WORK Gallery, Christy Turlington, exhibition, fashion, Gisele Bündchen, iconic, Photography, portraits, Timeless#writtenby:
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Yael Naim – Let It Transform You (OMP Soundtrack)
Yael Naim returns with Let It Transform You—a stripped-down, instinctive electronic mantra closing her Arte doc “Une nouvelle âme”.
This is Yael Naim‘s first track to see the light of day since the album “Night Songs” (2020). “Let It Transform You,” which closes the documentary “Yael Naim, Une nouvelle âme” directed by Jill Coulon (broadcast on September 23, 2025, on Arte), marks a shift. That of an artist in full mutation, who is taking a radical turn towards a more stripped-down, electronic and instinctive writing style.
Built around a heady loop, a heartbeat, over which a suspended melody rests, the piece whispers more than it sings. Like a melancholic mantra, a gentle incantation to transformation. “One evening, I started composing around matriarchy. I fumbled around, then this rhythm was born and the text came out in one go,” says Yael. “The next day, I called Jill and said, ‘Here we are, we have found the perfect ending for the documentary.’”
Yael Naim, Une nouvelle âme
In the film’s final sequence, as Yael strides toward a still-unclear elsewhere, symbolically leaving behind a piece of her past, the images and the music become one. With this piece, Yael Naim marks both an end and a beginning. She now composes alone, venturing into a more electronic sound, but still permeated by a profoundly human vibration.
“Let It Transform You” thus becomes a vibrant manifesto. The soundtrack of a body moving forward, a mind letting go, a soul learning to welcome rather than control.
- Video: https://www.youtube.com/watch?v=7r4avS7IAjY&feature=youtu.be
- The film is now available on ARTE all over Europe: https://www.arte.tv/fr/videos/120518-000-A/yael-naim/
https://www.yaelnaim.fr/
https://www.instagram.com/yael_naim_/Let It Transform You, offers more than just a new release—she shares a living mantra, a piece of music that becomes both soundtrack and soul. As Jill Coulon’s documentary finds its ending, the song embodies change, bridging tradition and electronic instinct.
Rooted in France, carried by image and film, its resonance stretches beyond borders. A video of quiet power, a hymn to transformation, and a reminder that at the heart of it all, there is Yael Naim. #arte
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khisdapaze e.V. übernimmt die Modellfläche TXL
Auftakt ausverkauft: Am 27.09. feiert khisdapaze e.V. die Eröffnung der Modellfläche TXL – ein neuer Ort für Musik, Kunst, Kultur & Begegnung in Berlin.
Auftaktveranstaltung am 27. September bereits ausverkauft
Berlin bekommt einen neuen Ort für Musik, Kunst und Begegnung: Am Samstag, den 27. September 2025, startet der Berliner khisdapaze e.V. offiziell auf der Modellfläche TXL. Die Eröffnung bildet den Auftakt für die Entwicklung eines spartenoffenen Kulturzentrums, das Raum für Konzerte, Performances, Lesungen, Workshops sowie Club-Veranstaltungen auf Außen- und ab 2026 auch Innenflächen bietet.
Neustart für TXL
Foto: © Malcom SaidouVon links nach rechts: Dirk Förster (Kulturraum Berlin gGmbH), Florian Stiehler (Vorstand der Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung/Berliner Projektfonds Urbane Praxis), Corinna Huge (Tegel Projekt GmbH), Lyn Reiners (khisdapaze e.V.), Cerstin Richter-Kotowski, (Staatssekretärin für Kultur der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt), Jan Saade (khisdapaze e.V.), Marcel Weber (1. Vorsitzender, Clubcommission Berlin e.V.) Am Samstag, den 27. September 2025, feiert die Modellfläche TXL ihren Neustart: Der Berliner khisdapaze e.V. lädt als neues Betreiber:innenkollektiv zur ersten großen Veranstaltung ein – mit DJ-Sets, Live-Musik, Performances, Lesungen, Workshops und kulinarischen Angeboten. Auch wichtige Projektpartner:innen mit Fokus auf Solidarität und Gemeinschaft werden mit Ständen vor Ort sein.
„Der Stellenwert eines Projekts wie die Modellfläche Tegel ist für die Berliner Kulturlandschaft sehr hoch. Die Vielfalt, die sich zunächst über Subkultur herausbildet, muss weiter unterstützt werden, um Sichtbarkeit zu erreichen. Denn genau diese kulturelle Vielfalt macht Berlin aus.”
Cerstin Richter-Kotowski, Staatssekretärin für Kultur der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhaltoffenes Kulturzentrum TXL
Besucher:innen erhalten so einen ersten Eindruck davon, wie die Fläche künftig zu einem Ort für Kunst, Kultur und Begegnung wird. Mit einem klaren Fokus auf künstlerische Vielfalt, Inklusion und Community-Building möchte khisdapaze e.V. die Modellfläche zu einem offenen Kulturzentrum weiterentwickeln. Hier entstehen Räume für Musik, Performance, Begegnung und soziale Innovation – getragen von gemeinschaftlichen Strukturen, Diversität und barrierearmen Zugängen.
„Mit khisdapaze e.V. erhält die Modellfläche TXL ein engagiertes und kreatives Kollektiv, das nicht nur künstlerische Vielfalt, sondern auch gesellschaftliche Teilhabe, Community-Building und Nachwuchsförderung in den Mittelpunkt stellt. Wir freuen uns, gemeinsam einen neuen offenen Raum für Clubkultur und alternative Kunst zu schaffen, der die Berliner Kulturlandschaft nachhaltig bereichert.”
Marcel Weber, 1. Vorsitzender Clubcommission Berlin e.V.Der 2017 in Berlin gegründete Verein zählt rund 50 aktive Mitglieder. Bekannt ist das Kollektiv vor allem für das Sägewerk Festival, das seit 2022 jährlich mehrere tausend Gäste anzieht. Neben der Förderung junger Künstler:innen arbeitet khisdapaze e.V. eng mit lokalen Akteur:innen zusammen und entwickelt partizipative Formate, die künstlerisches Schaffen und gesellschaftliche Teilhabe verbinden.
Vision des neuen Zentrums für Clubkultur
Bereits am Freitag, den 26. September 2025, stellten Vertreter:innen des khisdapaze e.V. die Staatssekretärin Cerstin Richter-Kotowski (Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt) sowie die Kooperationspartnerinnen des Gemeinschaftsprojekts vor. Dazu gehören die Clubcommission Berlin, die Kulturraum Berlin gGmbH, der Berliner Projektfonds Urbane Praxis, die Tegel Projekt GmbH sowie Mitglieder der Jury. Dies geschah im Rahmen einer Pressekonferenz, um die Vision des neuen Zentrums für Clubkultur vorzustellen.
„Wir wollen die Modellfläche TXL zu einem offenen Kulturzentrum entwickeln, das nicht nur unser Zuhause ist, sondern auch ein Raum für andere Kollektive und die Nachbarschaft. Ein Ort, an dem Vielfalt selbstverständlich ist und Begegnung auf Augenhöhe stattfindet. Das erfordert Multiperspektivität, Community Outreach und den Abbau von Barrieren.”
Lyn Cleo Reiners, khisdapaze e.V.Dabei gaben sie Einblicke in die Entstehung des Projekts und betonten ihren Enthusiasmus über die künftige Nutzung der Fläche. Die Vorfreude könnte nicht größer sein. So war die erste Veranstaltung mit knapp 1.000 Tickets innerhalb von 24 Stunden ausverkauft.
Hintergrund zur Modellfläche TXL
Die Fläche umfasst 3.700 m² rund um das ehemalige Cateringgebäude des Flughafens Tegel, ein markantes Bauwerk aus den 1970er Jahren. Ziel des Modellprojekts ist es, neue Räume für alternative Kultur in Berlin zu schaffen. Die Inbetriebnahme eines Teils der Innenräume ist für Anfang 2026 geplant, was ganzjährige Nutzung unabhängig von Wetter ermöglicht.
Foto: © Malcom Saidou Das Projekt wird gefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt und umgesetzt von der Clubcommission Berlin e.V. in Kooperation mit der Kulturraum Berlin gGmbH und der Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung / Berliner Projektfonds Urbane Praxis.
Über die Modellfläche TXL
Die Entwicklung der Modellfläche TXL wird gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. Dieser Prozess wird umgesetzt von der Clubcommission Berlin e.V. in Kooperation mit der Kulturraum Berlin gGmbH und der Geschäftsstelle des Berliner Projektfonds Urbane Praxis der Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung.
Copyright © *2025 *CLUBCOMMISSION e.V.*, All rights reserved.
Die Entwicklung der Modellfläche TXL wird gefördert durch die Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. Dieser Prozess wird umgesetzt von der Clubcommission Berlin e.V.in Kooperation mit der Kulturraum Berlin gGmbH und der Geschäftsstelle des Berliner Projektfonds Urbane Praxis der Stiftung für Kulturelle Weiterbildung und Kulturberatung.Taged as/in; berlin, berlin events, Building, club culture, Clubcommission Berlin, Clubkultur, community, khisdapaze, Kultur Modellfläche TXL, Kunst, Musik, Neustart#writtenby:
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Mitten rein in die Kultur: 8. PANDAwomen Festival Programm
Vom polnischen Punk bis zum türkischen Schattentheater: Das 8. PANDAwomen Festival (7.11.–19.12.2025) feiert Kulturvielfalt in 7 Mini-Festivals.
Vom polnischen Punk bis zum türkischen Schattentheater: Das Programm des 8. PANDAwomen, das dieses Jahr vom 7.11. bis 19.12.2025 stattfindet, ist komplett. Die sieben PANDAwomen-Abende sind als vielgestaltige Mini-Festivals konzipiert. Sie feiern die kulturelle Vielfalt von Estland, Georgien, Iran, Jemen, Polen, Belarus und der Türkei. Expertinnen aus der jeweiligen Diaspora haben sie kuratiert.
Dabei reicht die Bandbreite von klassischen und experimentellen Klängen bis hin zu Lesungen, Workshops, Performances und Filmvorführungen. Unter den prominenten Künstler*innen befinden sich die renommierte und vielfach ausgezeichnete Autorin Nino Haratischwili, die belarussische Avantgarde-Musikerin und Dichterin Sveta Ben und der estnische Rising Star Mari Kalkun.
Zu allen “Mini-Festivals” gehören DJ-Sets, Essen aus der Region, passendes Ambiente – sowie natürlich der Austausch miteinander.
Izzy and The Black Trees spielen zum Auftakt des 8. PANDAwomen-Festivals
© Lukasz LukasiewiczNovember Programm
Für den 7.11. hat Edyta Rogowska-Żak, die auch das ROXSA-Festival leitet, einen spannenden Einblick in polnische Musik- und Tanzkultur kreiert. Izzy and the Black Trees spielen energetisch-feministischen Punkrock. Dieser wurde schon auf KEXP und BBC6 gefeiert. Die gerade in den Jazz-Himmel aufsteigenden Pianistinnen und Komponistinnen Hania Derej und Zuzanna Całka bringen neue Stücke mit. Die Tänzerin Anna Steller erschafft für das PANDA platforma eine raumgreifende Performance. Auch Edyta Rogowska-Żak selbst betritt als Teil des Polish-Future-Retro-Trios Duxius die Bühne.
links: Nini Nutsubidze © Tina Khuntsaria, rechts: Nino Haratischwili © Steffen Baraniak Nach Georgien geht es am 14.11., den die visuelle Dichterin und Lyrikerin Elza Javakhishvili kuratiert hat. Tatia Asatiani moderiert. Der Abend beginnt mit einer Rede von Nino Haratischwili. In den Lesungen der Dichterinnen Ana Tcheishvili, Eka Kevanishvili und Kato Javakhishvili wird die Schönheit und Relevanz der Worte thematisiert.
Es folgt ein filmisches Intermezzo mit Anka Gujabidzes BAKHMARO 2025 sowie SELF-PORTRAIT ALONG THE BORDERLINE von Anna Dziapshipa. Den Abend ausklingen lässt die georgische Musik: Es performen Nini Nutsubidze, die Soul und R&B mit georgischen Folk-Klängen kombiniert; Synth-Pop-Artist nana.ios sowie die klassische Pianistin Nestan Bagration-Davitashvili.
Anastasia Ryndlevskaya © Alina Masovets Novembermitte
Am 21.11. bringt die interdisziplinär arbeitende Avantgarde-Künstlerin, Regisseurin, Dichterin und Musikerin Sveta Ben die belarussische Vielfalt aufs Tableau. Los geht es mit der Filmvorführung von “Jugend auf Belarussisch” mit anschließendem Q&A mit der Regisseurin Ksenija Halubowitsch, gefolgt von einer Präsentation des Kunstprojektes “Vecha”, das sich anhand von persönlichen Familiengeschichten mit Belarus beschäftigt.
Der Abend geht mit der performativen Lesung “Krovazvarot” weiter. Julija Cimafiejeva ist Schriftstellerin. Sie schrieb unter anderem für das Maxim Gorki Theater das Stück “Extremist*innen”. Volha Padhaiskaya ist Komponistin und Organistin für zahlreiche Theaterstücke und Stummfilme. Intim und nachdenklich wird es dann mit KOOB S.
Das aus der belarussischen Sängerin KOOB und dem schwedischen Bassisten Seth Sjöström bestehende Duo bewegt sich zwischen Folk und Jazz. Den finalen Höhepunkt des Abends liefert die interdisziplinäre Künstlerin und Musikerin Anastasia Rydlevskaya.
Links Najla Alshami © Alaa Al Qaddah, rechts: Eman Ibrahim Am 28.11. erkundet die Kuratorin und Aktivistin Najla Alshami die Bandbreite der jemenitischen Musik – und gibt auch anhand des von ihr betriebenen Yemen Art Base (YAB) in Brüssel einen Einblick in Jemens Kunstszene. Eman Ibrahim bringt in ihrem Opener-Set klassische arabische Lyrik und zeitgenössische Arrangements zusammen.
Die in Saudi-Arabien lebende Hadeel Hussein lässt mit ihrem Sound arabischen Pop und jemenitische Klänge zusammenfließen. Noha aka Intibint aus Glasgow bewegt sich schließlich in die experimentelle Richtung. In dieser Richtung haben auch Field Recordings ihren Platz.
Behrooz Moosavi und Janna Maria Dezember Programm
Mit dem ersten Dezember-Event am 5.12. zieht das PANDAwomen in den Iran weiter. Das von der freischaffenden Künstlerin, Musikethnologin und Festivalkuratorin Dr. des. Yalda Yazdani kuratierte Event beginnt praktisch und hands-on mit einem Workshop zu Ableton und iranischer Musik von Cee, Parisa Saeednezhad und Yalda Yazdani. Anschließend changiert Sanam Maroufkhani zwischen Indie und Jazz.
Danach gibt es traditionelle Klänge von Parisa Saeednezhad, Roshanak Rafani, Sahar Zibaei und Pouyan Biglar. Und schließlich wird es elektronisch und tanzbar mit Musik und Visuals in zwei Sets von Mahtab Sabetara und Baharan Egh sowie Behrooz Moosavi und Janna Maria.
Tuulikki Bartosik und Sander Mölder Dezembermitte
Für die Dezembermitte am 12.12. hat die Musikagentin und JV-Promotion-Betreiberin Juliana Volož spannende Künstler*innen aus Estland eingeladen. Als filmischen Einstieg zum Festivalthema weibliche Solidarität zeigt Anna Hints ihren erfolgreichen Dokumentarfilm SMOKE SAUNA SISTERHOOD.
Die schwedisch-estnische Akkordeonistin, Komponistin, Produzentin und Multi-Instrumentalistin Tuulikki Bartosik arbeitet mit dem estnischen Komponisten Sander Mölder zusammen. Sie kreieren einen Sound. Nordische und baltische Einflüsse treffen auf moderne Innovation.
Für das Grand Finale kommt die in Estland vielfach ausgezeichnete und gefeierte Mari Kalkun ins PANDA platforma, die in ihrem neuen Album alte Mythen, Runengesänge und zeitgenössische Poesie – geschrieben in einer der ältesten Sprachen der Welt: Võro – aufs Berührendste zu vereinen weiß.
ILÆY © Sergey Lemon Am 19.12. geht das PANDAwomen mit einem Abend voller türkischer Highlights zu Ende. Die Musikerin, Sängerin und Konzertorganisatorin Güley Alagöz beginnt die Veranstaltung höchstselbst. Sie spielt einen Sound, der sich zwischen klassischer Gitarre, Swing, Jazz und Elektronik bewegt. Sie übergibt im Anschluss die Bühne an İrem Nalça, eine multidisziplinäre Künstlerin, die sich in ihrer Performance unter anderem dem Phänomen des Schattens widmet, inspiriert vom Karagöz-Schattentheater.
Pina Berlin fragt in ihrer Kunst “Was wäre, wenn Norah Jones und Led Zeppelin in Istanbul der 90er kollaborieren würden?” – und lässt im PANDA platforma eine Melange aus Musik und Bewegung entstehen.
Zum krönenden Abschluss des Festivals performt ILÆY, die derzeit als Maria Magdalena in der Komische-Oper-Inszenierung JESUS CHRIST SUPERSTAR zu sehen ist, ihren einzigartigen Avant-Pop.
Von PANDAwomen inspiriertes Begleitprogramm
PANDAwomen 2025 ist mehr als diese sieben Abende. Ein umfangreiches Begleitprogramm findet auch darüber hinaus im November und Dezember statt. Es erweitert den Festivalrahmen mit weiteren Formaten. Dazu gehören experimentelle Jazzkonzerte. Es gibt zwei Ausstellungen und das Diskussionsformat Meeting Without Translation. Zahlreiche Specials geben den Ländern und Künstler*innen zusätzliche Sichtbarkeit.
Das komplette PANDAwomen-Programm finden Sie ab Oktober auf der PANDA platforma-Website.
PANDA platforma wird gefördert durch das Land Berlin – Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt sowie durch die Stiftung Deutsche Klassenlotterie Berlin.Copyright © 2025 Marie Ketzscher, All rights reserved.
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