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Art Lab Berlin: FERMENTING TEXTILES, 17. Mai – 6. Juli 2025
Fermenting Textiles explores how mud, plants & microbes co-create art—blending craft, science & culture from Burkina Faso to Japan. 🌿🧵🌍
FERMENTING TEXTILES
Weaving Together Traditional Craft, Anthropology, Microbiology, and Art
Adama Séré, Laurence Douny, Regine Hengge, Pauline Agustoni, Satomi Minoshima
17. Mai – 6. Juli 2025
Vernissage: Fr, 16. Mai 2025, 20 UhrLaufzeit: 17. Mai – 6. Juli 2025
Do – So, 14 – 18 Uhr
Vernissage: Fr, 16. Mai 2025, 20 Uhr
Ausstellungsgespräche:
So, 18. Mai 2025, 15 Uhr
Pauline Agustoni & Satomi Minoshima
So, 15. Juni 2025, 15 Uhr
Regine Hengge & Laurence DounyAnthropologie, Mikrobiologie und Kunst
Fermenting Textiles ist ein inter- und transdisziplinäres Forschungs- und Ausstellungsprojekt, das die aktive Materie in den Mittelpunkt stellt: Es verbindet Anthropologie, Mikrobiologie und Kunst mit Beiträgen von Kunsthandwerker:innen, Anthropolog:innen, Naturwissenschaftler:innen und Künstler:innen sowie mehr-als-menschlichen Akteur:innen.
Fermenting Textiles erforscht die Fermentierung von Textilien in Schlamm und Pflanzenmaterial, um komplexe Färbungen für verschiedene Verwendungszwecke herzustellen – von traditionellen Jagdhemden in Burkina Faso bis zum Färben von Kimono-Seide in Japan. Es handelt sich jeweils um ein handwerkliches Verfahren mit faszinierenden traditionellen Verwendungen und Bedeutungen. In beiden Fällen werden natürliche chemische und biologische Prozesse genutzt, um einzigartige ästhetische und medizinische Ergebnisse zu erzielen.
Auch kulturübergreifende Forschungsmethoden spielen bei Fermenting Textiles eine wichtige Rolle. Die Anthropologin Laurence Douny hat mit Kolleg:innen und Färber:innen in Burkina Faso zusammengearbeitet, um den langwierigen Prozess der Vouwo-Schlammfärbung akribisch zu dokumentieren, bei dem Erde unterschiedlicher Herkunft, Eisenerz und verschiedene Pflanzenmaterialien verwendet werden.“shirt to shirt”
Die Mikrobiologin Regine Hengge und ihr Doktorand José I. Hernández Lobato haben die komplexen Interaktionen von Bodenbakterien mit Pflanzen und Stoffen im Färbeprozess untersucht und werden diese in der Ausstellung visuell nachstellen.
Darüber hinaus schafft Hengge fächerübergreifend fotografische Muster, die Bilder von bakteriellen Biofilmen aus dieser wissenschaftlichen Forschung mit den von Douny untersuchten westafrikanischen Textilien kombinieren. Diese wurden auf Stoffe für die Herstellung neuer Hemden gedruckt und vervollständigen so eine transdisziplinäre Reise von „shirt to shirt”.
Das Kunst- und Designprojekt Craft Portrait: Dorozome von Pauline Agustoni und Satomi Minoshima untersucht das Färben von Stoffen durch Kunsthandwerker:innen auf der südjapanischen Insel Amami Oshima. Traditionell werden die Seidenfäden für die Kimonoherstellung, die mit Baumwollfäden verwoben sind, zunächst in einem flüssigen Bad aus Baumrinde gefärbt.Anschließend werden sie wiederholt in Schlamm getaucht, bevor die Baumwollfäden entfernt werden, um die ungefärbten Teile des Stoffes freizulegen. Dabei kommt es zu chemischen Reaktionen der Komplexbildung und Oxidation, die zu satten dunkelbraunen und schwarzen Seiden führen.
“Intra-Aktivität”
In Zusammenarbeit mit den Kunsthandwerker:innen in Japan haben Agustoni und Minoshima auch eine Textilskulptur aus rosa-braunen und schwarzen Fäden hergestellt, die sich drehen und winden und so den Akt des Auswringens nachahmen, der ein wesentlicher Bestandteil des Färbeprozesses ist.
Durch die Kombination dieser Ansätze, Methoden und Kontexte unterstreicht Fermenting Textiles das Wirken und die Empfindungsfähigkeit der Materie im Fermentationsprozess und ihre vielseitige Materialität. Aus der Perspektive posthumanistischer Philosophie betrachtet, tritt die Materie aktiv auf, was die Philosophin Karen Barad als „eine materialistische, naturalistische und posthumanistische Ausarbeitung” beschreibt, „die der Materie den ihr gebührenden Platz als aktive Teilnehmerin am Werden der Welt, an ihrer fortwährenden ‚Intra-Aktivität’ einräumt” (Barad 2003: 803).Die einzigartige multinationale, multi- und transdisziplinäre Zusammenarbeit, aus der die Gruppenausstellung Fermenting Textilesbesteht, spiegelt die artenübergreifende Kollaboration wider, die ein wesentlicher Bestandteil des Färbeprozesses von Schlamm ist.
About:
Mehr Informationen unter https://artlaboratory-berlin.org/de/ausstellungen/fermenting-textiles/
Das Projekt Fermenting Textiles ist Teil des Exzellenz-Clusters Matters of Activity. Image Space Material , Humboldt-Universität zu Berlin sowie des __matter FESTIVAL 2025.
Projektleiterinnen:
Prof. Dr. Regine Hengge & Dr. Laurence Douny
Research Associates:
José I. Hernández Lobato, Adama Séré, Salif Sawadogo
Kooperationspartner:innen:Kanai Kougei workshop, Japan
Die Feldforschung in Burkina Faso wurde vom Centre National de Recherche Scientifique et Technologique (CNRST) in Ouagadougou, Burkina Faso, unterstützt.Text von Regine Rapp & Christian de Lutz
FERMENTING TEXTILES – Weaving Together Traditional Craft, Anthropology, Microbiology and Art
Adama Séré, Laurence Douny, Regine Hengge, Pauline Agustoni, Satomi Minoshima
17 May – 6 July 2025
Opening: Fri, 16 May 2025, 8 pmRunning Time: 17 May – 6 July 2025
Thu – Sun, 2 – 6 pm
Opening: Fri, 16 May 2025, 8 pm
Exhibition Talks:
Sun, 18 May 2025, 3 pm
Pauline Agustoni & Satomi Minoshima
Sun, 15 June 2025, 3 pm
Regine Hengge & Laurence DounyAnthropology, microbiology and art
Fermenting Textiles is a unique inter and trans-disciplinary research and exhibition project that puts active matter at the center: it connects anthropology, microbiology, and art through the engagement of artisans, anthropologists, scientists, and artists, as well as more-than-human actors.
The exhibition Fermenting Textiles explores the fermentation of textile in mud and plant material to produce complex dyeing for various use – from traditional hunter shirts in Burkina Faso to kimono silk dyeing in Japan. In each case the process is artisanal and has fascinating traditional uses and meanings. Both cases make use of natural chemical and biological processes to create unique aesthetic and medicinal results.
Cross-cultural research methods also play a key role in Fermenting Textiles. Anthropologist Laurence Douny has worked with colleagues and dyers in Burkina Faso to meticulously document the long Vouwomud dyeing process, which involves soil of different origins, iron ore, and various plant materials.“shirt to shirt”
Microbiologist Regine Hengge and her PhD student José I. Hernández Lobato have studied the complex interactions of soil bacteria with plants and fabrics in the dyeing process and will visually re-enact these in the exhibition.
Furthermore, Hengge reaches across fields by photographically creating patterns that combine images of bacterial biofilms from this scientific research and of the West African textiles studied by Douny. These have been printed on fabrics for making new shirts, thus completing a transdisciplinary journey from “shirt to shirt”.
The art and design project Craft Portrait: Dorozome by Pauline Agustoni and Satomi Minoshima explores fabric dyeing by artisans in the southern Japanese island of Amami Oshima. Traditionally, silk threads for kimono production, interwoven with cotton threads which are later removed to reveal undyed portions of textile, are initially dyed in a liquid bath of tree bark, before being repeatedly dipped in mud. This causes chemical reactions of complexation and oxidation, which create rich dark brown and black silks.‘intra-activity’
While working with the artisans in Japan, Agustoni and Minoshima have also produced a textile sculpture of pink-brown and black strands, that twist and turn, emulating the act of wringing, an essential part of the dyeing process.
By combining these approaches, methods, and contexts, Fermenting Textiles stresses the agency and sentience of matter in the fermentation process and its versatile materiality. Speaking through the lens of Posthuman philosophy, matter actively performs, what philosopher Karen Barad describes as “a materialist, naturalist, and posthumanist elaboration – that allows matter its due as an active participant in the world’s becoming, in its ongoing ‘intra-activity’” (Barad 2003: 803).
The unique multi-national, multi- and trans-disciplinary cooperation that makes up the group exhibition Fermenting Textiles mirrors the multi-species collaborations that are integral to the mud dyeing process.
About:
More information at https://artlaboratory-berlin.org/exhibitions/fermenting-textiles/
This project is part of the Matters of Activity, Image Space Material Cluster of Excellence, Humboldt-Universität zu Berlin and takes place in context of their matter FESTIVAL 2025.
Project Leaders:
Prof. Dr. Regine Hengge & Dr. Laurence Douny
Research Associates:
José I. Hernández Lobato, Adama Séré, Salif Sawadogo
Cooperation partners:
Kanai Kougei workshop, Japan
The field research in Burkina Faso was supported by the Centre National de Recherche Scientifique et Technologique (CNRST) in Ouagadougou, Burkina FasoText by Regine Rapp & Christian de Lutz
Art Laboratory Berlin
Prinzenallee 34, 13359 BerlinTaged as/in; Active Matter, Anthropology, Art Laboratory Berlin, Bio Art, collaboration, contemporary art, Craft, Dorozome, Dyeing, exhibition, Fermenting Textiles, Interdisciplinary, Intra Activity, Japan, Kimono, Matter Is Alive, Matters of Activity, Microbiology, Mud, Posthumanism, Science, Textile, Textile Art, West Africa#writtenby
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9 Kelche: Dilemma by Gosia Lehmann Mai – 22. Juni 2025
In Dilemma verwandelt Gosia Lehmann Neun Kelche in ein begehbares Finanzlabyrinth – mit Münzwurf, Rätseln und ökonomischem Schamanismus.
ERÖFFNUNG 16. Mai 2025, 18 – 21 Uhr
Freitags (außer 30. Mai), 14 – 19 Uhr und auf Anfrage
In ihrer Einzelausstellung Dilemma verwandelt Gosia Lehmann den Projektraum Neun Kelche in ein Labyrinth. Der Wurf einer Münze entscheidet, auf welchen Pfad wir uns begeben. Ein floral geformtes Stahltor und eines aus Pfeilen verweisen auf die beiden Eingänge des blauen Irrgartens, der aus Samtvorhängen wie ein Raum im Raum von der Decke hängt. Welche Rätsel gilt es darin zu lösen, wie finden wir den Weg aus diesem Dilemma?
Ein begleitender Audioguide führt die Besucher*innen durch die Installation. Mit Hilfe von Rätseln konfrontiert uns die Künstlerin in der Installation und Performance Dilemma mit zeitgenössischen wirtschaftlichen Problemen und eröffnet neue Perspektiven auf die oft unverständlichen Wirren des Finanzsektors, der dennoch unsere individuellen Lebensrealitäten prägt.
Gosia Lehmann beschäftigt sich in ihrer Praxis mit economic shamanism (Ökonomischer Schamanismus) – ein Begriff, den sie verwendet, um die schwarze Magie der Finanzwelt zu beschreiben, zu der wirtschaftliche Paradoxien wie das ‚Verschwinden‘ von Offshore-Geld gehören. Wir freuen uns sehr, euch alle bei der Eröffnung zu sehen!
Foto: Gosia Lehmann, ‘Portal to the Other Realms’, 2021, Bärenzwinger, Berlin. Credit: Valerian Blos.
Dilemma by Gosia Lehmann
May 17 – June 22, 2025
Photo: Valerian Blos. OPENING May 16, 2025, 6 – 9 pm
Opening hours: Fridays (except May 30), 2 – 7 pm and by appointment
In her solo exhibition Dilemma, Gosia Lehmann transforms the project space Neun Kelche into a labyrinth. The toss of a coin decides which path upon which we embark. A floral steel gate and another made of arrows mark the two entrances to the blue maze, which, like a room within a room, hangs from the ceiling draped in velvet curtains. What riddles must be solved therein, and how do we find our way out of this Dilemma?
An accompanying audio guide leads visitors through the installation.
In the installation and performance that make up Dilemma, the artist confronts us with riddles about contemporary economic problems. These riddles encourage us to think creatively about the often unintelligible entanglements of the financial sector, which nonetheless shape our individual lived realities.In her practice, Gosia Lehmann engages with economic shamanism—a term she uses to describe the black magic ofthe financial world, to which economic paradoxes such as the “disappearance” of offshore money belong. We are very excited to see you all at the opening!
Neun Kelche
Pasedagplatz 3-4
(Zugang über “An der Industriebahn”)
13088 Berlin
www.neunkelche.de
prost@neunkelche.de© 2025 Neun Kelche
Taged as/in; »Dilemma«, art, Art Week, berlin, contemporary art, Econ, Economic, exhibition, Finanzen, Gosia Lehmann, Kunst, Labyrinth, Magic, Neun Kelche, Shamanism#writtenby
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V/A (AMX, Exzakt, ARA-U, Phran) – AFM002 via Activity FM
Activity FM return with their second expertly curated V/A release, bringing together another talent-laden batch of international producers.
AFM002 unites four unique artists with their own distinct touch on the electro sound that showcases the diversity and creative potential of the genre with a release that is fully primed for the club floor.
AMX opens the release. She is a Detroit-based artist. Her precise and soulful production carries the unmistakable touch of her city’s legacy. ‘Out My Mind’ is hallmarked by a refined and futuristic edge, with an ice-cool vocal hook running across ceiling shaking sub bass. A rising force on the global techno community, AMX has released on Tresor, Deeptrax, and International Chrome.
Next up is Exzakt, aka Larry McCormick, a long-standing pioneer of the electro movement coming right out of Florida with a discography that spans Monotone, Omnidisc, and Tresor. His track ‘Fvck That Sh1t’ is a peak-time weapon boosted off larger-than-life rolling bass and all-sirens-blazing energy.
Heading into the second half of the EP, London-based ARA-U steps up with a thundering old school flavoured track. ‘Feels Like Dancing’ is stacked with analog machine funk warmth. A veteran of the Venezuelan underground electro scene and head of No Static / Automatic, ARA-U’s unique touch is consistently gritty and machine-driven.
Phran, who is based in Barcelona, closes the EP with ‘Archivo Criminal’. The track keeps the energy moving with a jumping and playful offering. It draws us into deeper head down territory with its deft synth work.
Venezuelan-born Phran runs Vimana and co-manages ACA alongside NAP, and is also known for his collab Dos Ritmos with Luca Lozano releasing on Klasse Wrecks Hivern Discs, Paralaxe Editions and more.
Tracklisting:
1. AMX – Out My Mind
2. Exzakt – Fvck That Sh1t
3. ARA-U – Feels Like Dancing
4. Phran – Archivo Criminal
Single Release: Phran – Archivo Criminal, Out now on Bandcamp
Full EP Release: 29th May on bandcampAbout AFM
AFM002 brings together four boundary-pushing artists from across the globe, each delivering their unique vision of electro. From raw analog grit to futuristic soul, this release captures the genre’s full spectrum — united by deep groove, machine funk and club-focused energy.
Taged as/in; afm002, amx, analog, arau, Barcelona, Bass, club, Dance, darkroom, detroit, djtools, Electro, electro funk, Electronic, exzakt, florida, futurism, global, groove, hardware, heady, independent, London, machine funk, Party, peak time, phran, Rave, release, synths, techno, underground, Venezuela, vinyl#writtenby
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Karassimeon – AETHERNOVA new EP via Ritmo Fatale
Karassimeon, one of Ritmo Fatale’s key producers and performers, returns to the label with his new EP, Aethernova. Out now.
The EP delivers an introspective and intense journey in two phases.
It begins with a descent into darkness, driven by cinematic, tense EBM—Karassimeon’s signature style. Panique Synthétique embraces a bold, modernized electroclash, while Analog Anxiety oscillates between the clinical chill of a Dopplereffekt-scored basement and the unsettling strangeness of a haunted mansion.The shift arrives with Aethernova, the title track, where dissonant pads pave the way for a brighter, more hopeful breakbeat—an element the artist often explores in his live sets. The journey ends with Final Flash, a liberating italo-trance anthem marked by a vocal hook that lights the way out: “take me to the stars.”
After two years carving out his place as a “machines” live act in iconic venues across Europe and the United States (Else in Berlin, Khidi in Tbilisi, Grauzone Festival in The Hague, Synthicide in New York…) as well as in France (La Machine du Moulin Rouge, Badaboum, Macadam), the Parisian artist channels that raw stage energy into a four-track release that’s dense, emotionally charged, and pulsating with BPMs.
Release Date : April 25th, 2025
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Secondhand neu gedacht – Wie Ninyes Mode zukunftsfähig macht
Ninyes macht Secondhand für Modemarken profitabel – mit einem einfachen, vollintegrierten Resale-Service, der Nachhaltigkeit und Umsatz vereint.
Von der Nische zur Normalität: Das finnisch-deutsche Unternehmen Ninyes revolutioniert mit einem innovativen Resale-as-a-Service-Modell die Art, wie Mode konsumiert, getragen – und weiterverkauft wird.
Secondhand ist nicht mehr nur etwas für Flohmarkt-Fans oder Vintage-Liebhaber:innen. Immer mehr Konsument:innen wollen bewusst einkaufen – und Modeunternehmen müssen sich anpassen. Genau hier setzt Ninyes an: Als Vorreiter einer neuen Ära bietet das Unternehmen eine vollintegrierte Wiederverkaufsplattform speziell für Modemarken. Nachhaltigkeit trifft auf Skalierbarkeit – und Secondhand wird endlich profitabel.
Sunnuntaisuomalainen. 30.6.2022. Elina Aho bei Ninyes im ehemaligen Kaufhaus Aleksi 13 im Zentrum von Helsinki. Foto von Laura Oja Gegründet 2021, hat Ninyes in kurzer Zeit ein Netzwerk aus rund 40 Partner-Brands in Nordeuropa aufgebaut. Mit Standorten in Helsinki und Berlin und einem überwiegend weiblich geführten Team (90 %!), zählt Ninyes zu den spannendsten Playern der Circular Fashion Bewegung.
Magdalena Wolf, Country Managerin von Ninyes
„Immer mehr verantwortungsvolle Modemarken steigen ins Resale-Geschäft ein. Mit unserer Lösung können sie Secondhand-Angebote nahtlos in ihr Business einbinden und ihren Kundinnen das wohl einfachste Rücknahmesystem auf dem Markt bieten – ganz ohne den Stress von Peer-to-Peer-Plattformen mit Feilscherei, Wartezeiten und Unsicherheiten. Das ist bequemer für die Kundinnen und rentabler für die Marken.“Wie funktioniert’s?
Ninyes macht es Konsument:innen so einfach wie nie: Kleidung einpacken, abschicken, Gutschrift erhalten – in der Regel innerhalb von ein bis zwei Wochen. Keine Inserate, kein Fotografieren, keine Preisdiskussionen.
Gleichzeitig wird der gesamte Prozess für die Marken übernommen – von Qualitätsprüfung über Lagerung bis zum Verkauf in eigenen Online- oder Offline-Stores. Der Clou: Alles passiert im Branding der jeweiligen Marke, nahtlos integriert ins Einkaufserlebnis.
Warum es sich lohnt – für alle
Ninyes ist nicht nur ökologisch sinnvoll, sondern auch wirtschaftlich smart: Marken profitieren von zusätzlichem Umsatz, stärken ihre Kundenbindung und erfüllen gleichzeitig Anforderungen der kommenden EU-Gesetzgebung zum Textilrecycling. Und Konsument*innen erhalten ein schnelles, unkompliziertes Resale-Erlebnis mit echtem Mehrwert.
Ein Markt mit Potential
„Wir beobachten eine klare Veränderung: Secondhand entwickelt sich zunehmend vom Nischenmarkt zum festen Bestandteil des Modehandels. Unser Start in der DACH-Region ist ein wichtiger Schritt auf dem Weg, Wiederverkauf zu einem wirtschaftlich sinnvollen Bestandteil der Branche zu machen.“
Mikko Siukosaari, Geschäftsführer & Mitgründer von NinyesDer globale Secondhand-Modemarkt wird 2024 auf 200 Milliarden Euro geschätzt – mit Prognosen auf 300 Milliarden bis 2026. Besonders online boomt das Geschäft: 67 % der Transaktionen finden digital statt. In Berlin war 2023 bereits jede dritte neu gekaufte Kleidung ein Secondhand-Teil. Trotzdem bieten bisher nur 1 % der europäischen Modemarken eine professionelle Resale-Lösung. Ninyes will das ändern – und ein neues Kapitel der Modeindustrie aufschlagen.
Mehr als nur ein Trend
Durch weniger Überproduktion, Abfall und Emissionen leistet das Modell auch einen wichtigen Beitrag zur Klimakrise. Statt auf schnelle Modetrends zu setzen, ermöglicht Ninyes einen bewussten und nachhaltigen Konsum – der trotzdem stilvoll, bequem und attraktiv bleibt.
Ninyes zeigt, wie Kreislaufwirtschaft im Modebereich nicht nur möglich, sondern gewinnbringend ist. Für Marken, Konsument:innen und für unseren Planeten.
Die Visionäre hinter Ninyes
Elina Niinistö
Co-Founder & CEO
Elina ist CEO und Mitgründerin von Ninyes. Als langjährige Unternehmerin und überzeugte Verfechterin des nachhaltigen Konsums verfügt sie über mehr als 20 Jahre Erfahrung im Aufbau sinnstiftender Konsumgütermarken – von nachhaltigem Kindermodehandel bis zur Strategiearbeit im Portfolio-Management bei Nokia. Neben ihrer Rolle bei Ninyes ist Elina auch Landwirtin und Yogalehrerin – Ausdruck ihrer tiefen Verbundenheit mit der Natur und einem ganzheitlichen Denken. Sie lebt und arbeitet in Helsinki und Berlin.
Mikko Siukosaari
Co-Founder & CMO
Mikko ist Chief Marketing Officer und Mitgründer von Ninyes GmbH. Mit über 20 Jahren Erfahrung in Markenführung, Kommunikation und Unternehmertum war er Mitbegründer und in leitenden Positionen bei innovativen Unternehmen wie Ductor Corp., Superson und Drum Communications tätig. Er lebt in Berlin und engagiert sich leidenschaftlich für zirkuläre Geschäftsmodelle, kreative Wachstumsstrategien und den Aufbau sinngetriebener Marken.
Taged as/in; Circularfashion, Digitalisierung, E-Commerce, Fashiontech, Greenfashion, innovation, Konsumwandel, Kreislaufwirtschaft, Markenbindung, Minimalismus, Mode, nachhaltigkeit, Ninyes, Resale, Secondhand, Stil, Textilrecycling, Umwelt, Upcycling, Verantwortung, Zukunft#writtenby
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Die C/O Ausstellungen in der zweiten Jahreshälfte
Julian Rosefeldt – Making Of: Die erste große Retrospektive des Ausnahmekünstlers zeigt 30 Jahre Medienkunst ab 24. Mai im C/O Berlin!
JULIAN ROSEFELDT – Making Of
Ausstellung
24. Mai – 17. Sep 2025Julian Rosefeldt zählt zu den wichtigsten, international bekannten Medienkünstlern. Mit seinen aufwendig inszenierten Film- und Videoinstallationen bespielt er museale Räume, Theater und Opernhäuser, Kinosäle und postindustrielle Areale. Seine 13-Kanal-Filminstallation Manifesto mit der Schauspielerin Cate Blanchett erlangte weltweite Aufmerksamkeit und wurde mit Preisen ausgezeichnet.
Mit Making Of präsentiert C/O Berlin einen Querschnitt durch Rosefeldts Arbeiten der letzten 30 Jahre und damit die erste große Retrospektive des Künstlers in Berlin. Rosefeldt begann mit einem Architekturstudium. Seine frühen Fotoreportagen und die Arbeit am Theater prägten seine Methodik. Über die Jahre entwickelte sich diese Methodik und führte zur cinematischen Fiktion.
Wiederkehrende Themen wie die Appropriation von Archivmaterial und Found Footage, die Dekonstruktion medialer Stereotype und visueller Tropen oder das Zitieren aus Kultur- und Filmgeschichte werden ebenso beleuchtet, wie die Auseinandersetzung mit nationalen Mythen und den Absurditäten der menschlichen Existenz.
Neben Mehrkanal-Projektionen bieten nie zuvor gezeigte Fotografien und Kontextmaterialien einen Blick hinter die Kulissen seiner sozial- und konsumkritischen Gesellschaftsreflexionen und machen darüber hinaus die Konstruktionsmechanismen von Erzählungen und Filmgenres erfahrbar.
DOCUMENTARY IN FLUX
Ausstellung
24. Mai – 17. Sep 2025Anlässlich seines 25-jährigen Geburtstags zeigt C/O Berlin mit Documentary in Flux einen Überblick über den C/O Berlin Talent Award, der seit 2006 als Nachwuchsförderpreis an ein Tandem aus Kunst und Theorie vergeben wird. Anhand 14 exemplarisch ausgewählter künstlerischer Positionen von insgesamt mehr als 90 Preisträger:innen veranschaulicht die Ausstellung, wie sich dokumentarisches Arbeiten in der Fotografie über das Bestehen des Preises hinweg—und damit auch im Laufe von 25 Jahren—im stetigen Fluss befindet.
Vier thematische Kapitel legen das Augenmerk auf einzelne Aspekte des Dokumentarischen in der künstlerischen Fotografie, um Prozesse und Entwicklungen sowie zeitspezifische Tendenzen nachzuzeichnen. Die Ausstellung wird den Blick nicht nur in die nähere Vergangenheit werfen, sondern auch mögliche Zukunftsvisionen für die dokumentarische Fotografie vorstellen.
27. Sep 2025 – 28. Jan 2026
CLOSE ENOUGH
Ausstellung
27. Sep 2025 – 28. Jan 202625 Jahre nach der Ausstellung Magnum° . Betrachtungen über die Welt, die zugleich die offizielle Eröffnung von C/O Berlin markierte und den Grundstein für dessen Anerkennung als internationale Fotoinstitution legte, kehrt die renommierte Fotoagentur Magnum mit einer Gruppenausstellung in die Räume von C/O Berlin zurück.
Close Enough präsentiert das Werk von dreizehn herausragenden Magnum-Fotografinnen, die mit ihren unterschiedlichen Visionen die Bildsprache der Agentur nachhaltig prägen. Die Ausstellung zeigt intime, bewegende und gesellschaftlich relevante Werke, die menschliche Nähe und Verletzlichkeit in den Vordergrund stellen sowie die Grenzen zwischen dokumentarischer Fotografie und persönlicher Perspektive ausloten.Durch einfühlsame Serien und eindringliche Einzelaufnahmen widmen sich die Künstlerinnen Themen wie Identität, Weiblichkeit, sozialer Gerechtigkeit, Repräsentation und Konflikten – eine Herausforderung und Einladung zugleich, nah genug an die Menschen und ihre verschiedenen Lebensrealitäten heranzukommen.
Mit Werken von Olivia Arthur, Myriam Boulos, Sabiha Çimen, Cristina de Middel, Bieke Depoorter, Carolyn Drake, Cristina García Rodero, Nanna Heitmann, Susan Meiselas, Hannah Price, Lúa Ribeira, Alessandra Sanguinetti und Newsha Tavakolian.
Organisiert von
Magnum PhotosIn Kollaboration mit
C/O BerlinAFTER NATURE PRIZE 25 – Lisa Barnard / Isadora Romero
Ausstellung 27. Sep 2025 – 28. Jan 2026
Für ihr ausgezeichnetes Projekt verhandelt Lisa Barnard ausgehend von Thomas Nagels einflussreichem Essay What Is It Like to Be a Bat? die Frage, wie Technologien die menschliche Wahrnehmung prägen und sich auf unser Verhältnis zur Umwelt auswirken.
Unter Rückgriff auf eine Vielzahl von Bildgebungsverfahren präsentierte sie eine umfangreiche künstlerische Recherche rund um das Prinzip der Echolokation, die unerwartete Verbindungen zwischen tierischem Bewusstsein, autonomen Fahrsystemen, dem Abbau von Lithium und nuklearen Teststellen herstellt.
Anhand von drei in Ecuador angesiedelten Fallstudien untersucht Isadora Romero in ihrem ausgezeichneten Projekt das Zusammenleben von Mensch und Wald in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Das Projekt stellt die koloniale Sichtweise tropischer Wälder infrage stellt durch die Kombination von klassisch dokumentarischen Fotografien mit organischen Materialien und experimentellen Entwicklungsverfahren Beispiele für ein funktionierendes Verhältnis zwischen der Umwelt und ihren Bewohner:innen vor.Durch die Zusammenarbeit mit Wissenschaftler:innen und lokalen Communties entsteht eine nuancierte Erzählung über die spirituellen, politischen und ökologischen Dimensionen des Waldes.
Die Doppelausstellung wird im Rahmen des After Nature . Ulrike Crespo Photography Prize 25 erstmals bei C/O Berlin im Amerika Haus zu sehen sein. Es erscheint eine begleitende Publikation.
C/O Berlin Foundation, Amerika Haus
Hardenbergstraße 22–24,
10623 Berlin
www.co-berlin.orgÖffnungszeiten:
Täglich 11:00 – 20:00 Uhr.Stunned Man, 2004 © Julian Rosefeldt / © Naroska Design /
The Necklace, Buenos Aires, Argentina, 1999 © Alessandra Sanguinetti /
Portable Traffic Light asset: Transportation Research Center Inc. (TRC Inc.) Atwater, California © Lisa Barnard /
Palms at Mache Chindul © Isadora Romero & Ailín BlascoTaged as/in; Absurdität, Architektur, ausstellung, berlin, Cate Blanchett, CO Berlin, contemporary art, Filmgeschichte, Filminstallation, Filmkunst, Fotografie, Gesellschaft, Julian Rosefeldt, Kino, KRITIK, Kultur, Kunst, Kunstinstallation, Kunstleben, Kunstszene, Making Of, manifesto, Medienkunst, Multichannel, Mythos, Retrospektive, storytelling, Theater, Videokunst#writtenby
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Musical „SCHERBEN KINDER“, Premiere am 9. Mai 2025
Ein Musical über das Jungsein nach Motiven aus Frank Wedekinds „Frühlings Erwachen“, übertragen ins Hier und Jetzt an der UdK Berlin.
Die neue Musical-Produktion von Regisseur Mathias Noack im UNI.T nimmt den schwierigen Übergang von der Kindheit zum Erwachsenenleben in den Blick: die Jugend, mit all der Lust und dem Schrecken der aufkommenden Sexualität. Der Abend erzählt vom Jungsein und einer Zeit, in der Not und Glück ganz nah und immer wieder neu beieinanderliegen. Himmelhoch und höllentief.
Premiere: 9. Mai 2025
„SCHERBEN KINDER“Als Auftragsarbeit hat der Dramatiker und Studierender des UdK-Studiengangs Szenisches Schreiben Fabian Hartje das Stück von Frank Wedekind in die Gegenwart übertragen. Auch wenn einige Probleme, die aus der rigiden Sexualmoral um 1900 resultierten und die Wedekinds junge Held*innen in den Tod trieben, heute überwunden sind, bleibt die Pubertät für jede Generation eine schwierige Zeit. Denn immer wieder ist es die Aufgabe der Jugend, ihren eigenen Weg zu finden.
Für das Kooperationsprojekt zwischen dem Studiengang Musical / Show und den drei Studiengängen Szenisches Schreiben, Bühnenbild und Kostümbild haben die Studierenden nicht nur selbst Songs übersetzt, sondern auch arrangiert. Die Lieder reichen von Musical-Klassikern wie „Begehren“ aus Artus Excalibur über Indie-Pop wie „Rosarote Brille“ von Yu bis hin zu einem Disney-Medley.
‚Glotzt nicht so romantisch‘ und Disney“
Nach dem Motto: „Wir versuchen den Spagat zwischen Bertolt Brechts ‚Glotzt nicht so romantisch‘ und Disney“ spannt Mathias Noack in seiner Musical-Bearbeitung abermals den Bogen zwischen Texttheater, Tanz, Gesang und Unterhaltung und entwirft ein zeitgenössisches Musical, indem er ganz verschiedene Elemente aufeinandertreffen lässt.
Für die Choreografie zeichnet erstmals die neu als Professorin an die Universität der Künste Berlin berufene Tänzerin und Choreografin Melissa King verantwortlich. In einem variantenreichen Mix bedient sie sich der unterschiedlichsten Stile von Musical Jazz bis Tanztheater und lässt die Darsteller*innen mit Hula Hoops über die Bühne wirbeln. Der Bühnenraum mit Bushaltestelle und Tischtennisplatte breitet sich bis auf die Zuschauer*innentribüne aus und das Publikum kommt den Darsteller*innen ganz nah.
Anlässlich des 50-jährigen Jubiläums des UNI.T spielen die Inszenierungen in diesem Jahr mit den vielseitigen Nutzungsmöglichkeiten der Spielstätte und zeigen die Bühne auf ungewohnte Weise.
„SCHERBEN KINDER“
Premiere: 9. Mai 2025
Weitere Vorstellungen: 10., 11., 16. bis 18. Mai, jeweils 19:30 Uhr
UNI.T – Theater der UdK Berlin, Fasanenstraße 1 B, 10623 Berlin
Eintritt: 12 Euro, ermäßigt 6 Euro
Mehr zum ProjektMit: Victoria Angerer, Noel Becker, Anastasia Dragoi, Lara Kareen, Lukas Koch, Mara Liede Gallego, Josephina Mackensen, Lennart Petersen, Markus Spagl, Inszenierung: Mathias Noack, Choreographie: Melissa King, Musikalische Leitung: Damian Omansen, Bühne: Martin Gonschorek, Jan Schnase, Kostüme: Cora Geßmann, Licht: Miriam Damm
Im Anschluss an die Vorstellung am 16. Mai 2025 findet ein Nachgespräch mit den Mitwirkenden und dem Team statt.Über die UdK:
Die Universität der Künste Berlin ist eine der wenigen künstlerischen Hochschulen Europas, die alle künstlerischen Disziplinen und die auf sie bezogenen Wissenschaften in sich vereint. An den Fakultäten Bildende Kunst, Gestaltung, Musik und Darstellende Kunst sowie den hochschulübergreifenden Zentren Tanz (HZT) und Jazz (JIB Berlin) und dem Zentralinstitut für Weiterbildung und Transfer (ZIWT) werden über 70 künstlerische, künstlerisch-wissenschaftliche und künstlerisch-pädagogische Studiengänge angeboten.
Von rund 4.000 Studierenden hat etwa ein Drittel einen internationalen Hintergrund. Die Geschichte der Hochschule reicht zurück bis zur Gründung der brandenburgisch-preußischen Akademie der Künste im Jahr 1696.
Ihre heutige Form erhielt die UdK Berlin 1975 durch den Zusammenschluss der Hochschule für bildende Künste und der Hochschule für Musik und darstellende Kunst zur Hochschule der Künste (HdK), seit 2001 trägt die Universität der Künste Berlin ihren heutigen Namen.
Im Jahr 2025 feiert sie ihr 50-jähriges Jubiläum. Mit mehr als 700 Veranstaltungen im Jahr trägt die UdK Berlin maßgeblich zum kulturellen Leben der Stadt bei. Präsident der Universität der Künste Berlin ist seit dem 1. April 2025 Prof. Dr. Markus Hilgert.
Taged as/in; »Scherben Kinder«, 2025, Auftragsarbeit, Begehren, berlin, Bertolt Brecht, Bühne, Bühnenbild, Choreografie, Cora Geßmann, Damian Omansen, Disney, Emotionen, Ensemble, Erwachsenwerden, Fabian Hartje, Frank Wedekind, Gegenwart, Generation, Gesang, Hochschultheater, Identität, indie pop, Inszenierung, Interpretation, Jan Schnase, jazz, Jubiläum, Jugend, Kooperation, Kostüm, Kostümbild, KREATIVITÄT, Kultur, künstlerische Ausbildung, Licht, Martin Gonschorek, Mathias Noack, Melissa King, Miriam Damm, Musical, Musik, Nachgespräch, Nähe, Neuproduktion, Premiere, Pubertät, Publikum, Rebellion, Schauspiel, Schauspielstudium, Sexualität, Show, Studierende, Szenisches Schreiben, Tanz, Tanztheater, Texttheater, Theater, Theaterprojekt, transformation, UdK, UNI.T, Unterhaltung, veranstaltung, Vielfalt#writtenby
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URBAN NATION Aktionen zum Internationalen Museumstag
Zum Internationalen Museumstag lädt URBAN NATION am 18. Mai zu Touren & Workshop ein – Urban Art erleben, Stadt neu entdecken! Eintritt frei!
Am Internationalen Museumstag machen Museen weltweit auf ihre gesellschaftliche Rolle aufmerksam – ein wichtiges Anliegen auch für unser URBAN NATION Museum for Urban Contemporary Art. Das Museum bietet nicht nur eine Plattform für international renommierte Künstlerinnen und Künstler, sondern setzt bewusst auch auf lokale Beteiligung mit partizipativen Projekten.
Museen sind wichtige außerschulische Lernorte, für Kinder und Erwachsene gleichermaßen. Insbesondere Streetart, Graffiti und Urban Art sind Kunstformen, die einen niederschwelligen Zugang ermöglichen, um an komplexe Themen heranzuführen. Unsere aktuelle Ausstellung „Love Letters to the City“ stellen wir in Kurztouren und einem Drop-In Workshop zu Street Culture vor.
Die Ausstellung ist eine Hommage an urbane Räume und regt zum Nachdenken über die Rolle der Kunst bei der Gestaltung unserer kollektiven Stadterfahrung an. Die Ausstellung untersucht das transformative Potenzial von Kunst im öffentlichen Raum und erforscht die Methoden und Motivationen, die hinter solchen Werken stehen, sowie deren soziale Auswirkungen. Indem sie über die Grenzen des Museums hinausgeht, ermutigt die Ausstellung die Besucher, den öffentlichen Raum neu zu bewerten, sich mit dem öffentlichen Raum auseinanderzusetzen und ihre Verbindung zur Stadt zu entdecken. Die in die urbane Landschaft eingebetteten Erzählungen sind für diejenigen zugänglich, die bereit sind, sie wahrzunehmen.
Kurztouren
Deutsch: 13:00, 15:00, 17:00 Uhr
Englisch: 14:00, 16:00, 18:00 Uhr
Dauer: 30 Min., Anmeldung am Tresen im Foyer
Drop-In Workshop:
14:00 bis 17:00 Uhr
Dylan Mitro, Stipendiat unserer Martha Cooper Künstlerresidenz 2025, bietet den Drop-in-Workshop “Photo Mapping and Our History in the City: Zine Making” an. In diesem Workshop zeigt er den Teilnehmern, wie sie das Vermächtnis der legendären Fotografin für Streetart, Martha Cooper, fortsetzen können, indem sie ihre eigene Dokumentation unserer Stadt erstellen.
Gemeinsam wird ein kollektives Zine erstellen, das am Ende der Martha Cooper Library im URBAN NATION gespendet wird. Mit einem Scanner, unseren Smartphones, Markern und Bastelmaterialien sowie einem Standarddrucker wird am Ende ein Zine mit Beiträgen aller Teilnehmer gedruckt.
Wann: Sonntag, 18. Mai 2025, 12:00 bis 20:00 Uhr
Wo: URBAN NATION Museum, Bülowstr. 7, 10783 Berlin
Eintritt: frei
Mehr Infos: https://urban-nation.com/de/love-letters-to-the-city/
Text von Dr. Constanze von Marlin
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Scotty Berlin: Eröffnung der Ausstellung Territories
Scotty Berlin lädt zur Ausstellung Territories im Pavillon am Milchhof – mit acht Künstlerinnen, die Räume neu denken. Vernissage: 08.05.2025, 19 Uhr.
Scotty Berlin lädt Sie herzlich ein, zur Ausstellung im Pavillon am Milchhof: Territories mit Charlotte Bastian, Sigrun Drapatz, Kiki Gebauer, Simone Häckel, Julia Krewani, Karen Linnenkohl, Bettina Weiß und Juliane Zelwies.
Eröffnung: 08.05.2025, 19 Uhr Finissage: 24.05.2025, 19 Uhr (Die Ausstellung ist durchgehend durch die große Fensterfront sichtbar)
Pavillon am Milchhof
Schwedter Str. 232
10435 BerlinNach lexikalischer Definition sind Territorien geographisch abgegrenzte Gebiete, auf die ein Anspruch auf Besitz, Macht oder Souveränität erhoben wird. Territorien sind umkämpft, werden angeeignet, abgesteckt und gesichert, sind also Ausdruck von Zugehörigkeiten und spiegeln Machtverhältnisse wider. Es geht um Fragen von Eigentum, Aneignung, Erweiterung und darum, Kontexte und Konstruktionen gegebenenfalls auch subversiv aufzubrechen.
Grenzen werden in Frage gestellt, um Territorien in Möglichkeitsräume zu verwandeln. Freiräume werden genutzt und geschaffen, neue mentale und soziale Räume können entstehen. Private Sphären werden zu öffentlichen Räumen erweitert.
Die ausstellenden Künstlerinnen erforschen in verschiedener Weise die Bedeutung und Facetten von Territorien, sei es in Bezug auf natürliche und geformte Umgebungen, soziale Strukturen, kulturelle Identitäten oder Farb- und Lichträume.
Über die Künstler:innen
Charlotte Bastian
Bastian setzt aus Fotografien unterschiedlicher Orte und Zeiten neue Landschaften zusammen – zu Collagen und dreidimensional wahrnehmbaren Raumbildern. Ohne dokumentarisch sein zu wollen, lässt die Künstlerin aus meist zwei bis drei fotografischen Szenen und Motiven eine visuell auf kognitive Dissonanz zielende Ungleichzeitigkeit und Unverortbarkeit entstehen. Im Fokus sind dabei Veränderungen von Landschaften im Anthropozän.
Sigrun Drapatz
In dem Zyklus “Jedermann Selbstversorger” greift Sigrun Drapatz die sozial-ökologischen Konzepte der 1920er Jahre auf und reflektiert sie im Licht der aktuellen Ökologie-Bewegung.
Kiki Gebauer
Das Territorium, das Kiki Gebauer interessiert, ist der scheinbar leere Raum zwischen ihren konkreten Objekten und der Wand. Der hier durch Reflektion entstehende Farbraum, wirft die Frage auf, ist dieser Raum leer oder gefüllt. Wenn ja, womit und wofür steht es.
Simone Häckel
Die Videoarbeit von Simone Häckel versammelt Aufnahmen verschiedener Wildtiere, die mit einer fest installierten Kamera aufgenommen wurden. Ohne bewusstes Eingreifen dokumentiert die Kamera, wie sich die Tiere in ihrem Lebensraum bewegen – mal allein, mal auf scheinbar gemeinsamen Wegen.
Sichtbar werden Spuren individueller Territorien, Überlagerungen von Reviergrenzen und Momente der Begegnung.Im Zentrum steht die Frage, wem der Raum gehört – und wie er beansprucht, durchquert oder verteidigt wird.
Die Kamera als menschliches Beobachtungsinstrument verweist auf das fragile Gleichgewicht zwischen Rückzugsort und Überwachung, Naturraum und kulturellem Zugriff – und macht sichtbar, dass Territorien nicht nur gezogen, sondern täglich neu verhandelt werden.
Julia Krewani
In ihren Arbeiten greift Julia Krewani scheinbar Zufälliges aus dem alltäglichen Zeug heraus. Dabei handelt es sich meist um belanglose Gegenstände und Materialien, die jedoch durch ihre typischen und wiederkehrenden Muster unseren Lebensraum prägen. In objekthaften Zeichnungen imitiert die Künstlerin Momente, in denen die Dinge durch ihre plastische Verformung den Anschein des Gebrauchs und somit eine Individualisierung erhalten.
Karen Linnenkohl
Linnenkohls fotografische Arbeit beschäftigt sich mit Spiegelungen, Reflexionen und Überlappung verschiedener Bildebenen. Für die Ausstellung „Territories“ im Milchhof untersucht sie das Leben in der Reflexion einer Pfütze. Die Pfütze als Projektionsfläche. Was wäre, wenn man hier eintauchen könnte, wäre es ein Leben auf der anderen Seite? Ein kleiner Ausschnitt einer Welt, der sich je nach Standort verändert, im Foto jedoch eine Festlegung und damit eine Entscheidung für ein eingrenzbares Territorium erfährt.
Instagram: @karenlinnenkohl
Bettina Weiß
Weiß spielt im Medium Malerei Versionen des Topos „Landschaft“ anhand abstrakt geometrischer Kompositionen durch. Es entstehen so auf Holz in Acryl, Öl und Pastell “Landschaftsmöglichkeiten”, die sich im Mikro- oder Makrokosmos, so oder so ähnlich, in diesem Moment zeigen könnten. Territorien werden hier durch Raum und Zeit bestimmt. Wichtig ist in dem Zusammenhang die Umsetzung in einer Maltechnik, mit der die Farben pastos und lasierend, staubig und glänzend, die Farbflächen neben- und übereinander scheinbar in Bewegung gebracht werden.
Juliane Zelwies
Zelwies sucht aktuell nach künstlerischen Methoden, die es ermöglichen, sich in die Perspektive einer anderen Spezies hineinzuversetzen. In der gezeigten Arbeit analysiert sie das Vogelnest als Beispiel für eine nicht-anthropozentrische Architekturpraxis. Anhand eines Modells zeigt sie, wie sich Bauweise und Materialität von Nestern durch veränderte Umweltbedingungen – etwa im städtischen oder klimatischen Kontext – signifikant wandeln.
Scotty Berlin
Raum für aktuelle Kunst und experimentelle MedienOranienstrasse 46
D 10969 Berlin
U-Bahnhof Moritzplatz
Öffnungszeiten: FR: 15 –19 Uhr / SA: 14 – 18 Uhr
www.scotty-berlin.deTaged as/in; ausstellung, Bettina Weiss, Charlotte Bastian, Julia Krewani, Karen Linnenkohl, Kiki Gebauer, Scotty | Raum für aktuelle Kunst und experimentelle Medien, Sigrun Drapatz, Simone Häckel#writtenby
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